Une Symphonie Alpine

Une Symphonie Alpine est écrite pour un grand orchestre composé de:

Strauss a en outre suggéré que les harpes et certains instruments à vent devraient être doublés si possible et a indiqué que le nombre indiqué de joueurs de cordes devrait être considéré comme un minimum.

L’utilisation de « l’aérophon de Samuel » est suggérée dans la liste des instruments. (Strauss a probablement mal compris le nom – il s’appelait à l’origine l’Aérophore.) Cet appareil disparu depuis longtemps, inventé par le flûtiste néerlandais Bernard Samuels en 1911 pour aider les joueurs de vent à maintenir de longues notes sans interruption, était une pompe à pied avec un tuyau d’air s’étendant jusqu’à la bouche du joueur. Cependant, les joueurs de vent modernes utilisent la technique de la respiration circulaire, grâce à laquelle il est possible d’inspirer par le nez tout en maintenant le son en faisant correspondre la pression de soufflage dans la bouche.

Une autre bizarrerie avec la notation est que la partie écrite pour le heckelphone descend à F2, tandis que la note la plus basse que le heckelphone peut jouer est A2. Les tentatives pour résoudre ce problème ont conduit à l’invention du lupophone.

Programme

Le Heimgarten dans le sud de la Bavière, où Strauss s’est inspiré pour la composition.

Bien qu’elle soit exécutée en un seul mouvement continu, une Symphonie alpine a un programme distinct qui décrit chaque phase du voyage alpin dans l’ordre chronologique. La partition comprend les titres de section suivants (non numérotés dans la partition):

1. Nacht (Nuit)
2. Sonnenaufgang (Lever du soleil)
3. Der Anstieg (L’Ascension)
4. Eintritt in den Wald (Entrée dans la forêt)
5. Wanderung neben dem Bache (Errance au bord du Ruisseau)
6. Am Wasserfall (À la Cascade)
7. Erscheinung (Apparition)
8. Auf blumigen Wiesen (Sur les Prairies Fleuries)
9. Auf der Alm (Sur les Alpages)
10. Durch Dickicht und Gestrüpp auf Irrwegen (À travers les Fourrés et les Sous-Bois sur le Mauvais Chemin)
11. Auf dem Gletscher (Sur le glacier)
12. Moments dangereux (Dangerous Moments)
13. au sommet (On the Summit)
14. Vision (Vision)
15. le brouillard monte (Mists Rise)
16. le soleil s’obscurcit progressivement (the Sun Gradually Becomes Obscured)
17. élégie (Elegy)
18. silence avant la tempête (Calm Before the Storm)
19. orage et tempête, descente (Thunder And Tempest, Descent)
20. Coucher de soleil (sunset)
21. se calmer (quiet settles)
22. nuit (night)

In terms of formal analysis, attempts have been made to group these sections ensemble pour former une « forme symphonique lisztienne gigantesque, avec des éléments d’introduction, d’allegro d’ouverture, de scherzo, de mouvement lent, de finale et d’épilogue. »En général, cependant, on pense que les comparaisons avec toute forme symphonique traditionnelle sont secondaires au fort sens de la structure créé par le pictorialisme musical et le récit détaillé de la pièce.

Thèmes, forme et analysemodifier

Bien que qualifiée de symphonie par le compositeur, Une Symphonie alpine est plutôt un poème tonal car elle renonce aux conventions de la symphonie traditionnelle en plusieurs mouvements et se compose de vingt-deux sections continues de musique.La Symphonie alpine de Strauss s’ouvre sur un si à l’unisson in dans les cordes, les cors et les bois inférieurs. De cette note, une gamme de si mineur sombre descend lentement. Chaque nouvelle note est soutenue jusqu’à ce que, finalement, chaque degré de la gamme soit entendu simultanément, créant une « masse opaque » de ton représentant la nuit profonde et mystérieuse sur la montagne. Trombones et tuba émergent de ce flot de sons pour déclamer solennellement le thème de la montagne, motif majestueux qui revient souvent dans les sections ultérieures de la pièce.

Ce passage est un exemple rare de l’utilisation de la polytonalité par Strauss, car l’harmonie changeante dans la partie centrale du thème de la montagne (qui comprend une triade en ré mineur) se heurte intensément aux notes soutenues de la gamme en si mineur.

Alors que la nuit cède la place à la lumière du jour dans « Sunrise », le thème du soleil est entendu — une glorieuse gamme majeure descendant qui est thématiquement liée à la gamme d’ouverture représentant la nuit. Un thème secondaire caractérisé par une figure de triplet liée et présenté en nombre dans la première moitié de la pièce apparaît immédiatement après et s’établit pleinement 7 mesures plus tard en ré♭ majeur (le majeur relatif de si♭ mineur).

Sur le plan de la forme, la section intitulée  » L’Ascension  » peut être vue comme la fin de la lente introduction d’une Symphonie alpine et le début de l’allegro proprement dit de l’œuvre. Harmoniquement, ce passage s’éloigne du simineur sombre de l’ouverture et établit fermement la tonalité de mimajeur. C’est dans « L’Ascension » que Strauss présente deux autres motifs musicaux principaux qui reviendront en bonne place tout au long de la pièce. Le premier est un thème de marche plein de rythmes pointillés qui est présenté dans les cordes inférieures et la harpe, dont la forme suggère en fait l’acte physique de grimper par l’utilisation de grands sauts ascendants.

Le deuxième thème est une fanfare triomphante et pointue jouée par les cuivres qui vient représenter les aspects les plus accidentés et dangereux de la montée.

C’est juste après l’apparition de ce deuxième motif d’escalade que nous entendons les sons lointains d’une partie de chasse, habilement représentés par Strauss à travers l’utilisation d’une bande hors scène de douze cors, deux trompettes et deux trombones. Comme le souligne Norman Del Mar, « les fanfares sont totalement non motiviques et ni les cornes de chasse ni leurs phrases ne sont entendues à nouveau tout au long de l’œuvre ». L’utilisation de motifs musicaux et d’instrumentation uniques dans ce passage renforce l’idée de distance créée par le placement hors scène — ces sons appartiennent à un groupe de personnes dans un voyage entièrement différent.

En entrant dans le bois, il y a un changement brusque de texture et d’humeur — les « tons instrumentaux s’approfondissent alors que le feuillage épais obscurcit la lumière du soleil ». Un nouveau thème sinueux est présenté par les cors et les trombones suivi d’une version plus détendue du thème de marche. Des cris d’oiseaux se font entendre dans les bois supérieurs et un quatuor à cordes solo mène la transition vers la section musicale suivante.

La partie suivante de la pièce peut être interprétée comme une grande section de développement qui englobe plusieurs phases différentes de la montée. Dans « Wandering by the Brook », il y a un sentiment croissant de passage d’énergie — le travail cède la place à des figures d’échelle en cascade dans les vents et les cordes et marque le début de la section qui se déroule « À la cascade ». L’écriture instrumentale brillante et étincelante de ce passage en fait l’un des moments les plus « vivement spécifiques » de peinture de tonalité dans une Symphonie alpine.

La dernière section « Sur les prés fleuris » fait également un usage intensif du pictorialisme orchestral — la prairie est suggérée par un fond doux d’accords de cordes aiguës, le thème de marche est entendu doucement dans les violoncelles, et des points de couleur isolés (notes courtes dans les vents, harpe et pizzicato dans les altos, représentant de petites fleurs alpines) parsèment le paysage. Dans cette section, un motif ondulé dans les cordes apparaît et figurera plus en évidence au sommet comme un rythme en pointillés majestueux.

Dans la section suivante, qui se déroule « Dans les Alpages », l’utilisation de sonneries de vaches, de cris d’oiseaux, d’un motif de yodel entendu pour la première fois sur le cor anglais, et même le bêlement des moutons (représenté par des langues flottantes dans le hautbois et la clarinette en mi) crée une image visuelle et sonore forte. Le premier cor et les cordes supérieures introduisent une autre figure secondaire similaire au motif secondaire lors du « lever du soleil », un rythme secondaire à présenter au sommet.

Cependant, au fur et à mesure que les grimpeurs se déplacent, l’idée d’insécurité et de péril est intelligemment suggérée par la nature fragmentaire de la texture et l’utilisation du deuxième thème d’escalade pointu.

Soudain, nous sommes « Au sommet » alors que quatre trombones présentent un thème connu sous le nom de « motif du sommet », dont la forme (avec ses puissants sauts ascendants de quartes et quintes) rappelle la célèbre ouverture de Strauss à Sprach Également Zarathoustra. Ce passage est la pièce maîtresse de la partition, et après qu’un hautbois solo balbutie une mélodie hésitante, la section se construit progressivement à l’aide d’une succession de thèmes entendus précédemment dans la pièce, aboutissant finalement à ce que Del Mar appelle le « point culminant émotionnel tant attendu de la symphonie ».: une récapitulation du thème du soleil, désormais glorieusement proclamé en do majeur.

Avec un brusque changement de tonalité en fa major majeur, la pièce est cependant propulsée dans la section suivante, intitulée  » Vision. »Il s’agit d’un passage quelque peu évolutif qui intègre progressivement plusieurs des principaux sujets musicaux de la symphonie et qui est composé d’harmonies instables et changeantes. C’est au cours de cette partie de la pièce que l’orgue entre pour la première fois, ajoutant encore plus de profondeur aux forces déjà énormes de Strauss. Avec la déclamation du motif de la montagne dans la tonalité originale de simineur par la section de cuivres complète à la fin de ce passage, Del Mar estime que « le sens de l’accomplissement est complet, la récapitulation a commencé et la structure de la symphonie a, à la manière de Bruckner, trouvé son apogée logique. »

Juste après ce point culminant musical, cependant, il y a un brusque changement d’humeur et de caractère alors que la section intitulée « Les brumes se lèvent » commence. Cette atmosphère de tension et d’anxiété continue de croître à travers les deux sections suivantes (« Le Soleil s’Obscurcit progressivement » et « Élégie »). Au moment où la pièce atteint le « Calme avant la tempête », une combinaison d’un motif entendu pendant l’élégie et du motif de hautbois balbutiant entendu précédemment au sommet est répétée de manière inquiétante et silencieuse dans la tonalité mineure.

Dans cette section, un roulement de tambour inquiétant, des instruments balbutiants, des gouttes de pluie isolées (notes courtes dans les bois supérieurs et pizzicato dans les violons), des éclairs (dans le piccolo), l’utilisation d’une machine à vent et des suggestions d’obscurité (par l’utilisation d’un motif d’échelle descendante rappelant le thème de la « Nuit » d’ouverture) entraînent la pièce dans la fureur de la tempête.

Une éolienne moderne, un instrument utilisé pour créer des effets de tempête

 » Tonnerre et Tempête, Descente  » marque le début de la dernière phase du voyage décrite dans Une Symphonie alpine. C’est dans ce passage que Strauss demande la plus grande instrumentation de toute la pièce, y compris l’utilisation d’une machine à tonnerre (Donnermaschine) et l’utilisation intensive de l’orgue. Dans les performances modernes, ces sons de tempête peuvent être complétés par des effets sonores synthétisés pour créer un effet encore plus formidable. Alors que les grimpeurs détrempés reviennent rapidement sur leurs pas en bas de la montagne et traversent une scène familière après l’autre, bon nombre des idées musicales introduites plus tôt dans la pièce sont à nouveau entendues, mais cette fois dans l’ordre inverse, à un rythme très rapide, et en combinaison avec la fureur déchaînée de la tempête.

Finalement, cependant, la tempête musicale commence à s’apaiser. La pluie battante est à nouveau remplacée par des gouttes isolées dans les bois et les cordes de pizzicato, le thème de la montagne est proclamé par les cuivres dans la tonalité originale de si mineur, et la pièce est progressivement introduite dans un magnifique « coucher de soleil ». C’est ici que certains croient que la « coda » de la symphonie commence — plutôt que de présenter un nouveau matériel musical, ces trois dernières sections sont pleines de « nostalgie mélancolique » pour les beaux moments plus tôt dans la pièce.

Dans « Sunset », le thème du soleil établi reçoit un traitement lent et spacieux, atteignant finalement un point culminant radieux qui s’éteint en « Ausklang (Le calme s’installe) ». Cette section, marquée pour être jouée « en douce extase », est parallèle à la section précédente « Vision », mais avec un caractère beaucoup plus doux et plus paisible. Finalement, l’harmonie passe du Mi major majeur établi dans « Ausklang » (une tonalité parallèle à celle de « L’Ascension », le début de l' »exposition » d’une Symphonie alpine) à l’obscurité et au mystère du si minor mineur. Dans ces derniers moments sombres de la pièce, la gamme descendante soutenue de la « Nuit » d’ouverture est à nouveau entendue, atteignant une profondeur de six octaves complètes. Alors que les cuivres émergent du son pour proclamer profondément le thème de la montagne une dernière fois, c’est presque comme si « les contours géants de la masse noble pouvaient simplement être discernés dans la pénombre ». Dans les dernières mesures, les violons jouent une variation lente et obsédante du thème de marche, se terminant par un glissando final et mourant jusqu’à la dernière note.