Kunst ist ein Werkzeug für kreativen Ausdruck, und Künstler haben lange die Grenzen dessen verschoben, was die Gesellschaft für sozial akzeptabel hält. Die Rolle der Zensur hat erhebliche Auswirkungen auf das künstlerische Schaffen und kann die schöpferische Fähigkeit eines Künstlers einschränken. Die folgende Liste befasst sich mit 15 fesselnde Geschichten von Künstlern, die keine Angst hatten, Grenzen zu testen und den Weg für die offene Plattform zu ebnen, die Kunst durch Erforschung der Sexualität geworden ist, Missachtung kultureller Normen, oder offene politische Aussagen.
Als integraler Bestandteil der Populärkultur kann Kunst von Natur aus schockierend sein. Manchmal ist der Schockfaktor sogar ein Werkzeug, mit dem Künstler ein Thema oder Thema ans Licht bringen, das sie erforschen möchten. Künstler wie Marcel Duchamp und Pablo Picasso brachen die Form der modernen Kunst und ebneten so den Weg für die Kunst, wie wir sie heute kennen. Unten, Erkunden Sie unsere Liste von 15 der umstrittensten Momente in der Kunst der letzten zwei Jahrhunderte.
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Kultur
Marcel Duchamp, Brunnen (1917)
Die Geschichte hinter Marcel Duchamps Brunnen ist fast so schockierend wie das Stück selbst. Duchamp kaufte das Urinal und reichte es unter dem Pseudonym „R. Mutt“ bei der Society of Independent Artists ein, die er selbst mit aufgebaut hatte. Die Einreichung war ein Test, der die Grenzen der Definition von Kunst untersuchte. Das Stück wurde vom Verwaltungsrat abgelehnt, was Duchamp wütend machte und zu seinem Rücktritt führte. Nach dieser Kontroverse ließ Duchamp das Stück vom berühmten Fotografen Alfred Stieglitz fotografieren und brach damit die Form der modernen Kunst.
Richard Serra, Tilted Arc (1981)
Das Kunstwerk des Bildhauers Richard Serra, das vom Arts-in-Architecture-Programm in Auftrag gegeben wurde, wurde von Fußgängern in Manhattan stark kritisiert. Tilted Arc ist eine 12 Fuß hohe und 20 Fuß lange Wand aus gebogenem Stahl, die die Zuschauer einbeziehen und sie dazu bringen soll, über ihre Bewegung durch den Platz nachzudenken. Stattdessen wurde es schließlich nach einer öffentlichen Anhörung entfernt, die zu Fragen der Rolle der Regierung in der öffentlichen Kunst führte.
Andres Serrano, Immersionen (Piss Christus) (1987)
Andres Serrano behauptet, dass sein Foto eines Kruzifixes, das in seinen eigenen Urin getaucht ist, nicht beleidigen soll. Eigentlich, Es geschah nicht, bis es von einem ausgesprochenen Pastor in Virginia ausgestellt wurde, der entdeckte, dass das National Endowment for the Arts Serrano finanziert hatte, wenn auch nicht in Korrelation mit Jesus Christus. Dieses Foto brachte Fragen der Zensur und der Macht der Regierung zur Kontrolle der künstlerischen Produktion ans Licht.
Damien Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (1991)
Damien Hirst begann mit diesem Stück die Idee des Todes zu erforschen. Er kaufte den eigentlichen Tigerhai aus Queensland, Australien, und legte ihn in einen massiven Glasbehälter mit Formaldehyd, So bleibt das Tier für eine gewisse Zeit erhalten. Das Tier begann sich schließlich zu zersetzen und musste ersetzt werden, was zu Kontroversen über die Originalität von Hirsts Arbeit führte. Als Konzeptkünstler ist jedoch die Intentionalität hinter der Kreation das bedeutendste Stück.
Martin Creed, Work No. 227, The Lights Going On And Off (2000)
Martin Creeds Arbeit besteht aus einem leeren Galerieraum mit kahlen Wänden, in dem die Lichter in festgelegten Abständen ein- und ausgeschaltet werden. Während der Zweck hinter dem Stück der Interpretation überlassen bleibt, zitiert er auf seiner Website den Künstler Maurizio Cattelan, der die Einfachheit genießt und sie mit der Unfähigkeit in Verbindung bringt, an der Freude festzuhalten, die auf natürlichen Veränderungen der menschlichen Emotionen beruht. Creed bringt die Galerie selbst, die normalerweise als Kulisse für ein Kunstwerk dient, für seinen eigenen künstlerischen Zweck in den Vordergrund. Während viele in der Kunstwelt das Werk hoch schätzten, stellten Öffentlichkeit und Journalisten die Frage, ob dies wirklich als Kunst angesehen werden könne.
Sexualität
Édouard Manet, Olympia (1865)
Es war nicht die Nacktheit, die die Betrachter von Manets Gemälde schockierte, sondern die nackte Frau, die sie mit einem „trotzigen Blick“ anstarrte.“ Diese Art der beiläufigen Sexualität wurde von Manets Zeitgenossen als pornografisch angesehen. Es gab auch Empörung über den Realismus in der Aktform dieser Frau und visuelle Hinweise, die darauf hindeuteten, dass es sich bei dem Motiv um eine Prostituierte handelte.
Gustave Courbet, Der Ursprung der Welt (1866)
Gustave Courbet kämpfte die meiste Zeit seiner Karriere gegen die akademische Tradition der Malerei und gipfelte in Der Ursprung der Welt Das zeigt eine ungeschönte Nahaufnahme des Unterkörpers und der offenen Oberschenkel einer Frau. Das Gemälde galt zu dieser Zeit als blasphemisch, sowohl aufgrund des Themas als auch des Realismus des Werks.
Richard Mapplethorpe, The Perfect Moment (1989)
Richard Mapplethorpe nutzte sein Medium, um schwule männliche Sexualität während des Höhepunkts der HIV / AIDS-Epidemie anzusprechen. Seine Ausstellung mit expliziten Bildern wurde abgesagt und führte zu Anklagen gegen die Corcoran Gallery of Art Director wegen Obszönität. Dies führte letztendlich zu einem Prozess, der sich auf die Definition von Kunst in der Stadt Cincinnati konzentrierte.Die Kunstgemeinschaft siegte letztendlich, was die Kluft in den Kulturkriegen der späten 1980er und frühen 90er Jahre zwischen konservativen und liberalen Gruppen weiter vergrößerte.
M.F. Hussain, Göttin Lakshmi nackt auf Shri Ganeshas Kopf (1996)
M.F. Hussain, der oft als „Picasso Indiens“ bezeichnet wird, wurde verbannt und gezwungen, in London zu leben Kontroverse um von seiner Arbeit. In diesem Gemälde der Göttin Lakshmi wird sie gesehen, wie sie den weithin verehrten Lord Ganesha erniedrigt. Konservative Hindus waren empört über diese respektlose Darstellung und mehrere reichten Strafanzeigen gegen den Künstler ein. Unabhängig von seinem Ruf inspirierte er eine Generation indischer Künstler und hob die indische Kunst auf ein internationales Niveau.
Yoko Ono, My Mummy Was Beautiful (2004)
Yoko Ono schuf Bilder von Brüsten und Genitalien von Frauen und stellte sie zu Ehren ihres Mannes John Lennon und seiner Mutter, die in jungen Jahren getötet wurde, in der Stadt Liverpool aus. Die weite Verbreitung und Verbreitung der Bilder sollte die Idee der Mutterschaft hervorheben und würdigen und führte zu einer öffentlichen Infragestellung der Definition von Kunst und des Zwecks der Kunst. Wenn Kunst schockieren soll, hat Onos Arbeit die Aufgabe sicherlich erfüllt.
Politik
Pablo Picasso, Guernica (1937)
Guernica ist eines der berühmtesten Gemälde von Pablo Picasso, aufgrund seiner starken politischen Haltung als Reaktion auf die Verwüstung durch die Bombenanschläge der Nazis in Guernica, Spanien. Das Gemälde zeigt die dunklen und zerstörerischen Elemente des Krieges auf einer monumentalen Leinwand. Es wurde auf der Weltausstellung in Paris gezeigt, um das Wrack zu präsentieren. Es wurde damals von politischen Aktivisten und kommunistischen Führern heftig kritisiert. Kontroversen darüber, ob Künstler die Lücke zwischen Kunst und Politik schließen könnten und sollten, umgaben Guernica.
„Dread“ Scott Tyler, Was ist der richtige Weg, um eine US-Flagge anzuzeigen? (1988)
Diese Installation zeigt eine auf den Boden gelegte amerikanische Flagge mit einem Regal darüber, auf dem eine Flagge mit einem Stift zu sehen ist, sowie ein Foto darüber, auf dem südkoreanische Studenten die US-Flagge verbrennen. Diese Arbeit verursachte eine große Kontroverse, als sich Hunderte von Demonstranten vor dem School of Art Institute of Chicago versammelten. Präsident Bush, Sr. und die gesamten USA. Der Kongress verurteilte das Stück, was letztendlich zu einem Fall des Obersten Gerichtshofs über den Schutz der amerikanischen Flagge führte.
David Černý, Pink Tank (1991)
David Černý malte ein Denkmal des Zweiten Weltkriegs, das die sowjetische Besatzung in Prag pink darstellte, was zu seiner Verhaftung führte. Černý wurde wegen Rowdytums verhaftet, nachdem die russische Regierung protestiert und das Denkmal grün gestrichen hatte. Die neu gewählten Abgeordneten waren verärgert über die Verhaftung des Künstlers und bemalten das Denkmal erneut rosa, wobei sie ihre offizielle Immunität ausnutzten. Černý wurde freigelassen und der Tank wurde entfernt, nachdem er wiederholt mehrmals rosa und grün gestrichen worden war.
Santiago Sierra, 160 cm Linie Tätowiert auf 4 Personen, El Gallo Arte Contemporáneo (2000)
Der Dokumentarfilmkünstler Santiago Sierra hat viele kontroverse Stücke geschaffen, in denen Menschen, gelegentlich Süchtige, für eine Aktivität bezahlt werden. In diesem speziellen Stück, Sierra bezahlte vier Prostituierte, um ein Linientattoo für deutlich mehr auf den Rücken legen zu lassen, als sie normalerweise entschädigt würden. Sierra hofft, die Spaltung zwischen Bourgeoisie und Proletariat sowie die Auswirkungen des Kapitalismus hervorzuheben.
Emma Sulkowicz, Carry that weight (2014)
In einer Erklärung gegen sexuelle Übergriffe auf dem College-Campus (von denen sie ein Opfer war) trug Frau Sulkowicz eine 50-Pfund-Matratze überall hin, wo sie während ihres Abschlussjahres an der Columbia University war. Auf der Suche nach einer kraftvollen Kunst, die eine kraftvolle Antwort hervorruft, Frau. Sulkowicz beleuchtete ein Thema, das lange ignoriert wurde und Anspielungen auf Kreuzestage und Martyrium sowie Hester Prynne schuf, indem sie buchstäblich ihre Last trug und sich als moderne Version von Nathaniel Hawthornes Protagonistin in The Scarlet Letter bezeichnete.
Weitere Informationen zu Künstlern, die eine Haltung einnehmen, finden Sie in diesem Artikel aus dem Format Magazine über Protestkunst.