Les albums concept sont le plus souvent associés au prog rock et aux années 70, car les LP épiques ont vraiment prospéré à cette époque. Mais les rockeurs prog ne possédaient pas complètement le concept de concepts. Comme le montre cette liste, les funkateers, les artistes country et même les punks se sont lancés dans l’action, souvent avec de grands résultats. Voici quelques-uns des meilleurs albums concept de ces décennies.
Pendant que vous lisez, écoutez notre playlist d’albums Concept ici.
25: Rush: Clockwork Angels (2012)
Depuis le demi-conceptuel 2112, de nombreux fans de Rush ont passé deux décennies à espérer revenir aux grands concepts et à la science-fiction. Ils y sont finalement allés sur leur tout dernier album, sans doute la chose la plus aventureuse musicalement qu’ils aient jamais faite.
24: Alice Cooper: School’s Out (1972)
Quoi de plus des années 70 que la délinquance juvénile jouée pour rire? Alice Cooper était l’homme du travail, et cet album concept lui a donné la route espérée vers l’Amérique centrale. Pendant ce temps, l' »Alma Mater » sentimentale et seulement en partie bavarde était plus proche de la vraie Alice que quiconque ne le pensait à l’époque.
23: Janelle Monáe: Dirty Computer (2018)
Entre autres choses, la dernière version de ce maverick prouve qu’il est encore possible de devenir audacieusement futuriste, et que les potentiels de fusion rock et R &B dans l’ère post-Prince ne sont en aucun cas épuisés. Et à ce jour, c’est le plus récent grand disque sur lequel Brian Wilson est apparu.
22: Green Day: American Idiot (2004)
Inspiré par de nombreux éléments ci-dessous (en particulier The Jam et Who), Green Day a atteint une pertinence politique et une profondeur musicale qu’ils avaient à peine approchées dans le passé. Ils ont même emmené American Idiot à Broadway, adaptant leur album concept en spectacle.
21: Le Blues Maussade: À La Recherche de L’Accord Perdu
Après les Jours plus clairement conceptuels du Futur passé des Moody Blues, In Search Of The Lost Chord est plus profond et certainement plus des années 60. C’est un concept sur les différents chemins de l’illumination, accordant une attention égale à la méditation, à l’acide et à l’amour.
20: The Jam: Setting Sons (1979)
Paul Weller était un peu gêné d’écrire un album concept classique à l’apogée du punk, alors il a lancé une reprise de ‘Heat Wave’ à la dernière minute. Rien à avoir du tout honte ici, cependant, car ces croquis de personnages en décomposition en Angleterre le marquaient comme un écrivain de première classe. Setting Sons propose également le single le plus puissant de la Jam, ‘Eton Rifles’.
19: Rick Wakeman: The Six Wives Of Henry VIII (1973)
Dans ses dernières années, Rick Wakeman ne pouvait pas faire un album concept sans costumes, narration et une patinoire honnête envers Dieu. Mais Les Six Épouses d’Henri VIII raconte une histoire assez efficacement sans mots, juste un grand groupe (la moitié de Oui, l’autre moitié de Strawbs) et ses propres doigts volants. C’est dramatique et très britannique – comme le thème l’exige.
18: Le projet Alan Parsons: I Robot (1977)
Une grande partie du travail ultérieur d’Alan Parsons était prog-lite, mais ce n’est pas le cas ici. Les paysages sonores sont grandioses, mais le véritable cœur de cet album, ce sont les chansons (principalement du défunt collaborateur de Parsons, Eric Woolfson), qui parlent moins de l’essor des robots que de la lutte d’un homme pour donner un sens à tout cela. ‘Breakdown’ présente l’une des meilleures voix jamais réalisées par un grand chanteur, Allan Clarke des Hollies.
17: Willie Nelson: Red Headed Stranger (1975)
Fait intéressant, le sommet créatif de la carrière de Willie Nelson n’a pas été écrit par lui, mais sa contextualisation des chansons des autres (notamment « Blue Eyes Crying In The Rain » de Fred Rose) en a fait quelque chose de plus grandiose. Le flux narratif et le son dépouillé étaient radicaux à l’époque et définissaient le pays hors la loi pour les décennies à venir. C’est fini en à peine 33 minutes et l’intrigue semble un peu non résolue, mais c’est peut-être le point.
16: Les Tortues: Présentez The Battle Of The Bands (1968)
Sur cet album-concept, Les Turtles se font passer pour 12 groupes fictifs, faisant de gonzoid des prises de country, de surf, de Broadway et même de la musique hawaïenne (‘I’m Chief Kamanawanalea (We’re The Royal Macadamia Nuts)’). Au milieu de toute cette folie viennent deux singles pop parfaits: ‘You Showed Me’ et ‘Elenore’.
15: Elton John: Captain Fantastic And The Brown Dirt Cowboy (1974)
Il faut beaucoup de bouteille pour que la plus grande rock star du monde paraisse rhapsodique sur les années difficiles auxquelles il venait de s’échapper, mais ces chansons vous entraînent directement dans le monde adolescent d’Elton John et Bernie Taupin, attrapant le groupe classique d’Elton John à son apogée. Vous pouvez pratiquement voir le salon poussiéreux et goûter les biscuits au chocolat.
14: Peter Hammill: La grande chance de Nadir (1975)
Sur son cinquième album solo, le philosophe prog Peter Hammill découvre son gosse adolescent intérieur. Le line-up complet de Van Der Graaf Generator gémit sur chaque piste; pour un groupe habituellement sujet à la complexité, ils inventent pratiquement le punk britannique ici. John Lydon des Sex Pistols l’a adoré, mais Lydon n’a jamais ému comme Hammill le fait sur les deux ballades soul de l’album.
13: Pink Floyd: Wish You Were Here (1975)
Wish You Were Here était peut-être la dernière fois que Pink Floyd a vraiment travaillé en tant que groupe, qui comprenait dans ce cas le fantôme du toujours vivant Syd Barrett. C’est également la dernière fois que leur chaleur et leur invention ont éclipsé le cynisme qui s’est glissé par la suite.
12: Drive-By Truckers: Southern Rock Opera (2001)
En surface, Southern Rock Opera est un double album sur Lynyrd Skynyrd et une excuse pour un rock rebelle qui lance des riffs. Mais une fois que vous allez plus loin, il y a beaucoup de réflexion sérieuse sur la façon dont la musique se rapporte à « la dualité de la chose du Sud ». Les pensées profondes resteraient la marque de fabrique des Camionneurs; l’humour punkish souvent évoqué ici ne le serait pas.
11: Jethro Tull: Thick As A Brick (1972)
Rien de ce que Jethro Tull a fait avant ou après n’a égalé l’audace de Thick As A Brick, tant par son format (une chanson entièrement réfléchie sur deux faces d’album) que par son idée centrale (Ian Anderson mettant en musique un poème épique d’un enfant de huit ans mécontent). Même la suite de 2012, Thick As A Brick 2, était la meilleure chose qu’Anderson ait faite depuis des décennies.
10: XCT: Skylarking (1986)
XTC en a eu pour son argent (et quelques querelles en studio) du producteur Todd Rundgren, qui a entendu dans les démos du groupe les graines d’un album concept de cycle de vie et a conçu des séquences ingénieuses pour correspondre. On remarque moins le fait que Rundgren a été le premier producteur de XTC à réaliser ce que pouvaient être les grands chanteurs Andy Partridge et Colin Moulding.
9: Jean-Pierre Gignac: Watertown (1970)
Contrairement aux précédents albums « concept » de Frank Sinatra, qui n’étaient vraiment que des chansons liées thématiquement, Watertown est vraiment une pièce entièrement réfléchie, capturant quelques jours dans la vie d’un homme dont la femme l’a quitté. Les romantiques tristes prennent note: c’est le plus sombre de tous les albums de Sinatra.
8: Les Plis: The Kinks Are The Village Green Preservation Society (1968)
Pas aussi strictement thématique que de nombreux albums de Kinks qui ont suivi, The Kinks Are The Village Green Preservation Society a introduit les personnages et les scénarios qui peupleraient les chansons de Ray Davies par la suite et a amené les Kinks hors du monde des groupes beat à une place plus élevée.
7: Parliament: Mothership Connection (1975)
L’une des nombreuses merveilles de cet album a été l’appropriation par George Clinton de l’imagerie prog-rock pour faire passer le message. Mothership Connection était moins un album concept que le moment clé d’une carrière conceptuelle. L’univers trouve son véritable ordre involves ce qui implique d’arracher le toit de la ventouse.
6: The Who: Quadrophenia (1973)
En 90 minutes de pure montée d’adrénaline, Les Who capturent tout ce que rock a toujours voulu dire sur l’aliénation des adolescents. Vous pouvez décider si la fin est triomphante ou tragique, mais Quadrophenia est la marque forte de Pete Townshend en tant que compositeur – notamment parce qu’il arrive vraiment à fusionner ces quatre thèmes à la fin.
5: Michael Nesmith: The Prison: A Book With A Soundtrack (1974)
Au moment où personne ne regardait, l’ancien Monkee Michael Nesmith perfectionnait cosmic Americana. La musique racinée et spacieuse est fascinante en elle-même, mais lorsqu’elle est jouée comme prévu – comme la « bande–son » d’un court livre que vous lisez avec – cet album concept devient quelque chose de profond et d’affirmant la vie.
4: Hüsker Dü: Zen Arcade (1984)
Les expériences d’un jeune homme lors de sa première année loin de chez lui sont parfaitement évoquées sur ce classique post-hardcore. Il y a une énergie insouciante, une crainte existentielle et une possibilité infinie de l’une des tenues punk les plus influentes de tous les temps.
3: Genesis: The Lamb Lies Down On Broadway (1974)
Sur The Lamb Lies Down on Broadway, Peter Gabriel fait résonner son monde surréaliste à l’aide des mélodies les plus sublimes et d’arrangements ingénieux jamais tournés dans le prog-rock. Puis tout le voyage se termine par le jeu de mots le plus glorieusement horrible de l’histoire du rock.
2: Brian Wilson : Brian Wilson Presents Smile (2004)
La version de 1966 des Beach Boys se serait-elle aussi bien déroulée ? On ne le saura jamais, mais la version de 2004 gagne une autre dimension en incorporant le parcours personnel de Wilson, dans les paroles ajoutées par Van Dyke Parks, et en mettant enfin en contexte toutes ces pièces alléchantes. Surtout, cela donne le plus grand « et si? »histoire une fin heureuse.
1: Marvin Gaye: What’s Going On (1971)
Entre autres choses, What’s Going On a peut-être été le premier album pop / soul à jouer comme une pièce sans couture, par opposition à l’utilisation des simples fondus croisés des Moody Blues. Marvin Gaye n’a jamais mieux chanté – peu de gens l’ont fait – et quant aux chansons, leurs préoccupations et leur compassion deviennent de plus en plus nécessaires d’année en année.
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