人口は約150万人で、1750年代後半までに13植民地が急速に拡大し、産業革命が進行中であり、アイルランド、スコットランド、イタリア、イギリスからの移民の流入により、製造業の雇用の増加を埋めるために多くの労働者が提供された。 植民地のより多くの地域が彼らの農業のルーツから離れて移動するにつれて、大英帝国からの製造品への依存は衰退した。 同時に、植民地での国内生産の変化があり、イデオロギー的なものもあり、専制的な祖国からの独立を望んでいた。 イングランドが1765年の印紙法、1767年のタウンゼント法、1773年のティー法などの税金を課したので、植民地人の怒りも大きかった。 この背景には、多くの国や伝統からの影響で構成された豊かで多様な音楽風景がありました。 そして、個々の植民地が単一の国に向かって移動するにつれて、あまりにもユニークなアメリカのサウンドスケープをしました。
植民地におけるこの巨大な変化の時代は、音楽の世界でも見られました。 西洋美術音楽では、約1600年から1750年まで続くバロック時代が終わりに近づいた。 ヨハン-ゼバスティアン-バッハ、アントニオ-ヴィヴァルディ、ジョージ-フリデリク-ヘンデルなどの有名な作曲家で知られ、これらの作曲家はメロディックなライン、精巧な装飾、室内楽アンサンブルのための多数の作品の巧みなクリエイターであった。 これらのうち、バロック作曲における彼の時代の先駆者であったのはバッハでした。 彼のソロ組曲やオルガン作品で知られ、バッハのレパートリーは神聖と世俗の両方に広がった。 バッハの最も有名な作品の一つは、オルガンのために書かれたトッカータとフーガニ短調、BWV565、です。 高い口径のパフォーマーを必要とする、作品のオープニングのメロディックなラインは、世代のためにリスナーの耳に立ち往生しています。 トッカータはオルガンの広い範囲を探求し、演奏者は偉大な精度と音楽性で楽器の遠オクターブを探索する必要があります。 フーガのセクションは4つの声で構成されており、完全に16分音符で書かれています。 四つのパートの絶え間ない動きと導入されたソロペダルラインは、この作品のオープニング部分とは全く対照的です。 彼のトッカータとニ短調フーガを含むバッハの作品は、時間の試練に立っており、まだこの音楽の期間の最も重要な組成物のいくつかと考えられてい 間違いなく彼の作品は、即時のリードアップと戦争自体の間に植民地とヨーロッパの両方で演奏され、聞かれていたでしょう。
しかし、バッハの音楽は、構成的な音色と技術の古い時代を意味していました。 コンサートホールが世界中で普及するにつれて、この新しい設定で演奏できる音楽の種類に自然な変化がありました。 ほとんどのバロック音楽はもともと神聖な目的だけでなく、小さな社会的な集まりのために構成されていたように、ミュージシャンや作曲家の新しい時代は、今、時間の音楽が深刻な芸術形式になるのを助けていた社会的な聴衆に到達するために必要でした。 さらに、これらの作品を演奏したアンサンブルの構成は変化していました。 クラリネット、ファゴット、トロンボーンのような追加の金管楽器（サックバット）など、より多くの楽器がスコアに追加されていました。 古典的な時代が生まれ、それとともに、ネイティブのミュージシャンや作曲家を育成し、促進することに国の誇りと庶民によるより多くのアクセ
古典期の多くの作曲家の中には、ヴォルフガング-アマデウス-モーツァルト、ルートヴィヒ-ヴァン-ベートーヴェン、ヨーゼフ-ハイドンなどがいる。 これらの男性は、無数の他の作曲家やミュージシャンと一緒に、交響曲の新しいジャンルの道を開いた音楽の天才でした。 交響曲は、西洋の芸術音楽に固有の拡張された音楽作品であり、通常は大規模なオーケストラのために書かれています。 この時期のオーケストラは、弦楽器セクション、木管セクション、金管セクション、打楽器セクションで構成されていました。 合計で、オーケストラは約30人から100人以上の音楽家の範囲である可能性があります。 これは、バロック時代に非常に人気があった典型的な室内楽の設定から大幅な変更でした。 すべての交響曲は、スタイルとテンポが大きく異なる複数の動き、通常は四つで構成されています。 最も一般的には、第一楽章はソナタまたはアレグロ形式、遅いテンポの第二楽章、ダンスのスタイル（メヌエットまたはスケルツォ）の第三楽章、そして最後に第四楽章ロンドまたはアレグロで構成されています。 しかし、作曲家が創造性を表現することを可能にする上記の形式には多くのバリエーションがあったことに留意すべきである。
この時期の多くの著名人の中で、ヴォルフガング-アマデウス-モーツァルトの短い人生と信じられないほどの音楽的貢献を強調する必要があります。 ザルツブルクに住む子供の神童として、モーツァルトはピアノとヴァイオリンに優れ、非常に若い年齢でヨーロッパの王族のために演奏しました。 ウィーンへの旅行の後、モーツァルトはそこに滞在し、その音楽文化に身を浸すことを選んだ。 それは彼が交響曲、協奏曲、オペラを作曲し始めたことをここにいた。 彼の最も有名な交響曲の一つは、第40番、ト短調、K.550です。 この作品は1788年半ばに完成し、四つの異なる動きで構成されていました。 これらの楽章には、アレグロ、アンダンテ、メヌエット（トリオ）、フィナーレが含まれています。
植民地では、植民者たちは、大規模で壮大なコンサートホールで交響楽団によって演奏される全く新しいリスニング体験にさらされました。 ニューヨーク、ボストン、フィラデルフィアは、市民のための繁栄の音楽体験を提供した北部の植民地の中でほんの数大都市でした。 ラネラーグ・ガーデンズは1766年にニューヨーク市で開かれ、ロンドンのプレジャー・ガーデンズにちなんでデザインされた。 ラネラーグ庭園は、毎日の音楽公演やダンスの集まりを提供していました。 さらに、楽器は現在、庶民によって購入するために、より容易に入手可能でした。 大都市に住んでいた入植者は、地元の音楽店で楽器と必要なすべての付属品を購入することができました。 現代のオーボエの前身であるフレンチホルンやオートボーイなどの新しい楽器を宣伝するために広告が印刷され、配布されました。 彼らが望むならば、チャールズ-ラブのような音楽教師は、”紳士にバイオリン、オートボーイ、ドイツ語と共通のフルート、ファゴット、フレンチホルン、テノール、バスヴィオールを教える”と彼の音楽教育サービスを宣伝した。”
西洋美術音楽の古典的な時代は、より多くの社会階級のより多くの観客にヨーロッパとイギリス全体に拡大したが、これらの人気のある音楽の伝統へのア 北部の植民地では大規模なコンサートホールがわずかに成長したにもかかわらず、彼らは19世紀の初めまでアメリカの音楽文化の一部にはならず、音楽は歴史の中でこの時点で記録することができなかったので、ライブパフォーマンスとコンサートはこのジャンルの音楽に没頭する唯一の本当の方法でした。 したがって、植民地の音楽は、バロック時代と古典時代の偉大な作曲家とは、作曲用紙上ではるかに異なって見えました。 多くの人にとって、それはこの期間中に庶民によって最も聞かれたより個人的な意味を持つ居酒屋や集まりで一人または数人のミュージシャンに
入植者たちは、しばしば日常生活に語りかける音楽を書いたり演奏したりしました。 チェンバロ、バイオリン、フルートなど、この時代の一般的な家庭用楽器を利用して、小さな集まりは友人や家族の間で音楽を共有することができました。 音楽は、植民地人が文化的伝統や習慣を生き続け、新しい世界で繁栄させるための方法でもありました。 多くの音楽の伝統は文化的な休日を通して生きていました。 例えば、植民地のオランダ人入植者は、キリスト教の饗宴の日、ピンクスター、または英語がそれをウィットサンデーと呼んだように祝うために続けました。 ピンクスターはまた、春の到来を表す日として見られました。 伝統は、オランダの子供たちが春を”目覚めさせる”ために町の周りを行進することで構成されていました。 町の住民は、新しい季節の受け入れを意味するために窓とドアを開くでしょう。 家庭が窓やドアを開けなかった場合、彼らは怠け者に変換する歌”Luilak”を歌うだろう。
植民地と王冠の間で不満が高まるにつれて、しばしばこれらの小さなコンサートには聴衆の不満を語った音楽が含まれていた。 議会での表現の欠如と英語の指導者を嘲笑することについての歌が人気を博しました。 このタイプの植民地時代の音楽の例は、”A Taxing We Will Go”という曲で見つけることができます。「1765年の印紙法の賦課は、彼らが表現なしで課税を受けていると感じたので、植民者を憤慨させた。”歌詞は、特に手元のトピックに焦点を当て、”議会の最高権力は私たちの目的がasistをし、海外の課税法が送られ、反政府勢力が抵抗した……”と指摘した。”
戦争が植民地全体に定着するにつれて、兵士や民間人の日常生活における音楽の役割は増加しただけでした。 音楽は、大陸軍とイギリス軍の将校と兵士の両方によっていくつかの方法で聞かれました。 音楽は、行進中、キャンプ中、または戦場での呼び出しとコマンドを提供する方法でした。 ミュージシャンは、戦闘の大きな音を簡単に演奏することができ、軍隊にケイデンスの行進や戦術的な信号を提供しました。 ドラマーは、軍のバンドやユニット内で開催することができる最も重要な音楽の位置の一つでした。 入隊後、ドラマーはキャンプ中、行進中、そして戦闘中に毎日利用するために、数多くの基礎やビートを学び、暗記する必要がありました。 アメリカ革命から最もよく知られている基礎の一つは、”Reveilleです。”それは、兵士たちに”立ち上がり、髪を梳き、手と顔をきれいにし、その日の任務の準備ができている”だけでなく、警備員による挑戦の停止を警告するために、夜明けに毎日演奏されることになっていた。 これらの基礎を鳴らしたドラムは、木製のフレームと、フレームの上に引き伸ばされたカーフスキンまたはシープスキンで作られた上下の”頭”で作られました。 張力を作成し、調整と助けるためには、ロープは木フレームにあけられる穴を通してひもで締められた。 さらに、カタガットまたは生皮の四から六のストランドは、スネアを作成するために、ドラムヘッドの底部中央に延伸されました。 しかし、ドラムは両方の軍隊の音楽的景観上の唯一の重要な音ではありませんでした。
ファイフはアメリカ革命の際にも重要な道具であった。 その大きな突出能力で、軍隊は行進や戦いの不協和音の軍隊の音の上にこの楽器を聞くことができました。 この楽器を顕著に特色にした時代の人気曲は”Yankee Doodle”でした。”今日でも広く知られている、それはアメリカ革命の間にアメリカの音楽意識にその親しみを得ました。 もともと、この曲は、植民地とその軍隊の悲しい状態を模擬する方法として、英国の軍人によって歌われました。 入植者はこの嘲笑を受け入れ、それは友情と愛国心の感覚を彼らに提供しました。 多くのイギリスの将校や入隊した男性の驚きに、ワシントンの男性はこの歌の軽蔑的な意味を変え、反抗と誇りの歌としてそれを使用しました。 このように、”Yankee Doodle”は植民地時代だけでなく、全国的な称賛の歌になりました。
イギリス軍では、アメリカ革命中に兵士が聞いた人気のある軍歌は”The British Grenadiers.”十七世紀にさかのぼる曲に設定された伝統的な行進の歌は、それは擲弾兵として知られている英国の兵士の特定のタイプを指します。 兵士のこのタイプは、敵に手榴弾を投げるために彼らの唯一のタスクの一つで十七世紀半ばから後半に始まる英国軍によって利用されました。 イギリス軍は常に最大の最も有能なボディの男性を擲弾兵に選んだ。 時間と軍事の進歩が進化するにつれて、手榴弾の使用は不要になりました。 しかし、イギリス軍は依然として兵士を擲弾兵に選んだ。 この尊敬される地位を維持するために兵士が選ばれたことは名誉でした。 この歌は、イギリス軍がすべてのイギリス軍の真の愛国心を尊重し、カプセル化するための方法でした。
独立戦争の時代は、大きな変化によって定義された時代でした。 移民の流入、急速に成長している人口、国内総生産のシフト、植民地内のイングランドの法律や政治と哲学的、イデオロギー的な分裂は、この激動の時代を生きていた人々によって目撃された多くの変化の一部に過ぎません。 それが変化するようになったときに革命戦争時代の音楽も例外ではありませんでした。 バロック時代は終わり、古典時代に道を譲った。 入植者の日常生活についての歌や音楽は、イングランド、独立、戦争に対する不満や気分を反映する方法を与えました。 その変化に伴い、植民地人が軍隊に入り、イギリス軍が植民地の広大な部分を占領して移動するにつれて、新しい音楽のサウンドスケープが来ました。 軍事音楽とミュージシャンは、このように植民地の音楽シーンに入りました。 このすべての社会的、文化的変化の合流は、戦争が新しい国家を出産したとして固化し続け、新しい、豊かで多様な音楽の風景を生み出し、それと、今日まで人気のある音楽の作品を生み出しました。
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