Votre démo

Beaucoup pensent que tout ce dont vous avez besoin pour faire rouler une carrière en voix off est de produire une démo rapide en VO. C’est un fantasme facile à accepter.

Certains veulent le faire eux-mêmes pour économiser de l’argent, ou demander à un ami avec du matériel d’enregistrement ou même embaucher un « pro » bien annoncé qui dira « oui » à toute personne ayant de l’argent pour produire une démo « professionnelle ». Ensuite, le débutant envoie sa démo fraîchement frappée à quelques meilleurs agents, on les signera et ils sont partis pour les courses avec des auditions et du travail!

Rapide et facile, non?

J’espère que cette page vous éloignera de ce fantasme. L’élaboration d’une démo est un projet qui prendra du temps, de la considération et de l’argent et ne vous servira que si vous êtes réellement prêt à vous démarquer en tant qu’acteur.

*

UNE DÉMO DEVRAIT METTRE EN VALEUR VOS MEILLEURS CONCURRENTS – SINON, ATTENDEZ.

Ce qui suit est mon point de vue sur la création d’une démo vocale d’animation, mais de nombreux concepts de base pourraient également s’appliquer aux démos promotionnelles et commerciales:

Tout d’abord, vous devez être prêt en tant qu’acteur vocal pour que cela vaille la peine de faire une démo. Vos compétences, votre talent et votre confiance doivent être à un niveau que vous avez quelque chose à montrer. Vous devez être compétitif et prêt à vous démarquer! Si vous n’y êtes pas encore, attendez de faire une démo. Ce sera juste une grosse perte de temps et d’argent.

Votre démo est souvent votre première et unique chance d’attirer l’attention d’un agent ou d’un acheteur, elle doit donc être une vitrine bien produite du meilleur de ce que vous faites. Une mauvaise démo (performance ou production) peut faire une mauvaise impression durable et vous mettre en difficulté financièrement et professionnellement.

Si vous êtes un acteur vocal talentueux avec une démo minable que vous envoyez à un agent potentiel, vous n’obtiendrez probablement jamais d’audience avec cet agent (à moins que vous ne puissiez trouver une recommandation stellaire d’un client de confiance de l’agence). Idem si vous êtes un acteur moyen avec une démo médiocre.

Dans une entreprise où le temps est précieux, vous avez rarement la chance de faire deux fois mauvaise impression.

Une bonne démo est une partie essentielle de ce dont vous avez besoin pour obtenir un agent, des auditions et du travail.

Les meilleures démos sont brèves, évitent la redondance et, surtout, montrent que vous pouvez agir et raconter une histoire – pas seulement « faire des voix. »Cela devrait sembler produit par des professionnels, pas fait maison ou amateur.

*

1. Commencez par rechercher vos concurrents:

Un bon moyen d’évaluer votre état de préparation pour faire une démo est d’écouter d’autres démos sur le marché que vous ciblez. Cela vous dira si vous êtes prêt pour cela, ou si vous devez continuer à travailler davantage sur votre voix avant de faire le saut financier.

Pour vous préparer à faire une démo, écoutez les démos des acteurs vocaux qui travaillent actuellement publiées sur leurs propres sites Web ou sur ceux de leurs agents. Google les, et apprendre de leurs démos (certaines comme des leçons de ce qu’il ne faut pas faire!). Votre démo – action et production – doit être compétitive par comparaison. Vous ne vous contenterez pas de copier ce qu’ils font – le vôtre devrait être le vôtre uniquement – mais ils vous donneront un aperçu de ce pour quoi tirer.

BTW, vous constaterez peut-être que certains doubleurs qui travaillent beaucoup ont une démo moins qu’impressionnante! Il peut être vieux et dépassé, mais ils semblent fonctionner comme des fous!

Parfois, la carrière d’un acteur peut dépasser le besoin de mettre à jour son matériel promotionnel (une bonne position pour être!). Tout le monde semble connaître et faire confiance aux capacités de l’acteur et l’auto-promotion devient moins nécessaire.

*

2. Vous n’avez pas besoin d’utiliser des spots de diffusion déjà produits.

Certains craignent de devoir compiler et éditer ensemble des spots ou des émissions déjà diffusés qu’ils ont travaillés en tant qu’éléments de leur démo. C’est faux.

Je préférerais que votre fonctionnalité de démonstration soit des spots fraîchement produits qu’un acheteur potentiel pourrait facilement imaginer tomber dans son projet actuel ou futur.

Ils ne font pas de casting pour un personnage déjà dans une émission diffusée. Si vous avez déjà produit des travaux, la production peut varier et il se peut qu’elle ne présente pas votre meilleur ou votre potentiel. Pourquoi être contraint par tout cela?

Votre démo est de présenter ce que vous pouvez faire maintenant, pas ce que vous avez fait. Votre but est d’impressionner par votre jeu d’acteur, votre gamme – pas votre CV « . Personne n’engage de CV « .

*

3. Lorsque vous cherchez des idées de scénario, volez ce que vous aimez:

Lors de la création d’un script, optez pour ce qui est actuel et populaire ainsi que emblématique. Recherchez des sources de script qui correspondent à vos capacités dans les émissions sur lesquelles vous souhaitez travailler. Vous pouvez également dessiner à partir de longs métrages d’animation / fantastiques emblématiques (par ex. Le Seigneur des Anneaux, Les Indestructibles, Terminator, Harry Potter) ainsi que des jeux vidéo populaires (Halo, Gears of War, World of Warcraft etc.), même des romans graphiques. Réutilisez ces matériaux à vos propres fins (exemple à suivre).

Transcrivez une scène que vous aimez, réécrivez-la, changez les noms, affinez-la pour la rendre compacte, simple et unique. Faites-en une mini histoire avec un tour, une transformation – qui montre votre jeu d’acteur.

Faites-en votre propre petit diamant poli à ajouter à votre chaîne de bijoux.

*

3 bis. Ne vous inquiétez pas de la copie ou de la légalité avec le script de votre démo. Souciez-vous de la façon dont cela met en valeur votre jeu.

Une démo de voix off n’est pas vendue, donc personne ne se soucie si vous utilisez une scène d’un film ou d’une émission de télévision. Je n’ai jamais entendu parler de quelqu’un avoir des ennuis pour recréer ou soulever une scène pour une utilisation dans une démo. Il n’y a pas d’argent impliqué, donc il n’y a aucune raison de s’inquiéter. Vous changerez probablement les noms et l’écriture dessus de toute façon.

Le seul problème que « soulever » ou « copier » une scène peut présenter est si votre reconstitution d’une scène reconnaissable n’est pas aussi bonne que l’original dont tout le monde se souvient.

De plus, si c’est d’une émission que tout le monde reconnaîtrait, si vous l’utilisez « tel quel », il pourrait bien être évident pour l’auditeur que vous n’avez pas travaillé sur place. Sa reconnaissabilité pourrait gêner l’auditeur qui VOUS écoute, ce qui devrait être le but de tout cela. C’est pourquoi j’aime changer de nom et le polir pour en faire une petite vitrine compacte d’une scène.

L’important est de peaufiner une scène qui met en valeur votre jeu (espérons-le bon). Qu’est-ce qui montre le jeu d’acteur? Votre personnage parle à quelqu’un, veut quelque chose, a un sous-texte en jeu, etc. Vous ne décrivez pas quelque chose ou ne faites pas une liste d’une voix amusante. Il doit y avoir quelque chose qui se passe, qui raconte, qui réagit, qui écoute !

Vous êtes libre de vous en approprier. Vous pouvez changer de nom, de décor, d’intensité dramatique ou de rythmes comiques et vous aurez presque certainement besoin de raccourcir le matériel source.

Par exemple, vous voulez faire un méchant lourd ou un jeune héros et choisir une scène « Star Wars ». Je vous recommande de modifier une scène que vous aimez en la modifiant et peut-être en la modifiant pour que ce ne soit pas exactement « Luke contre Vader », mais une scène qui conserve la dynamique que vous aimez de la pièce originale, alors que c’est la vôtre. La dynamique du méchant contre le héros est conservée, mais ce n’est pas exactement un ascenseur direct. Peut-être que le paramètre est changé en paramètre médiéval ou de type super héros.

Il contient l’essence de la pièce originale sur laquelle vous avez basé votre scène, mais c’est la vôtre. L’auditeur peut voir que vous pourriez jouer un héros (ou un méchant) dans n’importe quel type d’émission de type super-héros – plutôt que d’être distrait en essayant de comprendre pourquoi cet acteur vocal essaie de reproduire « Star Wars. »

*

4. Évitez les monologues descriptifs auto-référentiels

C’est une erreur de démonstration amateur courante de créer des « scènes » qui ne sont que le personnage exprimant son monologue intérieur, parlant de ce qu’il fait ou se décrivant simplement. (par exemple, « Eh bien, me voici, le dragon le plus solitaire assis seul dans ma grotte sans personne à qui chasser ou à qui parler. Je ne fais que battre mes belles ailes qui ne reverront probablement jamais le soleil… « )

Ce genre de choix est inactif, ennuyeux et doit être évité car le simple fait de vous décrire ne montre pas votre capacité d’acteur. Il ne se passe rien. Il n’y a pas de relation, pas de dynamique, pas d’écoute.

Un script implique le mieux l’interaction et l’action – besoin de quelque chose, de sous-texte, d’objectif, tu sais, d’agir!

*

5. Chaque segment de démonstration doit être une brève mini-scène qui démontre votre capacité d’acteur.

Les segments de scène de votre démo peuvent être courts, mais ils ne peuvent pas être statiques ou à une note! J’aimerais que chaque segment ait une action qui se déroule, à l’extérieur et à l’intérieur.

Une autre façon de voir les choses est un « changement dramatique. »Cela peut être vu comme la simple transition d’un adjectif à un adjectif contraire dans la scène.

Par exemple : Un personnage maléfique passe de séduisant à menaçant lorsqu’il s’adresse à une princesse. Un héros commence épuisé et passe à une résolution solide. Un père passe de l’inconscient au farfelu à l’impassible. Un garçon s’adressant à un serviteur passe d’une colère innocente à une colère dictatoriale. Une vieille sorcière passe de mélancolique à craintive à furieuse. Chacun en cinq à dix secondes!

Ces interrupteurs d’action sont essentiels pour montrer que vous pouvez créer des personnages qui se connectent et racontent une histoire, qu’ils font partie d’une histoire – pas une voix déconnectée. Tu ne fais pas que « faire une voix drôle. »

Si vous êtes clair sur les enjeux de la scène, ce que votre personnage veut, les événements, le personnage implicite contre lequel vous jouez, l’environnement et l’histoire que vous racontez, cela prendra vie!

Rappelez-vous – une démo n’est pas un catalogue de voix que vous pouvez faire – c’est plutôt une vitrine de vos meilleures capacités d’acteur et de votre gamme.

*

6. N’utilisez les impressions dans une démo que si elles sont fantastiques et démontrent une bonne action.

Les impressions plates ou mauvaises sont un excellent moyen d’amener l’auditeur à appuyer sur PAUSE. Une impression ne devrait pas simplement être un slogan du personnage imité, mais devrait également montrer un jeu d’acteur. Si c’est l’un de vos super pouvoirs et que vous êtes amené à une session pour faire une impression, vous devrez générer pleinement le personnage d’une manière probablement jamais entendue auparavant, et non pas simplement répéter un slogan.

Personne n’est embauché pour livrer seulement un spot « Quoi de neuf, doc? »puis quittez la scène sonore. Pouvez-vous lire de manière convaincante les ingrédients sur une boîte de céréales dans ce personnage? Pouvez-vous raconter votre journée en tant que personnage? Lire un livre outloud? Non ? Ensuite, vous n’êtes pas prêt à mettre ce personnage sur une démo. En général, je recommanderais une démo séparée pour les impressions.

*

7. Démos d’animation: N’utilisez pas les impressions des personnages de dessins animés actuellement diffusés.

Pourquoi offrir ce qu’ils ont déjà et dont ils n’ont pas besoin? Il est peu nécessaire de remplacer un acteur de voix vivant qui travaille principalement pour l’échelle (minimum) de toute façon. Voix de dessins animés classiques (Bugs Bunny, Mickey Mouse, Betty Boop, Popeye, etc.) peut-être avoir besoin d’être à nouveau exprimé avec précision dans une fonctionnalité de relance ou même commerciale, mais je consacrerais une démo distincte à celles-ci sur le site Web de votre démo, encore une fois, seulement si elle est morte et montre que vous pouvez manier ce personnage comme une épée. Tu ne fais pas que des voix.

Les impressions sont rarement utiles et trop spécifiques pour être utilisées dans une démo d’animation générale, à mon avis.

*

8. Supprimer les segments redondants:

Une démo de voix off d’animation / jeu devrait mettre en valeur votre gamme et vous offrir ainsi une variété de possibilités de casting.

Par exemple, vous ne voulez pas seulement être jeté en tant que super-méchants si vous pouviez tout aussi habilement jouer le héros ou l’acolyte ou un enfant voisin. Vos talents sont tels que vous êtes capable de travailler une variété de rôles sur différents projets pour différents studios dans votre script de démonstration.

Montrez-leur tout votre meilleur (et seulement votre meilleur)!

Action / comédie de Cartoon Network, fonctionnalité Pixar, pré-école Disney, spectacles de « garçons » à haute énergie d’Amazon, épopée loufoque / fantastique de Nickelodeon, sit-com animé par Fox, Foule surréaliste-loufoque d’Adult Swim college, etc. Visez autant d’entre eux que vous le souhaitez, une mini scène appropriée pour chacun – adaptée au marché que vous ciblez.

De plus, le statut, l’âge, l’énergie et la profession de vos personnages doivent varier. La polyvalence fait partie de la valeur qu’un bon acteur vocal apporte à un projet et tout le vôtre devrait être exposé au premier plan. Tout ce que vous pouvez clouer de manière compétitive et convaincante, c’est-à-dire.

*

9. Chaque segment devrait contraster de manière significative avec celui d’avant et d’après.

Il doit y avoir un changement brusque de tonalité d’un segment à l’autre pour retenir l’intérêt de l’auditeur.

*

10. Chaque voix de votre sexe sur votre démo devrait être la vôtre!

Vous ne voulez pas être amené pour ce que vous ne pouvez pas fournir. Si vous ajoutez un segment à deux personnes, assurez-vous que l’autre interprète est du sexe opposé. Si vous êtes un homme, n’utilisez pas d’autres acteurs masculins sur votre démo. Idem pour les femmes.

*

11. Ne comportez que ce que vous pouvez supporter:

N’incluez que ce que vous pouvez facilement reproduire et maintenir dans une session réelle (quelques heures) sans vous blesser. Par exemple, si vous avez des personnages qui hurlent sauvagement dans un segment, vous feriez mieux de pouvoir passer une session avec cette quantité de voix.

Cela n’a aucun sens de survendre ou de trop étirer. Montrez simplement ce que vous pouvez bien faire de manière durable.

*

12. Gardez-le court mais doux:

Il n’y a guère pire à Hollywood que de perdre le temps de quelqu’un d’autre. Si vous voulez énerver une personne pro ou puissante, perdez son temps. Donc:

Je sais que vous voulez créer cette démo de plus de trois minutes – mais ne le faites pas. Cela se révélera indulgent et diluera l’impact de votre vitrine.

Tournons pour une démo de 60 secondes ou moins. Votre démo doit être concise et comporter des « coupes fracassantes » (pas de fondu) d’un style / ton / genre disparate à l’autre. Si cela signifie une démo longue de 30 secondes, très bien. Une minute est suffisante pour la plupart des gens!

Découpez la graisse de votre démo. Soyez cruel envers vos précieux enfants!

Peu de gens peuvent offrir une démonstration convaincante de 90 secondes ou plus. La personne qui écoute votre démo a peu de temps, alors ne la perdez pas avec une répétition, une charge ou un excès.

C’est seulement une démo digne tant que l’auditeur est rivé et ne s’est pas ennuyé ou n’a pas frappé « stop », alors restez bref, varié et seulement les bonnes choses.

*

12a. Dois-je utiliser du matériel ou des personnages existants / déjà produits dans des projets déjà diffusés sur ma démo pour impressionner des agents ou des personnes qui font du casting?

Je ne pense pas que quelqu’un soit signé ou embauché parce que sa voix est reconnue pour avoir participé à une autre émission ou à un autre spot diffusé.

Une démo attire l’attention car elle montre un bon jeu compétitif. Vous êtes embauché parce que votre audition est juste pour CE spectacle en cours de casting. Il est rare que quelqu’un ait beaucoup d’utilité pour un personnage déjà associé à un autre projet.

Bien sûr, si vous êtes « célèbre », c’est une autre affaire, auquel cas une démo n’est probablement pas pertinente de toute façon et ils sont plus susceptibles de considérer la taille de votre compte Twitter plutôt que votre capacité ou votre portée d’acteur.

Je ne suis pas fan de la présentation de personnages établis ou connus dans une démo (je ne suis pas non plus fan de l’utilisation de séquences produites à partir de spectacles que vous avez travaillés). Le travail déjà « dans la boîte » est terminé et personne ne vous embauchera pour cela.

Comme je le dis sur mon site, il est plus à mon goût de présenter un bon jeu d’acteur et une gamme avec une séquence de scènes rapides aussi disparate que votre talent le permettra, en réduisant tous les excès et en permettant autant de changement de ton que possible. Maigre et méchant!

Je veux aussi des personnages qui se sentent pertinents par rapport à ce que les spectacles / jeux sont en cours de création, mettant en évidence les archétypes qui sont couramment utilisés ainsi que vos forces d’idées d’acteurs prêtes à l’emploi.

Si la voix de votre démo est forte, elle attirera l’attention des bonnes personnes, quelle que soit leur origine ou leur CV ‘. Vous voulez que votre talent soit applicable à de futurs spectacles, pas se limiter aux anciens. C’est mon point de vue de toute façon.

13. Obtenez l’aide d’un ingénieur professionnel:

Vous êtes un acteur très chanceux si vous pouvez produire et diriger votre propre démo de knock-out au son professionnel. Presque personne n’est ce genre d’auteur savant.

Je conseillerais à la plupart des gens de ne même pas essayer de s’auto-produire. Vous avez besoin de quelqu’un pour vous dire « non » qui sait ce qu’il fait. La plupart devraient demander l’aide d’un bon ingénieur / producteur qui peut guider et aider à éditer et fournir une valeur de production soignée.

Recherchez ceux qui peuvent vous aider sur la page « Creuser plus profondément » de ce site. Écoutez leur travail et vos oreilles vous diront ce que vous devez savoir. Personnellement, je voudrais travailler avec quelqu’un qui est difficile à savoir qui ils produisent, quelqu’un qui ne prendra pas seulement l’argent de n’importe qui et vous vous retrouverez avec des déchets produits par des professionnels.

Un producteur de démo décent se soucierait du résultat final car sa réputation est en partie en jeu. Tu veux quelqu’un qui regarde ça de cette façon. Ils produiront une démo avec quelqu’un qui est bon et prêt – ou pas du tout. Au moins, c’est ce que je chercherais. Espérons que vous comprendrez également qu’une démo ne devrait pas être produite avant d’être prête, de toute façon.

Rappelez-vous: Peu importe la qualité de l’ingénieur / producteur, vous définissez la barre pour la qualité de votre démo. Si vous n’êtes pas prêt, ne payez pas des centaines de dollars (ou plus!) à un ingénieur / producteur pour une démo sans valeur et non compétitive!

Vous avez besoin d’un bon ingénieur, mais aucune quantité de brillance de production ne peut corriger un acteur qui n’est pas prêt.

*

14. Publiez votre démo sur votre propre site web:

C’est bien d’avoir une copie papier (disque) de votre final cut, mais je préférerais que votre démo soit publiée sur un bon « yourname.site web « com » auquel un agent ou un acheteur peut accéder instantanément de n’importe où.

Assurez-vous qu’il est promu pour qu’il soit juste là quand quelqu’un tape votre nom dans un moteur de recherche.