L’art est un outil d’expression créative, et les artistes repoussent depuis longtemps les limites de ce que la société juge socialement acceptable. Le rôle de la censure a un impact significatif sur la production artistique et peut limiter la capacité d’un artiste à créer. La liste ci-dessous se penche sur 15 histoires captivantes d’artistes qui n’avaient pas peur de tester les limites et d’ouvrir la voie à la plate-forme ouverte que l’art est devenu par l’exploration de la sexualité, le mépris des normes culturelles ou des déclarations politiques manifestes.
En tant que partie intégrante de la culture populaire, l’art par sa nature même peut être choquant. Parfois, le facteur de choc est même un outil utilisé par les artistes pour mettre en lumière un sujet ou un thème qu’ils cherchent à explorer. Des artistes comme Marcel Duchamp et Pablo Picasso ont brisé le moule de l’art moderne, ouvrant ainsi la voie à l’art tel que nous le connaissons aujourd’hui. Ci-dessous, explorez notre liste de 15 des moments les plus controversés de l’art des deux derniers siècles.
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Culture
Marcel Duchamp, Fountain (1917)
L’histoire derrière la fontaine de Marcel Duchamp est presque aussi choquante que la pièce elle-même. Duchamp acheta l’urinoir et le soumit sous le pseudonyme de » R. Mutt » à la Society of Independent Artists, qu’il avait lui-même contribué à créer. La soumission était un test sondant les limites de la définition même de l’art. La pièce a été rejetée par le conseil d’administration, ce qui a enragé Duchamp et entraîné sa démission. À la suite de cette controverse, Duchamp a fait photographier la pièce par le célèbre photographe Alfred Stieglitz et elle a ensuite brisé le moule de l’art moderne.
Richard Serra, Tilted Arc (1981)
L’œuvre d’art public du sculpteur Richard Serra, commandée par le programme Arts-in-Architecture, a reçu de nombreuses critiques de la part des piétons de Manhattan. L’arc incliné est un mur d’acier incurvé de 12 pieds de haut et de 20 pieds de long destiné à engager les spectateurs et à les amener à réfléchir sur leur mouvement à travers la place. Au lieu de cela, il a finalement été retiré après une audience publique qui a conduit à des questions sur le rôle du gouvernement dans l’art public.
Andres Serrano, Immersions (Piss Christ) (1987)
Andres Serrano affirme que sa photographie d’un crucifix immergé dans sa propre urine n’était pas destinée à offenser. En fait, ce n’est que lorsqu’il a été exposé par un pasteur franc en Virginie qui a découvert que le National Endowment for the Arts avait financé Serrano, mais pas en corrélation avec Piss Christ. Cette photo a mis en lumière les problèmes de censure et le pouvoir du gouvernement de contrôler la production artistique.
Damien Hirst, L’impossibilité Physique de la mort dans l’Esprit d’une Personne Vivante (1991)
Damien Hirst a commencé à explorer l’idée de la mort avec cette pièce. Il a acheté le requin tigre du Queensland, en Australie, et l’a placé dans un énorme récipient en verre de formaldéhyde, préservant ainsi l’animal pendant un certain temps. L’animal a finalement commencé à se décomposer et a dû être remplacé, ce qui a conduit à une controverse autour de l’originalité du travail de Hirst. Cependant, en tant qu’artiste conceptuel, l’intentionnalité derrière la création est la pièce la plus significative.
Martin Creed, Œuvre No 227, The Lights Going On And Off (2000)
Le travail de Martin Creed consiste en un espace de galerie vide aux murs nus dans lequel les lumières s’allument et s’éteignent à intervalles réguliers. Alors que le but derrière la pièce est à l’interprétation, sur son site Web, il cite l’artiste Maurizio Cattelan, qui aime la simplicité et la relie à une incapacité à s’accrocher à la joie basée sur les changements naturels de l’émotion humaine. Creed met la galerie elle-même, qui sert généralement de toile de fond à une œuvre d’art, au premier plan pour son propre but artistique. Alors que beaucoup dans le monde de l’art appréciaient l’œuvre, le public et les journalistes se demandaient si cela pouvait vraiment être considéré comme de l’art.
Sexualité
Édouard Manet, Olympia (1865)
Ce n’est pas la nudité qui a choqué les spectateurs de la peinture de Manet, mais plutôt la femme nue qui les regarde avec ce que l’on peut qualifier de » regard provocateur. »Cette manière de sexualité occasionnelle était jugée pornographique par les contemporains de Manet. Il y avait aussi de l’indignation devant le réalisme incorporé dans la forme nue de cette femme et les indices visuels qui laissaient entendre que le sujet était une prostituée.
Gustave Courbet, L’Origine du Monde (1866)
Gustave Courbet a lutté contre la tradition académique de la peinture pendant la majeure partie de sa carrière, culminant dans L’Origine du Monde qui montre un gros plan non embelli du bas du torse d’une femme et des cuisses ouvertes. Le tableau était considéré comme blasphématoire à l’époque, en raison à la fois du sujet et du réalisme de l’œuvre.
Richard Mapplethorpe, The Perfect Moment (1989)
Richard Mapplethorpe a utilisé son médium pour aborder la sexualité masculine gay pendant le pic de l’épidémie de VIH / SIDA. Son exposition avec des images explicites a été annulée et a conduit à des accusations contre la Galerie Corcoran de directeur artistique pour obscénité. Cela a finalement conduit à un essai axé sur la définition de l’art dans la ville de Cincinnati.La communauté artistique a finalement été victorieuse, ce qui a accentué la division des guerres culturelles de la fin des années 1980 et du début des années 90 entre les groupes conservateurs et libéraux.
M.F. Hussain, déesse Lakshmi Nue sur la tête de Shri Ganesha (1996)
Souvent appelé le « Picasso de l’Inde », M.F. Hussain a été exilé et contraint de vivre à Londres en raison de la controverse entourant son travail. Dans cette peinture de la déesse Lakshmi, on la voit dégrader le seigneur Ganesha qui est largement adoré. Les Hindous conservateurs ont été scandalisés par cette représentation irrespectueuse et plusieurs ont déposé des plaintes pénales contre l’artiste. Indépendamment de sa réputation, il a inspiré une génération d’artistes indiens et a élevé l’art indien à un niveau international.
Yoko Ono, Ma Maman était belle (2004)
Yoko Ono a créé des images de seins et d’organes génitaux féminins et les a exposées dans la ville de Liverpool en l’honneur de son mari John Lennon et de sa mère qui a été tuée quand il était jeune. Destinée à mettre en lumière et à rendre hommage à l’idée de maternité, la large diffusion et la prévalence des images ont conduit à une remise en question publique de la définition de l’art et de son but. Si l’art est destiné à choquer, le travail d’Ono a certainement accompli la tâche.
Politique
Pablo Picasso, Guernica (1937)
Guernica est l’une des peintures les plus célèbres de Pablo Picasso, en raison de sa position politique puissante en réaction aux ravages des bombardements nazis à Guernica, en Espagne. La peinture montre les éléments sombres et destructeurs de la guerre sur une toile monumentale. Il a été exposé à l’Exposition universelle de Paris pour mettre en valeur l’épave. Il a fait l’objet de vives critiques à l’époque de la part de militants politiques et de dirigeants communistes. La controverse sur la question de savoir si les artistes pouvaient et devaient combler le fossé entre l’art et la politique entourait Guernica.
« Dread » Scott Tyler, Quelle est la bonne façon d’afficher un drapeau américain? (1988)
Cette installation représente un drapeau américain posé sur le sol avec une étagère au-dessus affichant un drapeau accompagné d’un stylo, ainsi qu’une photo au-dessus représentant des étudiants sud-coréens brûlant le drapeau américain. Ce travail a provoqué une énorme controverse alors que des centaines de manifestants se sont rassemblés devant l’Institut de l’École d’art de Chicago. Le président Bush Père et l’ensemble des États-Unis. Le Congrès a dénoncé la pièce, aboutissant finalement à une affaire de la Cour suprême sur la protection du drapeau américain.
David Černý, Pink Tank (1991)
David Černý a peint un mémorial de la Seconde Guerre mondiale représentant l’occupation soviétique à Prague en rose, ce qui a entraîné son arrestation. Černý a été arrêté pour hooliganisme après que le gouvernement russe a protesté et que le monument a été repeint en vert. Les députés nouvellement élus ont été irrités par l’arrestation de l’artiste et ont de nouveau peint le monument en rose, profitant de leur immunité officielle. Černý a été libéré et le réservoir a été retiré après avoir été peint à plusieurs reprises des nuances de rose et de vert plusieurs fois.
Santiago Sierra, Ligne de 160 cm Tatouée sur 4 Personnes, El Gallo Arte Contemporáneo (2000)
Le documentariste Santiago Sierra a créé de nombreuses pièces controversées où des personnes, parfois toxicomanes, sont payées pour effectuer une activité. Dans cette pièce en particulier, Sierra a payé quatre prostituées pour qu’un tatouage en ligne soit placé sur leur dos pour beaucoup plus que ce qu’elles seraient généralement indemnisées. Sierra espère mettre en évidence la division entre la bourgeoisie et le prolétariat ainsi que l’impact du capitalisme.
Emma Sulkowicz, Carry that weight (2014)
Dans une déclaration contre les agressions sexuelles sur les campus universitaires (dont elle a été victime), Mme Sulkowicz transportait un matelas de 50 livres partout où elle allait pendant sa dernière année à l’Université Columbia. À la recherche d’un art puissant qui suscite une réponse puissante, Mme. Sulkowicz a mis en lumière une question qui a longtemps été ignorée en créant des allusions aux étapes de la croix et du martyre ainsi qu’à Hester Prynne en portant littéralement son fardeau et en se marquant comme une version moderne du protagoniste de Nathaniel Hawthorne dans La Lettre écarlate.
Pour plus d’informations sur la prise de position des artistes, consultez cet article du magazine Format sur l’art contestataire.