Il dadaismo è stata un’avanguardia artistica e culturale del movimento richiesto Europea, per il clima sociale dopo la prima Guerra Mondiale. Era un rifiuto del capitalismo moderno, della cultura borghese e della politica in tempo di guerra che si allineava con altri gruppi radicali di estrema sinistra. Questo è stato espresso attraverso l’uso di materiali artistici non tradizionali, satira e contenuti senza senso. Anche il nome del movimento, ‘dada’, doveva essere una parola senza significato. Di seguito sono elencate 10 opere d’arte iconiche che caratterizzano questo movimento artistico del dopoguerra.
Marcel Duchamp, Fontana (1917)
Marcel Duchamp è stato uno degli artisti più prolifici del Dadaismo, producendo numerosi infame dipinti, collage e sculture. È anche associato al cubismo, al futurismo e alla prima arte concettuale. Ha avuto un’influenza monumentale sull’arte modernista del 20 ° secolo e in particolare sulla scultura. Il suo lavoro ha raggiunto la maturità dopo la prima guerra mondiale, quando ha iniziato a usare l’arte come strumento di protesta culturale.
Fontana è una delle opere d’arte più iconiche del 20 ° secolo, che rappresenta un importante cambiamento nella funzione dell’arte nella società. Mentre il pezzo originale del 1917 non sopravvive oggi, Tate ha creato una replica in terracotta nel 1964. Si tratta di uno dei primi esempi di sculture ‘lowbrow’ o ‘readymade’, che sono fatti da oggetti trovati. Duchamp presentò la scultura al Salon di Parigi, ma fu respinta perché non era considerata arte.
Marcel Duchamp, L. H. O. O.D. (1919)
L. H. O. O. Q. è un altro famoso esempio di ‘ready-made’ scultura di Marcel Duchamp. È stato creato da una cartolina economica della Monna Lisa di Leonardo da Vinci (1503-06) su cui Duchamp ha poi disegnato baffi e pizzetto cerati. Il pezzo presenta elementi di satira, rifiutando l’estetica dell ‘”arte alta”. Il titolo del pezzo è anche satirico, come L. H. O. O. Q. quando detto in francese suona come ‘El a chaud au cul’, traducendo in’ she’s hot in the butt ‘ e connotando una sessualità sottostante al pezzo.
Kurt Schwitters, Costruzione Per le Nobili Dame (1919)
Kurt Schwitters è stato un artista tedesco che ha sperimentato con diversi mezzi, tra cui la pittura, la la scultura, grafica, design, installazione di arte e poesia. Il suo lavoro è stato associato con il surrealismo, cubismo e costruttivismo così come dadaismo. Era anche noto per aver applicato il termine Merz al suo lavoro, un termine che ha inventato che era sinonimo di Dada come forma di protesta culturale.
La costruzione per nobildonne è un esempio dell’uso dell’astrazione da parte di Schwitters nel collage e nella scultura. Questo pezzo di assemblaggio esemplifica anche lo stile di scultura “oggetto trovato”, in quanto è costruito con una varietà di materiali rotti e disgiunti: un imbuto, un trenino metallico, ruote rotte e altri oggetti di scarto. Include anche un ritratto orizzontale di una nobildonna, da cui il pezzo prende il titolo. L’assemblaggio del lavoro è ruvido, e il dipinto ha una finitura robusta ad esso, aggiungendo ulteriormente alla sua deviazione dalle aspettative artistiche precedenti. Tuttavia, l’intero pezzo ha un’elegante asimmetria, dimostrando che anche gli oggetti di scarto possono creare un capolavoro.
Raoul Hausmann, Il Critico d’Arte (1919-20)
Raoul Hausmann è stato un importante artista Austriaco e uno dei leader del movimento Dada a Berlino. Hausmann era anche un artista espressionista. Dopo aver conosciuto il movimento dadaista, ha incontrato altri artisti tra cui John Heartfield e George Grosz. Durante questo periodo, si concentrò principalmente sulla poesia e sul collage fotografico, che avrebbe avuto un profondo effetto sull’avanguardia europea del dopoguerra. La sua poesia era nota per essere particolarmente provocatoria e le sue opere molto satiriche. Era anche un amante della collega dadaista Hannah Höch.
Il Critico d’arte è l’ardente critica di Hausmann alla superficialità del mondo dell’arte. Il pezzo è un collage di foto composto da una serie di fotografie di riviste e giornali e include alcuni elementi disegnati. L’opera è considerata “lowbrow” in quanto utilizza materiali e iconografia visti nella cultura popolare. Connota che, proprio come la costruzione di un collage, i critici d’arte possiedono una conoscenza cobbled-together di fatti vacui e non capiscono veramente il significato dell’arte.
Hannah Höch, Tagliare con il Coltello da Cucina Dada Attraverso l’Ultimo Weimar Birra-Pancia Epoca Culturale della Germania (1919-20)
Hannah Höch era un artista tedesco e membro del movimento dadaismo. Ha aperto la strada alla tecnica del fotomontaggio o del collage di foto utilizzando immagini dai media popolari. Era interessata al femminismo, al genere e all’androginia nell’arte, e in particolare alla dissoluzione della dicotomia “Nuova donna”. Ha anche esplorato il clima politico durante la Repubblica di Weimar nel suo lavoro.
Il taglio con il coltello da cucina rappresenta la giustapposizione tra dadaismo e cultura mainstream del tempo. Raggruppati in una parte del collage fotografico sono membri di gruppi politici dominanti come il governo di Weimar e l’esercito. In netto contrasto, l’altro lato del pezzo presenta comunisti, artisti e altri radicali. Höch ha anche incluso una piccola mappa che mostra i paesi in Europa che hanno permesso alle donne di votare. Il pezzo mostra la ribellione dei dadaisti e di altri gruppi radicali durante un periodo di rigoroso conformismo politico e culturale.
Raoul Hausmann, Il Capo Meccanico (1920)
Il Meccanico è una Testa di Raoul Hausmann opera più famosa. È stato realizzato con un manichino da parrucchiera, un righello, un orologio da tasca, un portafoglio, pezzi di una macchina fotografica e altri oggetti trovati. Il pezzo è pensato per essere un commento su come l’umanità interagisce con gli oggetti e il mondo circostante. Il volto è completamente privo di espressione, a differenza dei volti espressivi dei capolavori culturali europei. Invece, il suo carattere è spiegato dagli oggetti esterni ad esso collegati. La scultura mette così in discussione tutte le precedenti raffigurazioni dell’intellettualismo e della profondità, mostrando il soggetto solo in relazione al mondo superficiale e materiale che lo circonda.
Jean Arp, Camicia Anteriore e Forcella (1922)
Jean Arp, noto anche come Hans Arp, è stato un pittore francese, tedesco, scultore e poeta. Era un membro fondatore del movimento dadaista. Dopo essersi trasferito a Zurigo, ha incontrato i colleghi artisti Hugo Ball e Sophie Taeuber, che sarebbe diventata la moglie di Arp. Il trio ha poi collaborato alla creazione di un manifesto dadaista. Il lavoro di Arp era noto per l’esplorazione dell’inconscio, i suoi elementi di satira e l’astrazione delle forme organiche.
Fronte Camicia e Forcella fa parte di una serie di sculture in legno dipinto a rilievo realizzate da Arp negli anni ‘ 20. L’opera presenta un elemento grafico monocromo, con forme morbide e organiche e una composizione semplicistica. La forcella a destra è facilmente identificabile, mentre la forma a sinistra rappresenta la parte anteriore di una camicia, ma ricorda anche un grande dente o un volto umano. Il pezzo rappresenta lo spostamento stilistico di Arp tra periodi; le forme astratte del suo lavoro precedente si scontrano con il suo uso successivo dell’associazione degli oggetti per approfondire la mente inconscia.
Francis Picabia, Optophone ho (1922)
Francis Picabia, è stato un pittore e un poeta, che è stato associato con l’Impressionismo, il Cubismo e il Puntinismo e il Dadaismo. Ha anche sperimentato l’editoria e il cinema, e la sua carriera di quasi 50 anni può essere caratterizzata da una serie eclettica di cambiamenti stilistici e mediatici. Le sue opere più famose erano dipinti con blocchi di colore, forme geometriche e astrazioni, anche se era noto anche per il collage di materiali non ortodossi.
Optophone I è un esempio delle opere “machinist” di Picabia, che sono state ispirate dalle attrezzature industriali del primo 20 ° secolo e commentano l’accelerazione della tecnologia durante il tempo. Il pezzo simula gli effetti di un optofono, un dispositivo che utilizza la sonificazione per scansionare testi e immagini per aiutare i non vedenti a identificare le lettere su una pagina. Il centro del dipinto detiene uno stile classico seduto donna nuda come se lei è stato visto attraverso l’uso di un optofono. L’opera si interroga così su come l’umanità incontra e interpreta l’arte.
Man Ray, Rayograph (1922)
Man Ray è stato un fotografo e artista visivo americano che ha lavorato principalmente a Parigi. Fu un membro significativo sia del dadaismo che del surrealismo, producendo numerose opere che rimangono facilmente riconoscibili oggi. Era noto per i suoi ritratti astratti di donne e il suo uso di ombre e luce negativa per creare pezzi con un elemento onirico per loro. Ha anche fotografato una pletora di artisti famosi durante la sua vita, fornendo una visione pittorica della loro vita.
Rayograph è uno di una serie di fotogrammi di Ray, che Tristan Tzara ha chiamato rayographs dopo l’artista. Questi pezzi sono stati realizzati utilizzando carta fotografica, su cui Ray ha posizionato una serie di oggetti e poi li ha esposti alla luce. La carta sarebbe poi scurire dove un oggetto non è stato posizionato, creando l’effetto di un negativo-luce ombra. Questi pezzi esemplificavano la nozione di Dada, poiché spesso rappresentavano oggetti banali o casuali che non sembravano collegati. Anche i prodotti di questo metodo erano spesso incoerenti, poiché richiedevano più sessioni di esposizione alla luce ed erano quindi al corrente delle condizioni esterne.
Max Ernst, Ubu Imperator (1923)
Max Ernst è stato un pittore tedesco, poeta, scultore e artista grafico e uno dei primi membri del Dadaismo e del Surrealismo, movimenti. Era estremamente sperimentale con il suo lavoro, combinando diversi mezzi con una tecnica astratta e illusionistica. Ha anche usato un metodo chiamato frottage, o ‘sfregamento’, in cui l’artista pone carta su una superficie irregolare e poi strofina matita su di esso per creare un contorno modellato della superficie.
Ubu Imperator rappresenta lo spostamento stilistico di Ernst tra dadaismo e Surrealismo, raffigurando un piano antropomorfo rotante dai tratti incongruenti. Il soggetto ritrae il padre Ubu, simbolo di autorità e avidità visto in una serie di commedie di Alfred Jerry che chiariscono le ingiustizie del compiacimento sotto la società empirica borghese. Il paesaggio è un caratteristico deserto surrealista con un vasto orizzonte, mentre la parte superiore presenta le nozioni parodistiche e anti-establishment del dadaismo.