S populací téměř 1,5 milionů a stále roste, Třináct Kolonií se rychle rozšířila koncem 1750. Průmyslová Revoluce byla v plném proudu, a příliv přistěhovalců z Irska, Skotska, Itálie a Anglie za předpokladu, dostatek pracovníků zaplnit rostoucí počet pracovních míst ve výrobě. Jak se více oblastí kolonií vzdálilo od svých agrárních kořenů, jejich závislost na průmyslovém zboží z Britského impéria slábla. Současně došlo k posunu domácí produkce v koloniích, byla zde také ideologická, touha po nezávislosti na tyranské vlasti. Jako Anglie uloženy takové daně, jako je Razítko Akt 1765, Townshend Akty 1767, a Čaj Zákona z roku 1773, tak příliš dělal ire kolonistů. Na tomto pozadí byla bohatá a rozmanitá hudební Krajina složená z vlivů z mnoha zemí a tradic. A, jak se jednotlivé kolonie pohybovaly směrem k jedinečné zemi, stejně tak i jedinečně Americká zvuková scéna.
Toto období obrovské změny v koloniích byl také viděn ve světě hudby. V západní umělecké hudbě se barokní období, trvající přibližně od 1600-1750, blížilo ke konci. Známý slavných skladatelů jako Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, georg Friedrich Händel, tito skladatelé byli suverénní tvůrci melodické linky, propracované dekorace uvedeného nařízení, a mnoho skladeb pro komorní soubory. Z nich byl Bach předchůdcem své doby v barokní kompozici. Známý svými sólovými suity a varhanními díly, Bachův repertoár překlenul posvátné i světské. Jedním z Bachových nejslavnějších děl je Toccata a fuga d moll, BWV 565, napsaná pro varhany. Úvodní melodické linie skladby vyžadující umělce vysokého kalibru uvízly v uších posluchače po generace. Toccata zkoumá širokou škálu orgánu, vyžadující účinkující, aby prozkoumala daleko oktáv nástroje s velkou přesností a muzikantství. Sekce fugy se skládá ze čtyř hlasů a je napsána zcela v šestnáctých poznámkách. Neustálý pohyb všech čtyř částí a sólové pedálové linie, která je zavedena, poskytuje ostrý kontrast k úvodní části této práce. Bachova díla, včetně jeho Toccaty a fugy d moll, obstála ve zkoušce času a stále jsou považována za jedny z nejdůležitějších skladeb tohoto hudebního období. Nepochybně by jeho díla byla stále hrána a slyšena jak v koloniích, tak v Evropě během bezprostředního vedení a samotné války.
ale Bachova Hudba znamenala starší éru kompozičních zabarvení a technik. Jak se koncertní sály staly populárnějšími po celém světě, došlo k přirozenému posunu v typu hudby, která by mohla být v tomto novém prostředí provedena. Jako největší Barokní hudba byla původně složena pro posvátné účely, jakož i malé společenské akce, nová éra hudebníků a skladatelů nyní potřebné k dosažení sociální publikum, které pomáhala hudba z období stala vážná forma umění. Navíc se změnilo samotné složení souborů, které tyto práce prováděly. Další nástroje byly přidány do partitur, jako jsou klarinety, fagoty a další dechové nástroje jako pozoun (sackbut). Klasické Období se narodil, a s tím i národní hrdost v prosazování a podpora nativní hudebníků a skladatelů a více dostupnost prostý.
někteří z mnoha skladatelů v klasickém období byli Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven a Joseph Haydn. Tito muži, spolu s nesčetnými dalšími skladateli a hudebníky, byli hudební géniové, kteří vydláždili cestu v novém žánru symfonické kompozice. Symfonie, rozšířená hudební díla pocházející ze západní umělecké hudby, jsou obvykle psána pro velký orchestr. Orchestry tohoto období sestávaly z smyčcové sekce, dechové sekce, mosazné sekce a perkusní sekce. Celkem by se orchestr mohl pohybovat od přibližně 30 do více než 100 hudebníků. Byla to drastická změna oproti typickému prostředí komorní hudby, které bylo v období baroka tak populární. Všechny symfonie se skládají z několika pohybů, obvykle čtyř, které se velmi liší stylem a tempem. Nejčastěji se první věta skládá v sonátě nebo allegro formě, druhá věta v pomalejším tempu, třetí věta ve stylu tance (minuet nebo scherzo) a nakonec čtvrtá věta rondo nebo allegro. Je však třeba poznamenat, že existuje mnoho variací na výše uvedené formy, které skladatelům umožnily vyjádřit svou kreativitu.
Z mnoha významných osobností z období, krátký život a neuvěřitelné hudební příspěvky Wolfganga Amadea Mozarta, musí být zvýrazněny. Jako mladý zázračné dítě žijící v Salzburg, Mozart vynikal na klavír a housle a hrál pro Evropské královské rodiny ve velmi mladém věku. Po cestě do Vídně se Mozart rozhodl zůstat tam a ponořit se do jeho hudební kultury. Právě zde začal skládat symfonie, koncerty a opery. Jedna z jeho nejslavnějších symfonií je č. 40, g moll, k. 550. Tato práce byla dokončena v polovině roku 1788 a sestávala ze čtyř odlišných pohybů. Tyto pohyby zahrnují Allegro, Andante, Menuetto (trio) a finále.
v koloniích byli kolonisté vystaveni zcela novému zážitku z poslechu symfonických orchestrů ve velkých, velkolepých koncertních sálech. New York, Boston, a Philadelphia bylo jen několik velkých měst mezi severními koloniemi, které občanům nabídly prosperující hudební zážitek. Ranelagh Gardens byl otevřen v roce 1766 v New Yorku a byl vzorován po Londýnské pleasure gardens. Zahrady Ranelagh nabízely každodenní hudební vystoupení a taneční setkání. Kromě toho byly nástroje nyní snadněji dostupné pro nákup obyčejným uživatelem. Kolonisté, kteří bydleli ve větších městech, si mohli koupit nástroj a veškeré potřebné příslušenství v místním hudebním obchodě. Reklamy byly vytištěny a distribuovány podporovat nové hudební nástroje jako lesní roh a hoboj, což byl předchůdce moderní den hoboj. Pokud se tak žádoucí, hudební lektory, jako jsou Charles Láska inzeroval jeho hudební instruktážní služby jako „učí pánové na housle, hoboj, německých a společných flétna, fagot, lesní roh, tenor a bass viol.“
ačkoli se klasická éra západní umělecké hudby rozšířila po celé Evropě a Anglii na větší publikum více společenských tříd, přístup k těmto populárním hudebním tradicím byl mnohem menší pro ty, kteří žili v amerických koloniích. I přes malý růst velkých koncertních halách v severní kolonie, se nestal součástí Americké hudební kultury až do začátku devatenáctého století, a od té doby byla hudba nemůže být zaznamenány v tomto okamžiku v historii, živá vystoupení a koncerty byly jediný skutečný způsob, jak být ponořen v tomto žánru hudby. Hudba v koloniích tak vypadala na kompozičním papíře mnohem jinak než velcí skladatelé barokní a klasické éry. Pro mnohé to byly písně, které hrál jeden nebo několik hudebníků v tavernách nebo shromážděních s osobnějšími významy, které v tomto období nejvíce slyšel obyčejný člověk.
kolonisté často psali a hráli hudbu, která mluvila k jejich každodennímu životu. Využití běžných domácích nástrojů tohoto období, jako jsou cembala, housle, a flétny, malá setkání umožňovala sdílení hudby mezi přáteli a rodinou. Hudba byla pro kolonisty také způsobem, jak udržet své kulturní tradice a zvyky naživu a prosperovat v novém světě. Mnoho hudebních tradic žilo prostřednictvím kulturních svátků. Holandští osadníci v koloniích, například, pokračoval slavit křesťanský svátek, Pinkster, nebo jak to Angličané nazývali Whitsunday. Pinkster byl také považován za den, který představoval příchod jara. Tradice spočívala v tom, že nizozemské děti pochodovaly po městě, aby“ probudily “ jaro. Měšťané by otevřeli okna a dveře, aby vyjádřili svůj souhlas s novou sezónou. Pokud by domácnost neotevřela okna a dveře, zpívali by píseň „Luilak“, která se překládá do lazybones.
jak mezi koloniemi a korunou rostly frustrace, často tyto malé koncerty zahrnovaly hudbu, která mluvila ke stížnostem jejich publika. Písně o nedostatečném zastoupení v parlamentu a zesměšňování anglických vůdců se staly populárními. Příklad tohoto typu koloniální hudby lze nalézt v písni “ a Taxing we Will Go.“Zavedení zákona o známkách z roku 1765 pobouřilo kolonisty, protože měli pocit, že dostávají „zdanění bez zastoupení.“Texty specificky zaměřené na toto téma na dosah ruky, a upozorňuje, „moc nejvyššího Parlamentu náš účel udělal asist, a zdanění zákony v zahraničí byly zaslány, které rebelové odolat….“
Jako válce se usadil v celé kolonie, role hudby v každodenním životě vojáků a civilistů jen zvýšil. Hudba byla slyšet několika způsoby jak důstojníky, tak muži kontinentální a britské armády. Hudba byla způsob, jak poskytovat hovory a příkazy na pochodu, v táboře nebo na bojišti. Hudebníci mohli snadno hrát přes hlasité zvuky bitvy a poskytovat vojákům kadenční pochody a dokonce i taktickou signalizaci. Bubeníci byli jednou z nejdůležitějších hudebních pozic, které bylo možné zastávat ve vojenské kapele nebo jednotce. Po zařazení, bubeníci byli povinni učit se a zapamatovat si četné základy nebo beats využít po celý každý den v táboře, zatímco na pochodu a v bitvě. Jedním z nejznámějších základů americké revoluce je „Reveille.“Byla to hrál každý den za rozbřesku, aby upozornil vojáky, aby „stoupat a hřeben jeho vlasy a umýt ruce a tvář a být připraveni na úkoly dne“, stejně jako ukončení náročné na stráž. Bubny, které zněly tyto základy, byly vyrobeny z dřevěného rámu a horní a dolní „hlavy“ z telecí kůže nebo ovčí kůže, které byly poté nataženy přes rám. Pro vytvoření napětí a pomoc při ladění byla lana přichycena otvory vyvrtanými do dřevěného rámu. Dodatečně, čtyři až šest pramenů katgutu nebo surové kůže bylo nataženo přes spodní střed hlavy bubnu, aby se vytvořily léčky. Bubny však nebyly jediným důležitým zvukem na hudební scéně v rámci obou armád.
Fife byl také klíčovým nástrojem během americké revoluce. Díky svým hlasitým projekčním schopnostem mohli vojáci slyšet tento nástroj nad zvuky armády na pochodu nebo kakofonii bitvy. Populární píseň éry, která prominentně představovala tento nástroj, byla “ Yankee Doodle.“Dodnes široce známý, získal svou známost v americkém hudebním vědomí během americké revoluce. Původně tuto melodii zpívali britští vojenští důstojníci jako způsob, jak zesměšňovat smutný stav kolonistů a jejich armády. Kolonisté přijali tento výsměch a poskytli jim pocit kamarádství a vlastenectví. K překvapení mnoha Britských důstojníků a mužstva, Washington mužů obrátil hanlivý důsledky této písně kolem a používá to jako píseň vzdoru a hrdosti. Tím pádem,“ Yankee Doodle “ se stal písní nejen koloniální, ale národní uznání.
v britské armádě byla populární vojenská píseň, kterou vojáci slyšeli během americké revoluce, “ britští granátníci.“Tradiční pochodová píseň, která byla nastavena na melodii chodit s někým zpět do sedmnáctého století, odkazuje na konkrétní typ britského vojáka známého jako granátník. Tento typ vojáka využívala britská armáda od poloviny do konce sedmnáctého století s jedním z jejich jediných úkolů házet granáty na nepřítele. Britská armáda si vždy vybrala největší nejschopnější muže, aby byli granátníci. Jak se vyvíjel čas a vojenský pokrok, používání granátů se stalo zbytečným. Britská armáda si však stále vybrala vojáky jako Granátníky. Pro vojáky bylo ctí, že byli vybráni, aby obhájili toto vážené postavení. Píseň byla pro britskou armádu způsobem, jak ctít a zapouzdřit skutečné vlastenectví všech britských jednotek.
období revoluční války bylo obdobím definovaným nesmírnými změnami. Příliv imigrace, rychle rostoucí počet obyvatel, posun v hrubých domácích produktů a filozofické a ideologické rozpory se zákony a politika Anglie v koloniích jsou jen některé z mnoha změn, které přineslo od těch, kteří žijí prostřednictvím této turbulentní době. Hudba během období revoluční války nebyla výjimkou, pokud došlo ke změně. Barokní éra skončila a ustoupila klasické éře. Písně a hudba o každodenním životě kolonistů ustoupily, aby odrážely jejich rostoucí frustrace a náladu vůči Anglii, nezávislost, a válka. S touto změnou přišel nový hudební soundscapes jako kolonisté vstoupil do armády a Britské armády obsazené a přestěhoval se přes obrovské části kolonie sami. Vojenská hudba a hudebníci tak vstoupili na koloniální hudební scénu. Soutok všechny tyto sociální a kulturní změny plodil nové, bohatá a různorodá hudební krajina, která nadále upevnila jako válka dala vzniknout nový národ, a s tím, kousky hudby, která zůstává populární dodnes.
Další Čtení
-
Historie Moderní Hudby Podle: J. Peter Burkholderová, Donald J. Grout, a Claude V. Palisca
-
Hudba z Občanské Války Éry: Steven H. Cornelius
-
americký Hudební Život: Richard Crawford