거의 150 만 명의 인구가 성장하면서 1750 년대 후반까지 13 개 식민지가 급속히 확장되었습니다.산업 혁명이 진행 중이었고 아일랜드,스코틀랜드,이탈리아,영국에서 온 이민자들이 늘어나는 제조업 일자리를 채우기 위해 많은 노동자를 제공했습니다. 식민지의 더 많은 지역이 그들의 농업 뿌리에서 멀어짐에 따라 대영 제국의 제조품에 대한 의존도는 약 해졌다. 동시에,식민지에서 국내 생산의 변화가 있었고,이데올로기 적 하나,폭군 조국으로부터의 독립에 대한 열망도있었습니다. 영국은 1765 년의 우표 법,1767 년의 타운센드 법,1773 년의 차 법과 같은 세금을 부과했기 때문에 식민지 주민들의 분노도 마찬가지였습니다. 이 배경에는 수많은 국가와 전통의 영향으로 구성된 풍부하고 다양한 음악 풍경이 있습니다. 그리고 개별 식민지가 단일 국가로 이동함에 따라 미국 고유의 사운드 스케이프도 마찬가지였습니다.
이 식민지의 엄청난 변화 기간은 음악 세계에서도 볼 수있었습니다. 에 서양 미술 음악,바로크 시대,약 1600-1750 년까지 지속되어 끝이 가까워졌습니다. 요한 세바스찬 바흐,안토니오 비발디,조지 프리데릭 헨델과 같은 유명한 작곡가로 유명한이 작곡가들은 멜로디 라인의 훌륭한 제작자,정교한 장식 및 챔버 앙상블을위한 수많은 조각이었습니다. 이 중 바흐는 바로크 작곡에서 그의 시간의 선구자였습니다. 그의 솔로 스위트 룸과 오르간 작품으로 유명한 바흐의 레퍼토리는 신성한 것과 세속적 인 것에 걸쳐있었습니다. 바흐의 가장 유명한 작품 중 하나는 오르간을 위해 쓰여진 토카타와 푸가입니다. 높은 구경 연기자를 필요로,조각의 오프닝 멜로디 라인은 세대에 대한 청취자의 귀에 붙어있다. 토카타는 뛰어난 정밀도와 음악성과 악기의 먼 옥타브를 탐구하는 연주자를 필요로 기관의 넓은 범위를 탐구한다. 푸가 섹션은 네 개의 목소리로 구성되어 있으며,열 여섯 번째 노트에 완전히 기록됩니다. 네 부분의 지속적인 움직임과 도입 된 솔로 페달 라인은이 작품의 오프닝 부분에 뚜렷한 대조를 제공합니다. 그의 토카타와 푸가를 포함한 바흐의 작품은 시간의 시험을 견뎌왔으며 여전히이 음악 시대의 가장 필수적인 구성으로 간주됩니다. 의심 할 여지없이 그의 작품은 여전히 연주와 즉각적인 리드 업 전쟁 자체 동안 식민지와 유럽에서 모두 들었 것입니다.
그러나 바흐의 음악은 작곡 음색과 기법의 오래된 시대를 의미했다. 콘서트 홀이 전 세계적으로 인기를 얻음에 따라이 새로운 환경에서 수행 할 수있는 음악 유형의 자연스러운 변화가있었습니다. 대부분의 바로크 음악은 원래 신성한 목적뿐만 아니라 작은 사교 모임을 위해 구성되었다으로,음악가와 작곡가의 새로운 시대는 이제 시대의 음악이 심각한 예술 형태가 될 수 있도록했다 사회 관객에 도달하는 데 필요한. 또한,이 작품을 수행 한 앙상블의 구성이 바뀌고있었습니다. 클라리넷,바순 및 트롬본과 같은 추가 금관 악기와 같은 더 많은 악기가 점수에 추가되고있었습니다. 고전 기간이 태어 났으며,그것으로,육성 및 평민에 의해 기본 음악가와 작곡가 및 더 많은 접근성을 홍보하는 국가의 자부심했다.
고전 시대의 많은 작곡가 중 일부는 볼프강 아마데우스 모차르트,루트비히 판 베토벤,요제프 하이든. 이 사람들은 수많은 다른 작곡가 및 음악가와 함께 새로운 장르의 교향곡 작곡의 길을 열어 놓은 음악 천재였습니다. 교향곡,서양 미술 음악 고유의 확장 된 음악 작품은 일반적으로 대형 오케스트라를 위해 작성됩니다. 이 기간의 오케스트라는 현악기 섹션,목관 악기 섹션,황동 섹션 및 타악기 섹션으로 구성되었습니다. 전체적으로 오케스트라는 약 30 명에서 100 명 이상의 뮤지션까지 다양합니다. 이 바로크 기간 동안 그렇게 인기가 전형적인 실내악 설정에서 급격한 변화였다. 모든 교향곡은 스타일과 템포가 크게 다른 여러 움직임(일반적으로 4 개)으로 구성됩니다. 가장 일반적으로 첫 번째 악장은 소나타 또는 알레그로 형태,느린 템포의 두 번째 악장,댄스 스타일의 세 번째 악장(미뉴에트 또는 스케르초),마지막으로 네 번째 악장 론도 또는 알레그로. 그것은 주목해야한다,그러나,작곡가가 자신의 창의력을 표현 할 수 위에서 언급 한 형태에 많은 변화가 있었다.
이 시대의 많은 명사들 중에서 볼프강 아마데우스 모차르트의 짧은 삶과 놀라운 음악적 공헌을 강조해야합니다. 잘츠부르크에 살고있는 어린 신동으로,모차르트는 피아노와 바이올린에 뛰어 아주 어린 나이에 유럽 로열티에 대한 수행. 비엔나 여행 후,모차르트는 거기에 머물면서 음악 문화에 몰두하기로 결정했습니다. 그는 교향곡,협주곡 및 오페라를 작곡하기 시작했습니다. 그의 가장 유명한 교향곡 중 하나는 40 번,마이너,케이 550 번입니다. 이 작품은 1788 년 중반에 완성되었으며 4 개의 뚜렷한 움직임으로 구성되었습니다. 이 운동에는 알레그로,안단테,메뉴 에토(트리오)및 피날레가 포함됩니다.
식민지에서 식민지 주민들은 크고 웅장한 콘서트 홀에서 교향악단이 연주 한 완전히 새로운 청취 경험에 노출되었습니다. 뉴욕,보스턴,필라델피아는 시민들에게 번성하는 음악 경험을 제공 한 북부 식민지 중 몇 개의 대도시에 불과했습니다. 라넬라그 가든은 1766 년 뉴욕시에서 문을 열었으며 런던의 플레저 가든을 따라 장식되었습니다. 라넬라그 가든은 매일 음악 공연과 댄스 모임을 제공했습니다. 게다가,계기는 지금 평민에의해 구입을 위해 준비되어 있 유효했다. 대도시에 거주 한 식민지 주민들은 현지 뮤직 스토어에서 악기와 필요한 모든 액세서리를 구입할 수 있습니다. 광고는 인쇄 및 프렌치 호른과 오보에현대의 전신이었다 오보와 같은 새로운 악기를 홍보하기 위해 배포되었다. 그들이 그렇게 원한다면 찰스 러브와 같은 음악 교사는 그의 음악 교육 서비스를”신사에게 바이올린,오트 보이,독일 및 일반 플루트,바순,프렌치 호른,테너 및베이스 비올을 가르칩니다.”
서양 미술 음악의 고전 시대는 유럽과 영국 전역에서 더 많은 사회 계층의 더 많은 청중에게 확대되었지만,이러한 대중 음악 전통에 대한 접근성은 미국 식민지에 사는 사람들에게는 훨씬 적었습니다. 북부 식민지의 대형 콘서트 홀의 작은 성장에도 불구하고,그들은 19 세기가 시작될 때까지 미국 음악 문화의 일부가되지 않았다;그리고,음악이 역사에서이 시간에 기록 할 수 없기 때문에,라이브 공연과 콘서트는 음악의이 장르에 몰입 할 수있는 유일한 방법이었다. 따라서 식민지의 음악은 바로크 시대와 고전 시대의 위대한 작곡가보다 작곡 용지에서 훨씬 달라 보였습니다. 많은 사람들에게,이 기간 동안 평민이 가장 많이 들었던 더 개인적인 의미를 가진 선술집이나 모임에서 한 명 또는 몇 명의 음악가가 연주 한 노래였습니다.
식민지 사람들은 종종 일상 생활에 말하는 음악을 쓰고 연주했습니다. 하프시 코드,바이올린 및 플루트와 같은이시기의 일반적인 가정용 악기를 활용하여 소규모 모임을 통해 친구와 가족간에 음악을 공유 할 수있었습니다. 음악은 또한 식민지 사람들이 그들의 문화적 전통과 관습을 살아 있고 신세계에서 번성하게 유지하는 방법이었습니다. 많은 음악 전통은 문화적 휴일을 통해 살았습니다. 예를 들어,식민지의 네덜란드 정착민들은 기독교 축제의 날,핑크스터,또는 영국인들이 휘트선데이라고 부르는 것을 계속 축하했다. 핑스터는 또한 봄이 오는 날을 나타내는 날로 여겨졌다. 전통은 봄을”깨우기”위해 마을 주변을 행진하는 네덜란드 어린이들로 구성되었습니다. 마을 사람들은 새로운 시즌의 수용을 의미하는 자신의 창문과 문을 열 것입니다. 한 가정이 창문과 문을 열지 않으면 그들은 게으른 뼈로 번역되는”루이락”노래를 부를 것입니다.
식민지와 왕관 사이에 좌절감이 커짐에 따라 종종 이러한 작은 콘서트에는 청중의 불만을 알리는 음악이 포함되었습니다. 의회의 대표성 부족과 영국 지도자를 조롱하는 것에 대한 노래가 인기를 얻었습니다. 이 유형의 식민지 음악의 예는 노래”우리가 갈 과세”에서 찾을 수 있습니다.”1765 년 우표 법의 부과는 식민지 주민들을 대표하지 않고 세금을 받고 있다고 생각하면서 분노했습니다.””가사는 특히 주목,손에 주제에 초점을 맞추고”의회의 최고 권력은 우리의 목적은 아시스트 않았다,해외 과세 법률이 보내졌다,반군은 저항 않는….”
전쟁이 식민지 전체에 정착함에 따라 군인과 민간인의 일상 생활에서 음악의 역할은 증가 할뿐입니다. 음악은 대륙 및 영국 군대의 장교와 남성 모두에 의해 여러 가지 방법으로 들렸다. 음악은 행진,캠프 또는 전장에서 전화와 명령을 제공하는 방법이었습니다. 음악가는 쉽게 케이던스 행진,심지어 전술 신호와 군대를 제공하는 전투의 큰 소리를 통해 재생할 수 있습니다. 드러머는 군사 밴드 또는 단위 내에서 개최 될 수있는 가장 중요한 음악 위치 중 하나였다. 입대 후 드러머는 캠프에서 매일,행진하는 동안,그리고 전투에서 활용하기 위해 수많은 기초 나 비트를 배우고 암기해야했습니다. 미국 혁명에서 가장 잘 알려진 기초 중 하나는”르베유.”매일 새벽에 군인들에게”일어나 머리를 빗고 손과 얼굴을 깨끗이 하고 그날의 임무를 위해 준비하라”고 경고하고 경비대의 도전을 중단해야 했다. 이 기초를 들린 드럼은 나무 프레임과 송아지 가죽 또는 양가죽으로 만든 상단 및 하단”머리”로 만들어졌으며 프레임 위로 늘어났습니다. 긴장을 만들고 튜닝을 돕기 위해 로프는 나무 프레임에 뚫린 구멍을 통해 엮여있었습니다. 또한 드럼 헤드의 하단 중앙을 가로 질러 4~6 가닥의 캣 거트 또는 생가죽을 늘려 올무를 만들었습니다. 그러나 드럼 만이 두 군대 내의 음악 풍경에서 중요한 소리는 아니 었습니다.
이 파이프는 또한 미국 혁명 당시 중요한 도구였다. 그 큰 투사 능력으로,군대는 행진 또는 전투의 불협화음에 군대의 소리에이 악기를들을 수 있었다. 이 악기를 눈에 띄게 선보인 시대의 인기있는 노래는”양키 두들.”아직도 널리 알려진 오늘날,그것은 미국 혁명 동안 미국 음악 의식에 친숙 함을 얻었습니다. 원래,이 곡은 식민지와 그들의 군대의 슬픈 상태를 조롱하는 방법으로 영국 군 장교에 의해 노래되었습니다. 식민지는이 조롱을 받아 들였다 그리고 그것은 우정과 애국심의 감각을 그들에게 제공. 많은 영국 장교와 입대 한 사람들의 놀람에,워싱턴의 사람들은 주위에이 노래의 경멸적인 의미를 설정하고 도전과 자부심의 노래로 사용. 따라서”양키 두들”은 식민지뿐만 아니라 국가의 찬사를 불러 일으켰습니다.
영국군에서 미국 혁명 당시 군인들이 들었던 인기있는 군사 노래는”영국 척탄병.”17 세기로 거슬러 올라가는 곡으로 설정된 전통적인 행진 노래,그것은 척탄병으로 알려진 영국 군인의 특정 유형을 말합니다. 군인의이 유형은 적에게 수류탄을 던져 자신의 유일한 작업 중 하나와 17 세기 중반에서 후반에 시작 영국 육군에 의해 이용되었다. 영국 육군은 항상 척탄병이 될 수있는 가장 큰 신체 남성을 선택했습니다. 시간과 군사 발전 진화,수류탄의 사용은 불필요 한 되었다. 그러나 영국 군대는 여전히 군인을 척탄병으로 선택했습니다. 이 존경 받는 위치를 유지 하기 위해 선택 될 군인에 대 한 영광 이었다. 이 노래는 영국 군대가 모든 영국 군대의 진정한 애국심을 존중하고 캡슐화하는 방법이었습니다.
독립 전쟁 기간은 엄청난 변화에 의해 정의 된 시대였다. 이민의 유입,빠르게 성장하는 인구,국내 총생산의 변화,식민지 내에서 영국의 법률과 정치와 철학적,이데올로기 적 분열은이 격동의 시간을 통해 살았던 사람들이 목격 한 많은 변화 중 일부에 불과합니다. 이 변경 왔을 때 혁명 전쟁 시대의 음악도 예외는 아니었다. 바로크 시대는 끝났고 고전 시대로 넘어갔습니다. 식민지 주민의 일상 생활에 관한 노래와 음악은 영국,독립 및 전쟁에 대한 좌절감과 분위기를 반영했습니다. 식민지가 군대를 입력하고 영국 군대가 점령 식민지 자체의 광대 한 부분을 통해 이동으로 그 변화와 함께 새로운 음악 사운드 스케이프를했다. 따라서 군사 음악과 음악가는 식민지 음악 현장에 들어갔다. 이 모든 사회적,문화적 변화의 합류는 전쟁이 새로운 국가를 낳은으로 공고히 계속 새로운 풍부하고 다양한 음악 풍경을 양산,그것으로,오늘까지 인기를 유지 음악의 조각.
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