Avec une population de près de 1,5 million d’habitants et en croissance, les Treize Colonies se sont rapidement développées à la fin des années 1750. La Révolution industrielle était en cours et un afflux d’immigrants d’Irlande, d’Écosse, d’Italie et d’Angleterre fournissait de nombreux travailleurs pour combler le nombre croissant d’emplois manufacturiers. À mesure que de plus en plus de régions des colonies s’éloignaient de leurs racines agraires, leur dépendance aux produits manufacturés de l’Empire britannique diminuait. Dans le même temps, il y avait un changement de production nationale dans les colonies, il y avait aussi un changement idéologique, un désir d’indépendance vis-à-vis de la patrie tyrannique. Comme l’Angleterre imposait des taxes telles que le Stamp Act de 1765, les Townshend Acts de 1767 et le Tea Act de 1773, la colère des colons aussi. Dans ce contexte se trouvait un paysage musical riche et diversifié composé d’influences de nombreux pays et traditions. Et, à mesure que les colonies individuelles se dirigeaient vers un pays singulier, il en allait de même pour un paysage sonore américain unique.
Cette période d’immense changement dans les colonies s’est également manifestée dans le monde de la musique. Dans la musique d’art occidentale, la période baroque, qui dure environ 1600-1750, touche à sa fin. Connus pour des compositeurs célèbres tels que Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi et George Frideric Haendel, ces compositeurs étaient des créateurs magistraux de lignes mélodiques, de décors élaborés et de nombreuses pièces pour ensembles de chambre. Parmi ceux-ci, c’est Bach qui a été le précurseur de son époque dans la composition baroque. Connu pour ses suites solistes et ses œuvres pour orgue, le répertoire de Bach s’étendait à la fois au sacré et au profane. L’une des œuvres les plus célèbres de Bach est la Toccata et Fugue en ré mineur, BWV 565, écrite pour orgue. Nécessitant un interprète de haut calibre, les lignes mélodiques d’ouverture de la pièce sont restées dans les oreilles de l’auditeur depuis des générations. La toccata explore la large gamme de l’orgue, obligeant l’interprète à explorer les octaves lointaines de l’instrument avec une grande précision et musicalité. La section de fugue se compose de quatre voix et est entièrement écrite en seizième note. Le mouvement constant des quatre parties et la ligne de pédale solo qui est introduite offrent un contraste frappant avec la partie d’ouverture de cette œuvre. Les œuvres de Bach, y compris sa Toccata et sa Fugue en ré mineur, ont résisté à l’épreuve du temps et sont toujours considérées comme certaines des compositions les plus essentielles de cette période musicale. Sans doute ses œuvres auraient-elles encore été jouées et entendues à la fois dans les colonies et en Europe pendant la guerre et la guerre elle-même.
Mais la musique de Bach signifiait une ère plus ancienne de timbres et de techniques de composition. À mesure que les salles de concert devenaient plus populaires dans le monde entier, il y avait un changement naturel dans le type de musique qui pouvait être jouée dans ce nouveau cadre. Comme la plupart de la musique baroque était à l’origine composée à des fins sacrées ainsi que pour de petits rassemblements sociaux, une nouvelle ère de musiciens et de compositeurs devait maintenant atteindre le public social qui aidait la musique de l’époque à devenir une forme d’art sérieuse. De plus, la composition même des ensembles qui exécutaient ces œuvres changeait. D’autres instruments étaient ajoutés aux partitions, tels que des clarinettes, des bassons et des cuivres supplémentaires comme le trombone (sackbut). La période classique est née, et avec elle, la fierté nationale de favoriser et de promouvoir les musiciens et compositeurs autochtones et une plus grande accessibilité par le roturier.
Parmi les nombreux compositeurs de la période classique, on peut citer Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven et Joseph Haydn. Ces hommes, avec d’innombrables autres compositeurs et musiciens, étaient des génies musicaux qui ont ouvert la voie au nouveau genre de la composition symphonique. Les symphonies, œuvres musicales étendues natives de la musique d’art occidentale, sont généralement écrites pour un grand orchestre. Les orchestres de cette période se composaient d’une section de cordes, d’une section de bois, d’une section de cuivres et d’une section de percussions. Au total, un orchestre peut aller d’environ 30 à plus de 100 musiciens. Ce fut un changement radical par rapport au cadre de musique de chambre typique qui était si populaire pendant la période baroque. Toutes les symphonies sont composées de plusieurs mouvements, généralement quatre, dont le style et le tempo varient considérablement. Le plus souvent, le premier mouvement est composé en forme sonate ou allegro, le deuxième mouvement dans un tempo plus lent, le troisième mouvement dans le style de la danse (menuet ou scherzo), et enfin le quatrième mouvement un rondo ou un allegro. Il est à noter, cependant, qu’il y avait de nombreuses variations sur les formes susmentionnées qui permettaient aux compositeurs d’exprimer leur créativité.
Parmi les nombreux notables de l’époque, la courte vie et les contributions musicales incroyables de Wolfgang Amadeus Mozart doivent être soulignées. Jeune enfant prodige vivant à Salzbourg, Mozart excelle au piano et au violon et se produit très jeune pour la royauté européenne. Après un voyage à Vienne, Mozart a choisi d’y rester et de s’immerger dans sa culture musicale. C’est là qu’il commence à composer des symphonies, des concertos et des opéras. L’une de ses symphonies les plus célèbres est No 40, Sol mineur, K. 550. Cette œuvre fut achevée au milieu de 1788 et se composait de quatre mouvements distincts. Ces mouvements incluent l’Allegro, l’Andante, le Menuetto (trio) et le Finale.
Dans les colonies, les colons ont été exposés à une toute nouvelle expérience d’écoute interprétée par des orchestres symphoniques dans de grandes salles de concert grandioses. New York, Boston et Philadelphie n’étaient que quelques grandes villes parmi les colonies du Nord qui offraient une expérience musicale florissante aux citoyens. Les jardins de Ranelagh ont été ouverts en 1766 à New York et ont été inspirés des jardins d’agrément de Londres. Les jardins du Ranelagh offraient des spectacles musicaux quotidiens et des rassemblements de danse. De plus, les instruments étaient désormais plus facilement disponibles à l’achat par le roturier. Les colons qui résidaient dans les grandes villes pouvaient acheter un instrument et tous les accessoires nécessaires dans leur magasin de musique local. Des publicités ont été imprimées et distribuées pour promouvoir de nouveaux instruments de musique tels que le cor français et le hautbois, qui était le prédécesseur du hautbois moderne. S’ils le désiraient, des tuteurs musicaux tels que Charles Love annonçaient ses services d’enseignement musical comme « enseigne à messieurs le violon, le hautbois, la flûte allemande et commune, le basson, le cor français, la viole ténor et basse. »
Bien que l’ère classique de la musique d’art occidentale se soit étendue en Europe et en Angleterre à un public plus large de classes sociales plus nombreuses, l’accessibilité à ces traditions musicales populaires était beaucoup moins grande pour ceux qui vivaient dans les colonies américaines. Malgré la faible croissance des grandes salles de concert dans les colonies du nord, elles ne sont devenues une partie de la culture musicale américaine qu’au début du XIXe siècle; et, comme la musique ne pouvait pas être enregistrée à cette époque de l’histoire, les spectacles et les concerts étaient le seul véritable moyen de s’immerger dans ce genre de musique. Ainsi, la musique des colonies était bien différente sur papier de composition de celle des grands compositeurs des époques baroque et classique. Pour beaucoup, ce sont des chansons interprétées par un ou quelques musiciens dans des tavernes ou des rassemblements avec des significations plus personnelles qui ont été le plus entendues par le roturier pendant cette période.
Les colons ont souvent écrit et interprété de la musique qui parlait de leur vie quotidienne. Utilisant les instruments ménagers courants de cette période tels que les clavecins, les violons et les flûtes, de petits rassemblements permettaient de partager la musique entre amis et en famille. La musique était également un moyen pour les colons de maintenir leurs traditions et coutumes culturelles vivantes et prospères dans le nouveau monde. De nombreuses traditions musicales ont vécu à travers des fêtes culturelles. Les colons hollandais dans les colonies, par exemple, ont continué à célébrer la fête chrétienne, le Pinkster, ou comme les Anglais l’appelaient la Pentecôte. Pinkster était également considéré comme un jour qui représentait l’arrivée du printemps. La tradition consistait en des enfants néerlandais défilant dans la ville pour « réveiller » le printemps. Les citadins ouvraient leurs fenêtres et leurs portes pour signifier leur acceptation de la nouvelle saison. Si un ménage n’ouvrait pas ses fenêtres et ses portes, il chanterait la chanson « Luilak » qui se traduit par lazybones.
Au fur et à mesure que les frustrations grandissaient entre les colonies et la Couronne, ces petits concerts comprenaient souvent de la musique qui répondait aux doléances de leur auditoire. Les chansons sur le manque de représentation au Parlement et les moqueries des dirigeants anglais sont devenues populaires. Un exemple de ce type de musique coloniale peut être trouvé dans la chanson « A Taxing We Will Go. »L’imposition de la loi sur le timbre de 1765 outragea les colons car ils estimaient qu’ils recevaient « une taxation sans représentation. »Les paroles se sont spécifiquement concentrées sur le sujet en question, notant « Le pouvoir suprême du Parlement, notre objectif a été atteint, et des lois fiscales à l’étranger ont été envoyées, auxquelles les rebelles résistent…. »
À mesure que la guerre s’installait dans les colonies, le rôle de la musique dans la vie quotidienne des soldats et des civils ne faisait qu’augmenter. La musique était entendue de plusieurs manières par les officiers et les hommes des armées continentales et britanniques. La musique était un moyen de fournir des appels et des commandes en marche, au camp ou sur le champ de bataille. Les musiciens pouvaient facilement jouer sur les sons forts de la bataille, fournissant aux troupes une cadence de marche et même une signalisation tactique. Les batteurs étaient l’un des postes musicaux les plus importants pouvant être occupés au sein d’une bande ou d’une unité militaire. Après l’enrôlement, les batteurs devaient apprendre et mémoriser de nombreux rudiments ou rythmes à utiliser tout au long de la journée au camp, en marche et au combat. L’un des rudiments les plus connus de la Révolution américaine est « Réveil. »Il devait être joué chaque jour au lever du jour pour alerter les soldats de « se lever et se peigner les cheveux, se nettoyer les mains et le visage et être prêt pour les tâches de la journée » ainsi que la cessation du défi par le garde. Les tambours qui sonnaient ces rudiments étaient constitués d’un cadre en bois et de « têtes » supérieures et inférieures en cuir de veau ou en peau de mouton qui étaient ensuite tendues sur le cadre. Pour créer de la tension et aider au réglage, des cordes ont été lacées à travers des trous percés dans le cadre en bois. De plus, quatre à six brins de catgut ou de cuir brut ont été étirés au centre inférieur de la tête du tambour pour créer des pièges. Cependant, les tambours n’étaient pas le seul son important dans le paysage musical des deux armées.
Le fife a également été un instrument clé pendant la Révolution américaine. Grâce à ses fortes capacités de projection, les troupes pouvaient entendre cet instrument par-dessus les sons d’une armée en marche ou la cacophonie de la bataille. Une chanson populaire de l’époque qui mettait en vedette cet instrument était « Yankee Doodle. »Encore largement connu aujourd’hui, il a acquis sa familiarité dans la conscience musicale américaine pendant la Révolution américaine. À l’origine, cet air était chanté par des officiers militaires britanniques pour se moquer du triste état des colons et de leur armée. Les colons ont adopté cette moquerie et cela leur a procuré un sentiment de camaraderie et de patriotisme. À la surprise de nombreux officiers et soldats britanniques, les hommes de Washington ont détourné les implications désobligeantes de cette chanson et l’ont utilisée comme une chanson de défi et de fierté. Ainsi, « Yankee Doodle » est devenu une chanson de reconnaissance non seulement coloniale, mais nationale.
Dans l’armée britannique, une chanson militaire populaire que les soldats ont entendue pendant la Révolution américaine était « Les Grenadiers britanniques. »Un chant de marche traditionnel qui a été mis sur un air datant du XVIIe siècle, il fait référence à un type spécifique de soldat britannique connu sous le nom de grenadier. Ce type de soldat a été utilisé par l’armée britannique à partir du milieu à la fin du XVIIe siècle avec l’une de leurs seules tâches de lancer des grenades sur l’ennemi. L’armée britannique a toujours choisi les hommes les plus grands et les plus valides pour être des grenadiers. Avec le temps et les progrès militaires, l’utilisation de grenades est devenue inutile. Cependant, l’armée britannique a toujours choisi des soldats pour être des grenadiers. C’était un honneur pour les soldats d’être choisis pour défendre cette position estimée. La chanson était un moyen pour l’armée britannique d’honorer et d’encapsuler le véritable patriotisme de toutes les troupes britanniques.
La période de la Guerre d’Indépendance fut une époque marquée par d’immenses changements. Un afflux d’immigration, une population en croissance rapide, un changement du produit intérieur brut et des divisions philosophiques et idéologiques avec les lois et la politique de l’Angleterre au sein des colonies ne sont que quelques-uns des nombreux changements dont ont été témoins ceux qui ont vécu cette période turbulente. La musique à l’époque de la Guerre d’Indépendance n’a pas fait exception au changement. L’ère baroque avait pris fin et a cédé la place à l’ère classique. Les chansons et la musique sur la vie quotidienne des colons ont laissé place à leurs frustrations et à leur humeur croissantes à l’égard de l’Angleterre, de l’indépendance et de la guerre. Avec ce changement, de nouveaux paysages sonores musicaux sont apparus alors que les colons entraient dans l’armée et que les armées britanniques occupaient et se déplaçaient à travers de vastes sections des colonies elles-mêmes. La musique militaire et les musiciens entrent ainsi dans la scène musicale coloniale. La confluence de tout ce changement social et culturel a engendré un paysage musical nouveau, riche et diversifié qui a continué à se solidifier à mesure que la guerre a donné naissance à une nouvelle nation, et avec elle, des morceaux de musique qui restent populaires jusqu’à aujourd’hui.
Pour en savoir plus
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L’Histoire de la Musique Moderne Par : J. Peter Burkholder, Donald J. Grout et Claude V. Palisca
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Musique de l’époque de la Guerre civile Par : Steven H. Cornelius
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La Vie Musicale de l’Amérique Par: Richard Crawford