Con una popolazione di circa 1,5 milioni di euro e in crescita, le Tredici Colonie si espanse rapidamente dalla fine 1750s. La Rivoluzione Industriale era in corso, e un afflusso di immigrati provenienti da Irlanda, Scozia, Italia e Inghilterra fornito un sacco di lavoratori per riempire il crescente numero di lavori di produzione. Man mano che più aree delle colonie si allontanavano dalle loro radici agrarie, la loro dipendenza dai manufatti dell’Impero Britannico diminuiva. Allo stesso tempo, c’era un cambiamento nella produzione nazionale nelle colonie, c’era anche uno ideologico, un desiderio di indipendenza dalla patria tirannica. Come l’Inghilterra impose tasse come il Stamp Act del 1765, il Townshend Acts del 1767 e il Tea Act del 1773, così anche le i dei coloni. In questo contesto era un paesaggio musicale ricco e diversificato composto da influenze provenienti da numerosi paesi e tradizioni. E, come le singole colonie spostato verso un paese singolare, così anche fatto un paesaggio sonoro unicamente americano.
Questo periodo di immenso cambiamento nelle colonie è stato visto anche nel mondo della musica. Nella musica d’arte occidentale, il periodo barocco, che dura da circa 1600-1750, si avvicina alla sua fine. Noti per compositori famosi come Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi e George Frideric Handel, questi compositori furono maestri creatori di linee melodiche, decorazioni elaborate e numerosi pezzi per ensemble da camera. Di questi, fu Bach che fu il precursore del suo tempo nella composizione barocca. Noto per le sue suite solistiche e le sue opere per organo, il repertorio di Bach spaziava sia dal sacro che dal profano. Una delle opere più famose di Bach è la Toccata e Fuga in Re minore, BWV 565, scritta per organo. Richiedendo un esecutore di alto calibro, le linee melodiche di apertura del pezzo si sono bloccate nelle orecchie dell’ascoltatore per generazioni. La toccata esplora la vasta gamma dell’organo, richiedendo all’esecutore di esplorare le ottave lontane dello strumento con grande precisione e musicalità. La sezione fuga è composta da quattro voci ed è scritta interamente in sedicesimi di nota. Il movimento costante di tutte e quattro le parti e la linea del pedale solista che viene introdotta fornisce un netto contrasto con la parte di apertura di questo lavoro. Le opere di Bach, tra cui la Toccata e la Fuga in re Minore, hanno resistito alla prova del tempo e sono ancora considerate alcune delle composizioni più essenziali di questo periodo musicale. Indubbiamente le sue opere sarebbero state ancora suonate e ascoltate sia nelle colonie che in Europa durante l’immediato sviluppo e la guerra stessa.
Ma la musica di Bach significò un’epoca più antica di timbri e tecniche compositive. Come sale da concerto è diventato più popolare in tutto il mondo, c’è stato un cambiamento naturale nel tipo di musica che potrebbe essere eseguita in questa nuova impostazione. Poiché la maggior parte della musica barocca era originariamente composta per scopi sacri e piccoli incontri sociali, una nuova era di musicisti e compositori ora aveva bisogno di raggiungere il pubblico sociale che stava aiutando la musica del periodo a diventare una forma d’arte seria. Inoltre, la stessa composizione degli ensemble che eseguivano questi lavori stava cambiando. Altri strumenti venivano aggiunti alle partiture, come clarinetti, fagotti e ottoni aggiuntivi come il trombone (sackbut). Il periodo classico è nato, e con esso, l’orgoglio nazionale nel promuovere e promuovere musicisti e compositori nativi e una maggiore accessibilità da parte della gente comune.
Alcuni dei molti compositori del periodo classico furono Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven e Joseph Haydn. Questi uomini, insieme a innumerevoli altri compositori e musicisti, erano geni musicali che hanno aperto la strada nel nuovo genere della composizione sinfonica. Le sinfonie, opere musicali estese native della musica d’arte occidentale, sono solitamente scritte per una grande orchestra. Le orchestre di questo periodo consistevano in una sezione di archi, sezione di fiati, sezione di ottoni e una sezione di percussioni. In totale, un’orchestra poteva variare da circa 30 a oltre 100 musicisti. Questo è stato un drastico cambiamento dal tipico ambiente di musica da camera che era così popolare durante il periodo barocco. Tutte le sinfonie sono composte da più movimenti, di solito quattro, che variano notevolmente nello stile e nel tempo. Più comunemente, il primo movimento è composto in forma sonata o allegro, il secondo movimento in un tempo più lento, il terzo movimento nello stile della danza (minuetto o scherzo), e infine il quarto movimento un rondò o un allegro. Va notato, tuttavia, che ci sono state molte variazioni sulle forme sopra menzionate che hanno permesso ai compositori di esprimere la loro creatività.
Tra i molti notabili del periodo, va sottolineata la breve vita e gli incredibili contributi musicali di Wolfgang Amadeus Mozart. Come un bambino prodigio che vive a Salisburgo, Mozart eccelleva al pianoforte e violino e si è esibito per i reali europei in età molto giovane. Dopo un viaggio a Vienna, Mozart ha scelto di rimanere lì e immergersi nella sua cultura musicale. Fu qui che iniziò a comporre sinfonie, concerti e opere. Una delle sue sinfonie più famose è No. 40, Sol minore, K. 550. Questo lavoro fu completato a metà del 1788 e consisteva in quattro movimenti distinti. Questi movimenti includono l’Allegro, l’Andante, il Menuetto (trio) e il Finale.
Nelle colonie, i coloni furono esposti a un’esperienza di ascolto completamente nuova eseguita da orchestre sinfoniche in grandi e grandiose sale da concerto. New York, Boston e Filadelfia erano solo alcune grandi città tra le colonie del nord che offrivano una fiorente esperienza musicale per i cittadini. Ranelagh Gardens è stato aperto nel 1766 a New York City ed è stato modellato dopo pleasure gardens di Londra. I giardini Ranelagh offrivano spettacoli musicali giornalieri e incontri di danza. Inoltre, gli strumenti erano ora più facilmente disponibili per l’acquisto da parte del cittadino comune. I coloni che risiedevano nelle città più grandi potevano acquistare uno strumento e tutti gli accessori necessari nel loro negozio di musica locale. Le pubblicità furono stampate e distribuite per promuovere nuovi strumenti musicali come il corno francese e l’hautboy, che era il predecessore dell’oboe moderno. Se lo desideravano, tutor musicali come Charles Love pubblicizzato i suoi servizi didattici musicali come ” insegna signori il violino, hautboy, flauto tedesco e comune, fagotto, corno francese, tenore e basso viola.”
Anche se l’era classica della musica d’arte occidentale si espanse in Europa e in Inghilterra a un pubblico più ampio di classi sociali, l’accessibilità a queste tradizioni musicali popolari era molto meno per coloro che vivevano nelle colonie americane. Nonostante la piccola crescita delle grandi sale da concerto nelle colonie settentrionali, non divennero parte della cultura musicale americana fino all’inizio del diciannovesimo secolo; e, poiché la musica non era in grado di essere registrata in questo momento storico, le esibizioni dal vivo e i concerti erano l’unico vero modo per immergersi in questo genere di musica. Così, la musica nelle colonie sembrava molto diversa sulla carta della composizione rispetto ai grandi compositori dell’epoca barocca e classica. Per molti, erano canzoni eseguite da uno o pochi musicisti nelle taverne o nelle riunioni con significati più personali che venivano ascoltate di più dal cittadino comune durante questo periodo.
I coloni spesso scrivevano ed eseguivano musica che parlava della loro vita quotidiana. Utilizzando strumenti domestici comuni di questo periodo come clavicembali, violini e flauti, piccole riunioni consentivano la condivisione della musica tra amici e familiari. La musica era anche un modo per i coloni di mantenere le loro tradizioni culturali e costumi vivi e fiorenti nel nuovo mondo. Molte tradizioni musicali hanno vissuto attraverso vacanze culturali. I coloni olandesi nelle colonie, ad esempio, continuarono a celebrare la festa cristiana, Pinkster, o come gli inglesi la chiamavano Whitsunday. Pinkster è stato anche visto come un giorno che ha rappresentato l’arrivo della primavera. La tradizione consisteva in bambini olandesi che sfilavano per la città per” risvegliare ” la primavera. I cittadini avrebbero aperto le finestre e le porte per significare la loro accettazione della nuova stagione. Se una famiglia non apriva le finestre e le porte, cantava la canzone “Luilak”che si traduce in pigri.
Mentre le frustrazioni crescevano tra le colonie e la Corona, spesso questi piccoli concerti includevano musica che parlava alle lamentele del loro pubblico. Canzoni sulla mancanza di rappresentanza in Parlamento e derisione dei leader inglesi divennero popolari. Un esempio di questo tipo di musica coloniale può essere trovato nella canzone ” A Taxing We Will Go.”L’imposizione del 1765 Stamp Act indignato i coloni come si sentivano che stavano ricevendo” tassazione senza rappresentanza.”I testi si concentravano specificamente sull’argomento a portata di mano, notando” Il potere supremo del Parlamento il nostro scopo è stato asist, e sono state inviate leggi fiscali all’estero, che i ribelli resistono….”
Mentre la guerra si stabiliva nelle colonie, il ruolo della musica nella vita quotidiana di soldati e civili aumentava. La musica è stata ascoltata in diversi modi sia dagli ufficiali che dagli uomini degli eserciti continentali e britannici. La musica era un modo per fornire chiamate e comandi durante la marcia, nel campo o sul campo di battaglia. I musicisti potevano facilmente suonare i suoni forti della battaglia fornendo alle truppe una marcia cadenzata e persino una segnalazione tattica. I batteristi erano una delle posizioni musicali più importanti che potevano essere detenute all’interno di una banda o unità militare. Dopo l’arruolamento, batteristi sono stati tenuti a imparare e memorizzare numerosi rudimenti o battute da utilizzare durante ogni giorno in campo, mentre sulla marcia, e in battaglia. Uno dei rudimenti più noti della Rivoluzione americana è “Reveille.”Doveva essere giocato ogni giorno all’alba per avvisare i soldati di “alzarsi e pettinarsi i capelli e pulire le mani e il viso ed essere pronti per i doveri del giorno”, così come la cessazione della sfida da parte della guardia. I tamburi che suonavano questi rudimenti erano fatti di un telaio di legno e “teste” superiori e inferiori in pelle di vitello o montone che venivano poi allungate sopra il telaio. Per creare tensione e per aiutare con la messa a punto, corde sono stati cuciti attraverso fori praticati nel telaio di legno. Inoltre, quattro a sei fili di catgut o rawhide sono stati allungati attraverso il centro inferiore della testa del tamburo per creare insidie. Tamburi non erano l’unico suono importante nel panorama musicale all’interno di entrambi gli eserciti, però.
Il fife fu anche uno strumento chiave durante la Rivoluzione americana. Con le sue forti capacità di proiezione, le truppe erano in grado di ascoltare questo strumento sopra i suoni di un esercito in marcia o la cacofonia della battaglia. Una canzone popolare dell “epoca che ha caratterizzato in modo prominente questo strumento era” Yankee Doodle.”Ancora ampiamente conosciuto oggi, ha acquisito la sua familiarità nella coscienza musicale americana durante la Rivoluzione americana. Originariamente, questa melodia era cantata da ufficiali militari britannici come un modo per deridere il triste stato dei coloni e del loro esercito. I coloni hanno abbracciato questa presa in giro e ha fornito loro un senso di cameratismo e patriottismo. Con sorpresa di molti ufficiali britannici e uomini arruolati, gli uomini di Washington hanno trasformato le implicazioni dispregiative di questa canzone e l’hanno usata come una canzone di sfida e orgoglio. Così, “Yankee Doodle” è diventato una canzone non solo coloniale, ma acclamazione nazionale.
Nell’esercito britannico, una canzone militare popolare che i soldati ascoltarono durante la Rivoluzione americana era “I granatieri britannici.”Una canzone di marcia tradizionale che è stata impostata su una melodia risalente al diciassettesimo secolo, si riferisce a un tipo specifico di soldato britannico noto come granatiere. Questo tipo di soldato è stato utilizzato dall’esercito britannico a partire dalla metà-alla fine del XVII secolo con uno dei loro unici compiti di lanciare granate al nemico. L’esercito britannico ha sempre scelto i più grandi uomini più abili per essere Granatieri. Con l’evolversi del tempo e dei progressi militari, l’uso delle granate divenne inutile. Tuttavia, l’esercito britannico scelse ancora i soldati come granatieri. E ‘ stato un onore per i soldati essere scelti per sostenere questa posizione stimata. La canzone era un modo per l’esercito britannico per onorare e incapsulare il vero patriottismo di tutte le truppe britanniche.
Il periodo della guerra rivoluzionaria fu un’epoca definita da immensi cambiamenti. Un afflusso di immigrazione, una popolazione in rapida crescita, uno spostamento del prodotto interno lordo e divisioni filosofiche e ideologiche con le leggi e la politica dell’Inghilterra all’interno delle colonie sono solo alcuni dei molti cambiamenti testimoniati da coloro che hanno vissuto questo periodo turbolento. La musica durante l’era della guerra rivoluzionaria non fece eccezione quando si trattava di cambiare. L’era barocca era finita e ha lasciato il posto all’era classica. Canzoni e musica sulla vita quotidiana dei coloni hanno dato modo di riflettere le loro crescenti frustrazioni e l’umore verso l’Inghilterra, l’indipendenza e la guerra. Con quel cambiamento è venuto nuovi paesaggi sonori musicali come coloni entrarono nell’esercito e gli eserciti britannici occuparono e si muovevano attraverso vaste sezioni delle colonie stesse. La musica militare e i musicisti entrarono così nella scena musicale coloniale. La confluenza di tutto questo cambiamento sociale e culturale ha generato un nuovo, ricco, e vario paesaggio musicale che ha continuato a solidificare come la guerra ha dato vita ad una nuova nazione, e con essa, pezzi di musica che rimangono popolari fino ad oggi.
Ulteriori letture
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Storia della Musica Moderna Da: J. Peter Burkholder, Donald J. Grout, e Claude V. Palisca
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la Musica dell’Epoca della Guerra Civile Da: Steven H. Cornelio
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America Vita Musicale Da: Richard Crawford