Mit einer Bevölkerung von fast 1,5 Millionen und wächst, expandierten die dreizehn Kolonien schnell von den späten 1750er Jahren. Die industrielle Revolution war im Gange, und ein Zustrom von Einwanderern aus Irland, Schottland, Italien und England zur Verfügung gestellt viele Arbeiter, um die wachsende Zahl von Arbeitsplätzen in der Fertigung zu füllen. Als sich immer mehr Gebiete der Kolonien von ihren landwirtschaftlichen Wurzeln entfernten, Ihre Abhängigkeit von Industriegütern aus dem britischen Empire schwand. Gleichzeitig verlagerte sich die inländische Produktion in den Kolonien, es gab auch eine ideologische, den Wunsch nach Unabhängigkeit vom tyrannischen Mutterland. Als England Steuern wie den Stamp Act von 1765, die Townshend Acts von 1767 und den Tea Act von 1773 auferlegte, tat dies auch der Zorn der Kolonisten. Vor diesem Hintergrund entstand eine reiche und vielfältige Musiklandschaft, die sich aus Einflüssen zahlreicher Länder und Traditionen zusammensetzte. Und als sich die einzelnen Kolonien in Richtung eines einzigen Landes bewegten, tat dies auch eine einzigartig amerikanische Klanglandschaft.
Diese Zeit des immensen Wandels in den Kolonien wurde auch in der Welt der Musik gesehen. In der westlichen Kunstmusik näherte sich die Barockzeit von etwa 1600 bis 1750 ihrem Ende. Bekannt für berühmte Komponisten wie Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi und Georg Friedrich Händel, waren diese Komponisten meisterhafte Schöpfer melodischer Linien, aufwendiger Dekoration und zahlreicher Stücke für Kammerensembles. Von diesen war Bach der Vorläufer seiner Zeit in der barocken Komposition. Bekannt für seine Solosuiten und Orgelwerke, umfasste Bachs Repertoire sowohl das geistliche als auch das Weltliche. Eines der berühmtesten Werke Bachs ist die Toccata und Fuge d-Moll BWV 565 für Orgel. Die melodischen Linien des Stücks, die einen hochkarätigen Interpreten erfordern, bleiben dem Hörer seit Generationen im Ohr. Die Toccata erkundet das breite Spektrum der Orgel und erfordert vom Interpreten, die weiten Oktaven des Instruments mit großer Präzision und Musikalität zu erkunden. Der Fugenabschnitt besteht aus vier Stimmen und ist vollständig in Sechzehntelnoten geschrieben. Die ständige Bewegung aller vier Teile und die eingeführte Solopedallinie bilden einen starken Kontrast zum Eröffnungsteil dieses Werkes. Bachs Werke, einschließlich seiner Toccata und Fuge in D-Moll, haben den Test der Zeit bestanden und gelten immer noch als einige der wichtigsten Kompositionen dieser musikalischen Zeit. Zweifellos wären seine Werke sowohl in den Kolonien als auch in Europa während der unmittelbaren Vorgeschichte und des Krieges selbst noch gespielt und gehört worden.
Aber die Musik Bachs bedeutete eine ältere Ära kompositorischer Klangfarben und Techniken. Als Konzertsäle auf der ganzen Welt immer beliebter wurden, gab es eine natürliche Verschiebung in der Art der Musik, die in dieser neuen Umgebung aufgeführt werden konnte. Da die meiste Barockmusik ursprünglich für geistliche Zwecke sowie für kleine gesellschaftliche Zusammenkünfte komponiert wurde, musste nun eine neue Ära von Musikern und Komponisten das soziale Publikum erreichen, das der Musik dieser Zeit half, eine ernsthafte Kunstform zu werden. Darüber hinaus änderte sich die Zusammensetzung der Ensembles, die diese Werke aufführten. Den Partituren wurden weitere Instrumente hinzugefügt, wie Klarinetten, Fagotte und zusätzliche Blechblasinstrumente wie die Posaune (Sackbut). Die klassische Periode war geboren, und mit ihr der Nationalstolz, einheimische Musiker und Komponisten zu fördern und zu fördern, und mehr Zugänglichkeit für den Bürger.
Einige der vielen Komponisten der Klassik waren Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven und Joseph Haydn. Diese Männer waren zusammen mit unzähligen anderen Komponisten und Musikern musikalische Genies, die den Weg in das neue Genre der symphonischen Komposition ebneten. Symphonien, ausgedehnte musikalische Werke der westlichen Kunstmusik, werden normalerweise für ein großes Orchester geschrieben. Orchester dieser Zeit bestanden aus einer Streichersektion, einer Holzbläsersektion, einer Blechbläsersektion und einer Schlagzeugsektion. Insgesamt könnte ein Orchester von ungefähr 30 bis über 100 Musikern reichen. Dies war eine drastische Veränderung gegenüber dem typischen kammermusikalischen Rahmen, der während der Barockzeit so beliebt war. Alle Symphonien bestehen aus mehreren Sätzen, normalerweise vier, die sich in Stil und Tempo stark unterscheiden. Meistens ist der erste Satz in Sonaten- oder Allegro-Form komponiert, der zweite Satz in einem langsameren Tempo, der dritte Satz im Tanzstil (Menuett oder Scherzo) und schließlich der vierte Satz ein Rondo oder ein Allegro. Es sei jedoch darauf hingewiesen, dass es viele Variationen der oben genannten Formen gab, die es den Komponisten ermöglichten, ihre Kreativität auszudrücken.
Von den vielen Persönlichkeiten dieser Zeit müssen das kurze Leben und die unglaublichen musikalischen Beiträge von Wolfgang Amadeus Mozart hervorgehoben werden. Als kleines Wunderkind, das in Salzburg lebte, brillierte Mozart am Klavier und an der Violine und trat schon in jungen Jahren für europäische Könige auf. Nach einer Reise nach Wien entschied sich Mozart, dort zu bleiben und in die Musikkultur einzutauchen. Hier begann er Symphonien, Konzerte und Opern zu komponieren. Eine seiner berühmtesten Sinfonien ist Nr. 40 g-Moll KV 550. Dieses Werk wurde Mitte 1788 fertiggestellt und bestand aus vier verschiedenen Sätzen. Zu diesen Sätzen gehören Allegro, Andante, Menuetto (Trio) und Finale.
In den Kolonien wurden die Kolonisten einem völlig neuen Hörerlebnis ausgesetzt, das von Symphonieorchestern in großen, grandiosen Konzertsälen aufgeführt wurde. New York, Boston und Philadelphia waren nur einige große Städte unter den nördlichen Kolonien, die den Bürgern ein blühendes Musikerlebnis boten. Ranelagh Gardens wurde 1766 in New York City eröffnet und war nach dem Vorbild der Londoner Pleasure Gardens gestaltet. Die Ranelagh Gardens boten täglich musikalische Darbietungen und Tanzveranstaltungen. Darüber hinaus waren Instrumente jetzt leichter für den Kauf durch den Bürger verfügbar. Kolonisten, die in größeren Städten wohnten, konnten ein Instrument und alles notwendige Zubehör in ihrem örtlichen Musikgeschäft kaufen. Es wurden Anzeigen gedruckt und verteilt, um für neue Musikinstrumente wie das Waldhorn und den Hautboy zu werben, Das war der Vorgänger der modernen Oboe. Wenn sie es wünschten, Musiklehrer wie Charles Love bewarben seine musikalischen Unterrichtsdienste als „unterrichtet Herren die Violine, Hautboy, Deutsche und gemeinsame Flöte, Fagott, Waldhorn, Tenor und Bassgambe.“
Obwohl sich die klassische Ära der westlichen Kunstmusik in ganz Europa und England auf ein größeres Publikum aus mehr sozialen Schichten ausdehnte, war der Zugang zu diesen populären Musiktraditionen für diejenigen, die in den amerikanischen Kolonien lebten, weit weniger zugänglich. Trotz des geringen Wachstums großer Konzertsäle in den nördlichen Kolonien wurden sie erst zu Beginn des neunzehnten Jahrhunderts Teil der amerikanischen Musikkultur. und da Musik zu diesem Zeitpunkt in der Geschichte nicht aufgenommen werden konnte, waren Live-Auftritte und Konzerte die einzige echte Möglichkeit, in dieses Musikgenre einzutauchen. So sah die Musik in den Kolonien auf dem Kompositionspapier ganz anders aus als die großen Komponisten des Barock und der Klassik. Für viele waren es Lieder, die von einem oder wenigen Musikern in Tavernen oder Versammlungen mit persönlicheren Bedeutungen aufgeführt wurden, die in dieser Zeit vom Bürger am meisten gehört wurden.
Kolonisten schrieben und spielten oft Musik, die zu ihrem täglichen Leben sprach. Verwendung gemeinsamer Haushaltsinstrumente dieser Zeit wie Cembali, Geigen, und Flöten, Kleine Versammlungen ermöglichten den Austausch von Musik unter Freunden und Familie. Musik war auch eine Möglichkeit für Kolonisten, ihre kulturellen Traditionen und Bräuche in der neuen Welt am Leben zu erhalten und zu gedeihen. Viele musikalische Traditionen lebten durch kulturelle Feiertage weiter. Niederländische Siedler in den Kolonien feierten zum Beispiel weiterhin den christlichen Festtag Pinkster oder wie die Engländer ihn Whitsunday nannten. Pinkster wurde auch als ein Tag angesehen, der das Kommen des Frühlings darstellte. Die Tradition bestand darin, dass niederländische Kinder durch die Stadt zogen, um den Frühling zu „erwecken“. Die Stadtbewohner öffneten ihre Fenster und Türen, um ihre Akzeptanz der neuen Saison zu signalisieren. Wenn ein Haushalt seine Fenster und Türen nicht öffnete, sangen sie das Lied „Luilak“, was übersetzt Faulheit bedeutet.
Als die Frustrationen zwischen den Kolonien und der Krone zunahmen, enthielten diese kleinen Konzerte oft Musik, die die Beschwerden ihres Publikums ansprach. Lieder über die mangelnde Vertretung im Parlament und spöttische englische Führer wurden populär. Ein Beispiel für diese Art von Kolonialmusik ist das Lied „A Taxing We Will Go.“ Die Einführung des Stempelgesetzes von 1765 empörte die Kolonisten, da sie das Gefühl hatten, „Steuern ohne Vertretung “ zu erhalten.“ Die Texte speziell auf das Thema konzentriert bei der Hand, unter Hinweis darauf, „Die Macht supreme des Parlaments unser Zweck asist tat, und Steuergesetze im Ausland geschickt wurden, die die Rebellen widerstehen….“
Als sich der Krieg in den Kolonien niederließ, Die Rolle der Musik im täglichen Leben von Soldaten und Zivilisten nahm nur zu. Musik wurde auf verschiedene Arten von Offizieren und Männern der kontinentalen und britischen Armee gehört. Musik war eine Möglichkeit, auf dem Marsch, im Lager oder auf dem Schlachtfeld Anrufe und Befehle zu erteilen. Musiker konnten leicht über die lauten Geräusche der Schlacht spielen, die Truppen mit Kadenzmarschieren und sogar taktischen Signalen versorgten. Schlagzeuger waren eine der wichtigsten musikalischen Positionen, die innerhalb einer Militärkapelle oder -einheit gehalten werden konnten. Nach der Rekrutierung mussten die Trommler zahlreiche Rudimente oder Beats lernen und auswendig lernen, die sie jeden Tag im Lager, auf dem Marsch und im Kampf einsetzen konnten. Eines der bekanntesten Rudimente aus der amerikanischen Revolution ist „Reveille.“ Es sollte jeden Tag bei Tagesanbruch gespielt werden, um die Soldaten darauf aufmerksam zu machen, „sich zu erheben und seine Haare zu kämmen und seine Hände und sein Gesicht zu reinigen und für die Aufgaben des Tages bereit zu sein“ sowie die Beendigung des Kampfes durch die Wache. Die Trommeln, die diese Rudimente klangen, bestanden aus einem Holzrahmen und oberen und unteren „Köpfen“ aus Kalbsleder oder Schaffell, die dann über den Rahmen gespannt wurden. Um Spannung zu erzeugen und das Stimmen zu unterstützen, wurden Seile durch Löcher geschnürt, die in den Holzrahmen gebohrt wurden. Zusätzlich wurden vier bis sechs Stränge Catgut oder Rohleder über die untere Mitte des Trommelkopfes gespannt, um Schlingen zu erzeugen. Trommeln waren jedoch nicht der einzige wichtige Klang in der Musiklandschaft beider Armeen.
Die Fife war auch ein Schlüsselinstrument während der amerikanischen Revolution. Mit seinen lauten Projektionsfähigkeiten konnten die Truppen dieses Instrument über die Geräusche einer Armee auf dem Marsch oder die Kakophonie der Schlacht hören. Ein beliebtes Lied der Ära, die prominent dieses Instrument kennzeichnete, war „Yankee Doodle.“ Noch heute weithin bekannt, erlangte es während der amerikanischen Revolution seine Vertrautheit im amerikanischen Musikbewusstsein. Ursprünglich wurde diese Melodie von britischen Militäroffizieren gesungen, um den traurigen Zustand der Kolonisten und ihrer Armee zu verspotten. Die Kolonisten umarmten diesen Spott und es gab ihnen ein Gefühl von Kameradschaft und Patriotismus. Zur Überraschung vieler britischer Offiziere und Soldaten drehten Washingtons Männer die abfälligen Implikationen dieses Liedes um und benutzten es als Lied des Trotzes und des Stolzes. So wurde „Yankee Doodle“ zu einem Lied, das nicht nur kolonial, sondern auch national gefeiert wurde.
In der britischen Armee war ein beliebtes Militärlied, das Soldaten während der amerikanischen Revolution hörten, „Die britischen Grenadiere.“ Ein traditionelles Marschlied, das auf eine Melodie aus dem siebzehnten Jahrhundert gesetzt wurde, es bezieht sich auf eine bestimmte Art von britischen Soldaten als Grenadier bekannt. Diese Art von Soldaten wurde von der britischen Armee ab Mitte bis Ende des siebzehnten Jahrhunderts mit einer ihrer einzigen Aufgaben verwendet, um Granaten auf den Feind zu werfen. Die britische Armee wählte immer die größten fähigsten Männer als Grenadiere. Mit der Zeit und dem militärischen Fortschritt wurde der Einsatz von Granaten unnötig. Die britische Armee wählte jedoch immer noch Soldaten als Grenadiere. Es war eine Ehre für Soldaten, ausgewählt zu werden, um diese geschätzte Position aufrechtzuerhalten. Das Lied war eine Möglichkeit für die britische Armee, den wahren Patriotismus aller britischen Truppen zu ehren und einzukapseln.
Die Zeit des Unabhängigkeitskrieges war eine Ära, die von immensen Veränderungen geprägt war. Ein Zustrom von Einwanderern, eine schnell wachsende Bevölkerung, eine Verschiebung des Bruttoinlandsprodukts und philosophische und ideologische Spaltungen mit den Gesetzen und der Politik Englands innerhalb der Kolonien sind nur einige der vielen Veränderungen, die von denen erlebt wurden, die diese turbulente Zeit durchlebten. Musik während des Unabhängigkeitskrieges war keine Ausnahme, wenn es um Veränderungen ging. Die Barockzeit war zu Ende und der Klassik gewichen. Lieder und Musik über das tägliche Leben der Kolonisten machten Platz, um ihre wachsende Frustration und Stimmung gegenüber England, Unabhängigkeit und Krieg widerzuspiegeln. Mit dieser Veränderung kamen neue musikalische Klanglandschaften, als Kolonisten in die Armee eintraten und britische Armeen weite Teile der Kolonien selbst besetzten und durchzogen. Militärmusik und Musiker traten damit in die koloniale Musikszene ein. Der Zusammenfluss all dieser sozialen und kulturellen Veränderungen brachte eine neue, reiche und vielfältige Musiklandschaft hervor, die sich weiter verfestigte, als der Krieg eine neue Nation hervorbrachte, und mit ihr Musikstücke, die bis heute populär sind.
Weiterführende Literatur
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Die Geschichte der modernen Musik von: J. Peter Burkholder, Donald J. Grout und Claude V. Palisca
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Musik der Bürgerkriegszeit Von: Steven H. Cornelius
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Amerikas musikalisches Leben Von: Richard Crawford