Eine Alpensinfonie

Eine Alpensinfonie ist für ein großes Orchester bestehend aus:

Strauss schlug ferner vor, die Harfen und einige Holzblasinstrumente nach Möglichkeit zu verdoppeln, und wies darauf hin, dass die angegebene Anzahl von Streichern als Minimum angesehen werden sollte.

Die Verwendung von „Samuels Aerophon“ wird in der Instrumentierungsliste vorgeschlagen. (Strauss hat den Namen wahrscheinlich falsch verstanden – er hieß ursprünglich Aerophor.) Dieses lang ausgestorbene Gerät, das 1911 vom niederländischen Flötisten Bernard Samuels erfunden wurde, um Bläsern dabei zu helfen, lange Noten ohne Unterbrechung aufrechtzuerhalten, war eine Fußpumpe mit einem Luftschlauch, der sich bis zum Mund des Spielers erstreckte. Moderne Bläser nutzen jedoch die Technik der Zirkularatmung, bei der es möglich ist, durch die Nase einzuatmen und gleichzeitig den Klang durch Anpassung des Blasdrucks im Mund aufrechtzuerhalten.

Eine weitere Kuriosität bei der Wertung ist, dass der für das Heckelphone geschriebene Part bis F2 reicht, während die tiefste Note, die das Heckelphone spielen kann, A2 ist. Versuche, dieses Problem anzugehen, haben zur Erfindung des Lupophons geführt.

Programmbearbeiten

Der Heimgarten in Südbayern, wo Strauss sich für die Komposition inspirieren ließ.

Obwohl eine Alpensinfonie als ein kontinuierlicher Satz aufgeführt wird, hat sie ein eigenes Programm, das jede Phase der Alpenreise in chronologischer Reihenfolge beschreibt. Die Partitur enthält die folgenden Abschnittstitel (nicht in der Partitur nummeriert):

1. Nacht
2. Sonnenaufgang
3. Der Aufstieg
4. Eintritt in den Wald
5. Wanderung neben dem Bache
6. Am Wasserfall
7. Erscheinung
8. Auf blumigen Wiesen
9. Auf der Alm
10. Durch Dickicht und Gestrüpp auf Irrwegen
11. Auf dem falschen Weg Durch Dickicht und Gestrüpp auf Irrwegen
12. Auf dem Gletscher (Auf dem Gletscher)
13. Gefahrvolle Augenblicke (Dangerous Moments)
14. Auf dem Gipfel (On the Summit)
15. Vision (Vision)
16. Nebel steigen auf (Mists Rise)
17. Die Sonne verdüstert sich allmählich (The Sun Gradually Becomes Obscured)
18. Elegie (Elegy)
19. Stille vor dem Sturm (Calm Before the Storm)
20. Gewitter und Sturm, Abstieg (Thunder and Tempest, Descent)
21. Sonnenuntergang (Sunset)
22. Ausklang (Quiet Settles)
23. Nacht (Night)

In terms of formal analysis, attempts have been made to group these abschnitte zusammen, um eine „gigantische Lisztian symphonische Form zu bilden, mit Elementen einer Einführung, Eröffnung Allegro, Scherzo, langsamer Satz, Finale, und Epilog.“ Im Allgemeinen wird jedoch angenommen, dass Vergleiche mit jeder Art traditioneller symphonischer Form sekundär zu dem starken Sinn für Struktur sind, der durch den musikalischen Piktorialismus und die detaillierte Erzählung des Stücks entsteht.

Themen, Form und Analyse

Obwohl vom Komponisten als Symphonie bezeichnet, ist eine Alpensinfonie eher eine Tondichtung, da sie auf die Konventionen der traditionellen mehrsätzigen Symphonie verzichtet und aus zweiundzwanzig fortlaufenden Musikabschnitten besteht.Strauss ‚Alpensinfonie beginnt mit einem Unisono B♭ in den Streichern, Hörnern und unteren Holzbläsern. Von dieser Note steigt langsam eine dunkle B♭-Moll-Tonleiter ab. Jede neue Note wird aufrechterhalten, bis schließlich jeder Grad der Tonleiter gleichzeitig gehört wird, wodurch eine „undurchsichtige Tonmasse“ entsteht, die die tiefe, mysteriöse Nacht auf dem Berg darstellt. Posaunen und Tuba treten aus dieser Klangwaschung hervor, um feierlich das Bergthema zu deklamieren, ein majestätisches Motiv, das sich in späteren Abschnitten des Stücks häufig wiederholt.

Diese Passage ist ein seltenes Beispiel für Strauss ‚Verwendung von Polytonalität, da die wechselnde Harmonie im Mittelteil des Bergthemas (das einen d-Moll-Dreiklang enthält) intensiv mit den anhaltenden Noten der B clashes-Moll-Tonleiter kollidiert.

Wenn in „Sunrise“ die Nacht dem Tageslicht weicht, erklingt das Thema der Sonne — ein Lied in Dur, das thematisch mit der Eröffnungsskala der Nachtzeit verwandt ist. Ein Nebenthema, das durch eine gebundene Triolette gekennzeichnet ist und in der ersten Hälfte des Stücks zahlreich vorkommt, erscheint unmittelbar danach und etabliert sich 7 Takte später in D♭-Dur (dem relativen Dur von B♭-Moll) vollständig.

Formal kann der mit „Der Aufstieg“ bezeichnete Abschnitt als Ende der langsamen Einleitung einer Alpensinfonie und Beginn des eigentlichen Allegro des Werkes verstanden werden. Harmonisch entfernt sich diese Passage vom dunklen H♭-Moll der Eröffnung und legt die Tonart E♭-Dur fest. In „Der Aufstieg“ präsentiert Strauss zwei weitere musikalische Hauptmotive, die im gesamten Stück prominent zurückkehren werden. Das erste ist ein Marschthema voller gepunkteter Rhythmen, das in den unteren Streichern und der Harfe präsentiert wird, deren Form tatsächlich den physischen Akt des Kletterns durch die Verwendung großer Aufwärtssprünge suggeriert.

Das zweite Thema ist eine spitze, triumphale Fanfare, die von den Blechbläsern gespielt wird und die raueren, gefährlicheren Aspekte des Aufstiegs darstellt.

Kurz nach dem Erscheinen dieses zweiten Klettermotivs hören wir die fernen Klänge einer Jagdgesellschaft, die Strauss geschickt durch die Verwendung eines Bandes aus zwölf Hörnern, zwei Trompeten und zwei Posaunen außerhalb der Bühne darstellt. Wie Norman Del Mar betont, „sind die Fanfaren völlig unmotiviert und weder die Jagdhörner noch ihre Phrasen sind während des gesamten Werkes wieder zu hören“. Die Verwendung einzigartiger musikalischer Motive und Instrumente in dieser Passage verstärkt die Idee der Distanz, die durch die Platzierung außerhalb der Bühne entsteht — diese Klänge gehören zu einer Gruppe von Menschen auf einer ganz anderen Reise.

Beim Betreten des Waldes kommt es zu einem abrupten Wechsel von Textur und Stimmung — die „Instrumentaltöne vertiefen sich, während dichtes Laub das Sonnenlicht verdeckt“. Ein neues Mäanderthema wird von den Hörnern und Posaunen präsentiert, gefolgt von einer entspannteren Version des Marschthemas. In den oberen Holzbläsern sind Vogelstimmen zu hören und ein Solo-Streichquartett leitet den Übergang in den nächsten musikalischen Abschnitt ein.

Der folgende Abschnitt des Stücks kann als großer entwicklungsähnlicher Abschnitt interpretiert werden, der mehrere verschiedene Phasen des Aufstiegs umfasst. In „Wandering by the Brook“ gibt es ein zunehmendes Gefühl von Energie— rauschende Passage-Arbeit weicht kaskadierenden Skalenfiguren in den Bläsern und Streichern und markiert den Beginn des Abschnitts, der „Am Wasserfall“ stattfindet. Die brillante, glitzernde Instrumentalschrift in dieser Passage macht sie zu einem der „lebendigsten“ Momente der Tonmalerei innerhalb einer Alpensinfonie.

Auch der spätere Abschnitt „Auf blühenden Wiesen“ bedient sich ausgiebig des orchestralen Piktorialismus — die Wiese wird von einem sanften Hintergrund hoher Streicherakkorde suggeriert, das Marschthema ist leise in den Celli zu hören, und vereinzelte Farbpunkte (kurze Noten in den Bläsern, Harfe und Pizzicato in den Bratschen, die kleine Alpenblumen darstellen) prägen die Landschaft. In diesem Abschnitt erscheint ein gewelltes Motiv in den Saiten und wird auf dem Gipfel als majestätischer gepunkteter Rhythmus stärker hervorgehoben.

Im folgenden Abschnitt, der „Auf der Alm“ stattfindet, erzeugen die Verwendung von Kuhglocken, Vogelstimmen, ein Jodelmotiv, das zuerst auf dem Englischhorn zu hören war, und sogar das Blöken von Schafen (dargestellt durch flatternde Zunge in der Oboe und E♭ Klarinette) ein starkes visuelles und akustisches Bild. Das erste Horn und die oberen Saiten führen eine weitere sekundäre Figur ein, die dem sekundären Motiv bei „Sunrise“ ähnelt, einem sekundären Rhythmus, der auf dem Gipfel zu sehen ist.

Während sich die Kletterer entlang bewegen, wird das Gehen jedoch etwas rauer, und in „gefährlichen Momenten“ wird die Idee von Unsicherheit und Gefahr geschickt durch die fragmentarische Natur der Textur und die Verwendung des spitzen zweiten Kletterthemas suggeriert.

Plötzlich sind wir „Auf dem Gipfel“, als vier Posaunen ein Thema präsentieren, das als „Gipfelmotiv“ bekannt ist und dessen Form (mit seinen kraftvollen Aufwärtssprüngen von Quarten und Quinten) an Strauss ‚berühmte Eröffnung von Also Sprach Zarathustra erinnert. Diese Passage ist das Herzstück der Partitur, und nachdem eine Solo-Oboe eine zögerliche Melodie stammelt, baut sich der Abschnitt allmählich mit einer Abfolge von Themen auf, die zuvor im Stück zu hören waren, und gipfelt schließlich in dem, was Del Mar den „lang erwarteten emotionalen Höhepunkt der Symphonie“ nennt: eine Rekapitulation des Sonnenthemas, jetzt herrlich verkündet in C-Dur.

Mit einem plötzlichen Wechsel der Tonalität nach F♯-Dur wird das Stück jedoch in den nächsten Abschnitt mit dem Titel „Vision.“ Dies ist eine etwas Entwicklungspassage, die nach und nach mehrere der musikalischen Hauptthemen der Symphonie zusammenfasst und aus instabilen, sich verschiebenden Harmonien besteht. In diesem Teil des Stückes tritt die Orgel zum ersten Mal ein und verleiht Strauss ‚ohnehin enormen Aufführungskräften noch mehr Tiefe. Mit der Deklamation des Bergmotivs in der Originaltonart H♭-Moll durch die Blechbläser am Ende dieser Passage glaubt Del Mar „das Gefühl der Erfüllung ist vollendet, die Rekapitulation hat begonnen, und die Struktur der Symphonie hat in Bruckner-Manier ihren logischen Höhepunkt gefunden.“

Kurz nach diesem musikalischen Höhepunkt kommt es jedoch zu einem abrupten Wechsel von Stimmung und Charakter, als der Abschnitt mit dem Titel „Mists Rise“ beginnt. Diese Atmosphäre der Spannung und Angst wächst in den nächsten beiden Abschnitten weiter („Die Sonne wird allmählich verdunkelt“ und „Elegie“). Wenn das Stück die „Ruhe vor dem Sturm“ erreicht, wiederholt sich eine Kombination aus einem Motiv, das während der Elegie zu hören ist, und dem zuvor auf dem Höhepunkt zu hörenden stammelnden Oboenmotiv bedrohlich und leise in Moll.

In diesem Abschnitt führen ein bedrohlicher Trommelwirbel, stotternde Instrumente, vereinzelte Regentropfen (kurze Töne in den oberen Holzbläsern und Pizzicato in den Violinen), Blitze (im Piccolo), der Einsatz einer Windmaschine und Andeutungen der Dunkelheit (durch die Verwendung eines absteigenden Tonleitermotivs, das an das Eröffnungsthema „Nacht“ erinnert) das Stück in die volle Wut des Sturms.

Eine moderne Windmaschine, ein Instrument, mit dem Sturmeffekte erzeugt werden

“ Thunder and Tempest, Descent“ markiert den Beginn der letzten Phase der Reise, die in einer Alpensinfonie beschrieben wird. In dieser Passage fordert Strauss die größte Instrumentierung im gesamten Stück, einschließlich der Verwendung einer Donnermaschine und des starken Einsatzes von Orgel. In modernen Performances können diese Sturmgeräusche mit synthetisierten Soundeffekten ergänzt werden, um einen noch gewaltigeren Effekt zu erzielen. Während die durchnässten Kletterer schnell ihre Schritte den Berg hinunter zurückverfolgen und eine vertraute Szene nach der anderen durchlaufen, werden viele der musikalischen Ideen, die zu Beginn des Stücks vorgestellt wurden, erneut gehört, wenn auch diesmal in umgekehrter Reihenfolge, in einem sehr schnellen Tempo und in Kombination mit der tobenden Wut des Sturms.

Irgendwann beginnt der musikalische Sturm jedoch nachzulassen. Der schwere, treibende Regen wird wieder durch vereinzelte Tropfen in den Holzbläsern und Pizzicato-Streichern ersetzt, das Bergthema wird von den Blechbläsern in der Originaltonart H♭-Moll proklamiert, und das Stück wird allmählich in einen schönen „Sonnenuntergang“ eingeleitet. Es ist hier, dass einige glauben, dass die „Coda“ der Symphonie beginnt – anstatt neues musikalisches Material zu präsentieren, sind diese letzten drei Abschnitte voller „wehmütiger Nostalgie“ für die schönen Momente früher im Stück.

In „Sunset“ wird das etablierte Sonnenthema langsam und weiträumig behandelt und erreicht schließlich einen strahlenden Höhepunkt, der in „Ausklang“ abklingt. Dieser Abschnitt, der als „in sanfter Ekstase“ gespielt wird, entspricht dem früheren Abschnitt „Vision“, hat jedoch einen viel weicheren, friedlicheren Charakter. Schließlich bewegt sich die Harmonie von der in „Ausklang“ festgelegten E♭-Dur-Tonart (eine Tonart, die der von „The Ascent“, dem Beginn der „Exposition“ einer Alpensinfonie, entspricht) zurück in die Dunkelheit und das Geheimnis von B♭-Moll. In diesen schattigen Schlussmomenten des Stückes erklingt noch einmal die nachhaltig absteigende Tonleiter aus der eröffnenden „Nacht“, die eine Tiefe von sechs vollen Oktaven erreicht. Als die Blechbläser aus dem Klang auftauchen, um das Bergthema ein letztes Mal tief zu verkünden, ist es fast so, als ob „die riesigen Umrisse der edlen Messe nur in der Dunkelheit zu erkennen sind“. In den letzten Takten spielen die Violinen eine langsame, eindringliche Variation des Marschthemas, die mit einem letzten, sterbenden Glissando bis zur letzten Note endet.