Le dadaïsme était un mouvement artistique et culturel d’avant-garde inspiré par le climat sociétal européen après la Première Guerre mondiale. C’était un rejet du capitalisme moderne, de la culture bourgeoise et de la politique en temps de guerre qui s’alignait sur d’autres groupes radicaux d’extrême gauche. Cela s’exprimait par l’utilisation de matériaux artistiques non traditionnels, de satire et de contenu absurde. Même le nom du mouvement, « dada « , devait être un mot sans signification. Voici 10 œuvres emblématiques qui caractérisent ce mouvement artistique d’après-guerre.
Marcel Duchamp, Fontaine (1917)
Marcel Duchamp fut l’un des artistes les plus prolifiques du dadaïsme, produisant de nombreuses peintures, collages et sculptures infâmes. Il est également associé au cubisme, au futurisme et à l’art conceptuel primitif. Il a eu une influence monumentale sur l’art moderniste du XXe siècle et plus particulièrement sur la sculpture. Son travail a atteint sa maturité après la Première Guerre mondiale lorsqu’il a commencé à utiliser l’art comme outil de protestation culturelle.
La fontaine est l’une des œuvres d’art les plus emblématiques du XXe siècle, représentant un changement majeur dans la fonction de l’art dans la société. Bien que la pièce originale de 1917 ne survive pas aujourd’hui, Tate a créé une réplique en faïence en 1964. C’est l’un des premiers exemples de sculptures « lowbrow » ou « readymade », fabriquées à partir d’objets trouvés. Duchamp a soumis la sculpture au Salon de Paris, mais elle a été rejetée car elle n’était pas considérée comme de l’art.
Marcel Duchamp, L.H.O.O.Q. (1919)
L.H.O.O.Q. est un autre exemple célèbre de sculpture « readymade » de Marcel Duchamp. Il a été créé à partir d’une carte postale bon marché de la Joconde de Léonard de Vinci (1503-06) sur laquelle Duchamp a ensuite dessiné une moustache et une barbichette cirées. La pièce présente des éléments de satire, rejetant l’esthétique du « grand art ». Le titre de la pièce est également satirique, car L.H.O.O.Q. lorsqu’il est dit en français sonne comme « Elle a chaud au cul », se traduisant par « elle est chaude dans le cul » et connotant une sexualité sous-jacente à la pièce.
Kurt Schwitters, Construction Pour Dames Nobles (1919)
Kurt Schwitters était un artiste allemand qui a expérimenté plusieurs médiums différents, notamment la peinture, la sculpture, le design graphique, l’art de l’installation et la poésie. Son travail était associé au surréalisme, au Cubisme et au constructivisme ainsi qu’au Dadaïsme. Il était également connu pour avoir appliqué le terme Merz à son travail, terme qu’il a inventé et qui était synonyme de Dada en tant que forme de protestation culturelle.
La construction pour dames nobles est un exemple de l’utilisation de l’abstraction par Schwitters dans le collage et la sculpture. Cette pièce d’assemblage illustre également le style de sculpture « objet trouvé », car elle est construite avec une variété de matériaux brisés et décousus: un entonnoir, un train de jouets en métal, des roues cassées et d’autres objets de ferraille. Il comprend également un portrait horizontal d’une noble dame, dont la pièce tire son titre. L’assemblage de l’œuvre est rugueux, et la peinture a une finition robuste, ajoutant encore à son détournement des attentes artistiques précédentes. Cependant, l’ensemble de la pièce présente une asymétrie élégante, montrant que même les objets de ferraille peuvent créer un chef-d’œuvre.
Raoul Hausmann, Le Critique d’Art (1919-20)
Raoul Hausmann était un artiste autrichien de premier plan et un leader du mouvement Dada à Berlin. Hausmann était également un artiste expressionniste. Après s’être familiarisé avec le mouvement dadaïsme, il rencontre d’autres artistes dont John Heartfield et George Grosz. Pendant ce temps, il se concentre principalement sur la poésie et le collage photographique, qui auront un effet profond sur l’avant-garde européenne d’après-guerre. Sa poésie était connue pour être particulièrement provocante et son œuvre très satirique. Il était également un amoureux de sa compatriote dadaïste Hannah Höch.
Le Critique d’art est la critique ardente de Hausmann sur la superficialité du monde de l’art. La pièce est un collage de photos composé d’une série de photographies de magazines et de journaux et comprend quelques éléments dessinés. L’œuvre est considérée comme « lowbrow » car elle utilise des matériaux et une iconographie vus dans la culture populaire. Cela implique que, tout comme la construction d’un collage, les critiques d’art possèdent une connaissance bricolée de faits vides et ne comprennent pas vraiment le sens de l’art.
Hannah Höch, Découpée avec le Couteau de cuisine Dada à travers la Dernière Époque Culturelle du Ventre de Bière de Weimar en Allemagne (1919-20)
Hannah Höch était artiste allemand et membre du mouvement dadaïsme. Elle a été la pionnière de la technique du photomontage ou du collage de photos utilisant des images de médias populaires. Elle s’intéresse au féminisme, au genre et à l’androgynie dans l’art, et surtout à la dissolution de la dichotomie » Femme Nouvelle « . Elle a également exploré le climat politique de la République de Weimar dans son travail.
La coupe au couteau de cuisine représente la juxtaposition entre le dadaïsme et la culture dominante de l’époque. Des membres de groupes politiques dominants tels que le gouvernement de Weimar et l’armée sont regroupés dans une partie du collage de photos. En contraste frappant, l’autre côté de la pièce présente des communistes, des artistes et d’autres radicaux. Höch a également inclus une petite carte qui affiche les pays d’Europe qui ont permis aux femmes de voter. La pièce montre la rébellion des dadaïstes et d’autres groupes radicaux à une époque de stricte conformité politique et culturelle.
Raoul Hausmann, La Tête Mécanique (1920)
La Tête mécanique est l’œuvre la plus célèbre de Raoul Hausmann. Il a été fabriqué à partir d’un mannequin de perruque de coiffeur, d’une règle, d’une montre de poche, d’un portefeuille, de pièces d’un appareil photo et d’autres objets trouvés. La pièce est considérée comme un commentaire sur la façon dont l’humanité interagit avec les objets et le monde environnant. Le visage est complètement dépourvu d’expression, contrairement aux visages expressifs des chefs-d’œuvre culturels européens. Au lieu de cela, son caractère s’explique par les objets externes qui lui sont attachés. La sculpture questionne ainsi toutes les représentations précédentes de l’intellectualisme et de la profondeur, ne montrant le sujet que dans sa relation avec le monde superficiel et matériel qui l’entoure.
Jean Arp, Devant Chemise et Fourche (1922)
Jean Arp, également connu sous le nom de Hans Arp, était un peintre, sculpteur et poète franco-allemand. Il est l’un des membres fondateurs du mouvement dadaïste. Après avoir déménagé à Zürich, il rencontre ses collègues artistes Hugo Ball et Sophie Taeuber, qui deviendront l’épouse d’Arp. Le trio a ensuite collaboré pour créer un manifeste dadaïste. Le travail d’Arp était connu pour l’exploration de l’inconscient, ses éléments de satire et l’abstraction des formes organiques.
Devant et fourche de chemise fait partie d’une série de sculptures en relief en bois peint réalisées par Arp dans les années 1920.L’œuvre présente un élément graphique monochrome, avec des formes douces et organiques et une composition simpliste. La fourche à droite est facilement identifiable, tandis que la forme à gauche représente le devant d’une chemise, mais ressemble également à une grande dent ou à un visage humain. La pièce représente le changement stylistique d’Arp entre les périodes; les formes abstraites de ses travaux antérieurs entrent en collision avec son utilisation ultérieure de l’association d’objets pour plonger dans l’inconscient.
Francis Picabia, Optophone I (1922)
Francis Picabia était un peintre et poète français associé à l’impressionnisme, au Cubisme, au pointillisme et au Dadaïsme. Il a également expérimenté l’édition et le cinéma, et sa carrière de près de 50 ans peut être caractérisée par une série éclectique de changements stylistiques et médiatiques. Ses œuvres les plus célèbres étaient des peintures avec des blocs de couleur, des formes géométriques et des abstractions, bien qu’il soit également connu pour le collage de matériaux peu orthodoxe.
L’Optophone I est un exemple des œuvres » machinistes » de Picabia, qui s’inspirent des équipements industriels du début du XXe siècle et commentent l’accélération de la technologie à cette époque. La pièce simule les effets d’un optophone, un appareil qui utilise la sonification pour numériser des textes et des images pour aider les aveugles à identifier les lettres sur une page. Le centre de la peinture tient une femme nue assise de style classique comme si elle avait été vue à l’aide d’un optophone. La pièce questionne ainsi la manière dont l’humanité rencontre et interprète l’art.
Rayon Man, Rayographe (1922)
Man Ray était un photographe et artiste visuel américain qui a travaillé principalement à Paris. Il était un membre important du dadaïsme et du surréalisme, produisant de nombreuses œuvres qui restent facilement reconnaissables aujourd’hui. Il était connu pour ses portraits abstraits de femmes et son utilisation des ombres et de la lumière négative pour créer des pièces avec un élément onirique. Il a également photographié une pléthore d’artistes célèbres de son vivant, offrant un aperçu pictural de leur vie.
Le rayographe fait partie d’une série de photogrammes de Ray, que Tristan Tzara a appelés rayographes d’après l’artiste. Ces pièces ont été réalisées à l’aide de papier photographique, sur lequel Ray a placé une série d’objets puis les a exposés à la lumière. Le papier s’assombrirait alors là où un objet n’était pas placé, créant l’effet d’une ombre à lumière négative. Ces pièces illustraient la notion de Dada, car elles représentaient souvent des objets banals ou aléatoires qui ne semblaient pas liés. Les produits de cette méthode étaient également souvent incohérents, car ils nécessitaient plusieurs séances d’exposition à la lumière et étaient donc au courant des conditions extérieures.
Max Ernst, Ubu Imperator (1923)
Max Ernst était un peintre, poète, sculpteur et graphiste allemand et l’un des premiers membres des mouvements dadaïsme et surréalisme. Il était extrêmement expérimental avec son travail, combinant différents médiums avec une technique abstraite et illusionniste. Il a également utilisé une méthode appelée frottage, ou « frottement », dans laquelle l’artiste place du papier sur une surface inégale, puis frotte un crayon dessus pour créer un contour à motifs de la surface.
Ubu Imperator représente le changement stylistique d’Ernst entre le dadaïsme et le surréalisme, représentant un sommet anthropomorphe en rotation aux traits incongrus. Le sujet dépeint le père Ubu, symbole d’autorité et d’avidité vu dans une série de pièces d’Alfred Jerry qui élucident les injustices de la complaisance sous la société empirique bourgeoise. Le paysage est un désert surréaliste caractéristique avec un vaste horizon, tandis que le sommet présente les notions parodiantes et anti-establishment du dadaïsme.