met een bevolking van bijna 1,5 miljoen en groeiende, breidden de dertien kolonies zich snel uit tegen het einde van de jaren 1750. de Industriële Revolutie was aan de gang en een toestroom van immigranten uit Ierland, Schotland, Italië en Engeland zorgde voor een overvloed aan werknemers om de groeiende aantallen banen in de industrie te vullen. Naarmate meer gebieden van de koloniën zich van hun agrarische wortels verwijderden, nam hun afhankelijkheid van vervaardigde goederen uit het Britse Rijk af. Tegelijkertijd was er een verschuiving in de binnenlandse productie in de koloniën, was er ook een ideologische, een verlangen naar onafhankelijkheid van het tirannieke moederland. Zoals Engeland belastingen legde zoals de Stamp Act van 1765, de Townshend Act van 1767 en de Tea Act van 1773, zo ook de woede van de kolonisten. Tegen deze achtergrond was een rijk en divers muzikaal landschap samengesteld uit invloeden uit tal van landen en tradities. En, als de individuele kolonies bewogen naar een enkelvoudig land, zo ook een uniek Amerikaans soundscape.
deze periode van immense verandering in de koloniën werd ook gezien in de wereld van de muziek. In de westerse kunstmuziek naderde de barokperiode, die van ongeveer 1600-1750 duurde, zijn einde. Bekend van beroemde componisten als Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi en George Frideric Händel, waren deze componisten meesterlijke makers van melodische lijnen, uitgebreide decoratie daarvan, en talrijke stukken voor kamerensembles. Bach was de voorloper van zijn tijd in barokcompositie. Bachs repertoire, bekend om zijn solosuites en orgelwerken, overspande zowel het heilige als het wereldlijke. Een van Bachs bekendste werken is de Toccata en Fuga in D mineur, BWV 565, geschreven voor orgel. De openingsmelodische lijnen van het stuk zijn generaties lang in de oren van de luisteraar blijven hangen. De toccata verkent het brede scala van het orgel, waarbij de uitvoerder de verre octaven van het instrument met grote precisie en vakmanschap moet verkennen. De fuga-sectie bestaat uit vier stemmen en is geheel in zestiende noten geschreven. De constante beweging van alle vier de delen en de solo pedaal lijn die wordt geïntroduceerd biedt een schril contrast met het openingsgedeelte van dit werk. Bachs werken, waaronder zijn Toccata en Fuga in D mineur, hebben de tand des tijds doorstaan en worden nog steeds beschouwd als een van de meest essentiële composities van deze muzikale periode. Ongetwijfeld zou zijn werk nog steeds gespeeld en gehoord zijn, zowel in de koloniën als in Europa tijdens de directe aanloop en oorlog zelf.
maar de muziek van Bach betekende een ouder tijdperk van compositorische timbres en technieken. Toen concertzalen wereldwijd populairder werden, was er een natuurlijke verschuiving in het soort muziek dat in deze nieuwe setting uitgevoerd kon worden. Aangezien de meeste barokmuziek oorspronkelijk werd gecomponeerd voor heilige doeleinden en kleine sociale bijeenkomsten, moest een nieuw tijdperk van muzikanten en componisten nu het sociale publiek bereiken dat de muziek van die periode hielp een serieuze kunstvorm te worden. Bovendien veranderde de samenstelling van de ensembles die deze werken uitvoerden. Er werden meer instrumenten aan de partituren toegevoegd, zoals klarinetten, fagotten en andere blaasinstrumenten zoals de trombone (sackbut). De klassieke periode werd geboren, en daarmee, nationale trots in het bevorderen en bevorderen van inheemse muzikanten en componisten en meer toegankelijkheid door de gewone burger. Enkele van de vele componisten tijdens de klassieke periode waren Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig Van Beethoven en Joseph Haydn. Deze mannen, samen met talloze andere componisten en muzikanten, waren muzikale genieën die de weg baanden in het nieuwe genre van symfonische compositie. Symfonieën, uitgebreide muzikale werken afkomstig uit de westerse kunst muziek, zijn meestal geschreven voor een groot orkest. Orkesten uit deze periode bestonden uit een strijkersectie, een houtblazers-sectie, een koperblazers-sectie en een percussie-sectie. In totaal kan een orkest variëren van ongeveer 30 tot meer dan 100 muzikanten. Dit was een drastische verandering ten opzichte van de typische kamermuziek die zo populair was in de Barok. Alle symfonieën bestaan uit meerdere delen, meestal vier, die sterk variëren in stijl en tempo. Meestal is het eerste deel gecomponeerd in Sonate of allegro vorm, het tweede deel in een langzamer tempo, het derde deel in de stijl van de dans (Menuet of scherzo), en ten slotte het vierde deel een rondo of een allegro. Opgemerkt moet echter worden dat er vele variaties op de bovengenoemde vormen waren die componisten in staat stelden hun creativiteit uit te drukken.
van de vele notabelen uit die periode moet het korte leven en de ongelooflijke muzikale bijdragen van Wolfgang Amadeus Mozart worden benadrukt. Als jong wonderkind in Salzburg blonk Mozart uit op piano en viool en trad al op zeer jonge leeftijd op voor het Europese koningshuis. Na een reis naar Wenen koos Mozart ervoor om daar te blijven en zich onder te dompelen in zijn muzikale cultuur. Hier begon hij symfonieën, concerten en opera ‘ s te componeren. Een van zijn bekendste symfonieën is no.40, g mineur, K. 550. Dit werk werd halverwege 1788 voltooid en bestond uit vier afzonderlijke delen. Deze delen omvatten het Allegro, Andante, Menuetto (trio) en Finale. In de koloniën werden kolonisten blootgesteld aan een compleet nieuwe luisterervaring, uitgevoerd door symfonische orkesten in grote, grandioze concertzalen. New York, Boston en Philadelphia waren slechts een paar grote steden onder de noordelijke kolonies die een bloeiende muzikale ervaring voor de burgers bood. Ranelagh Gardens werd geopend in 1766 in New York City en had een patroon naar Londense pleasure gardens. De Ranelagh Gardens boden dagelijks muzikale optredens en dansbijeenkomsten. Bovendien waren instrumenten nu gemakkelijker beschikbaar voor de gewone burger. Kolonisten die in grotere steden woonden konden een instrument en alle benodigde accessoires kopen in hun lokale muziekwinkel. Advertenties werden gedrukt en gedistribueerd om nieuwe muziekinstrumenten te promoten, zoals de hoorn en de hautboy, de voorloper van de moderne hobo. Als ze dat wilden, adverteerden muzikale docenten zoals Charles Love zijn muzikale educatieve diensten als ” leert heren de viool, hautboy, Duitse en gewone fluit, fagot, hoorn, tenor en bas viol.”
hoewel het klassieke tijdperk van de westerse kunstmuziek zich in Europa en Engeland uitbreidde tot een groter publiek van meer sociale klassen, was de toegankelijkheid tot deze populaire muzikale tradities veel minder voor degenen die in de Amerikaanse koloniën woonden. Ondanks de kleine groei van grote concertzalen in de noordelijke koloniën, ze niet een deel van de Amerikaanse muziekcultuur tot het begin van de negentiende eeuw geworden; en, aangezien muziek was niet in staat om te worden opgenomen op dit moment in de geschiedenis, live optredens en concerten waren de enige echte manier om te worden ondergedompeld in dit genre van de muziek. Zo zag de muziek in de koloniën er op compositiepapier heel anders uit dan de grote componisten uit de barokke en klassieke tijdperken. Voor velen waren het liedjes die door een of een paar muzikanten werden uitgevoerd in tavernes of bijeenkomsten met meer persoonlijke betekenissen die het meest werden gehoord door de gewone man in deze periode.
kolonisten schreven en voerden vaak muziek uit die tot hun dagelijks leven sprak. Met behulp van gemeenschappelijke huishoudelijke instrumenten uit deze periode, zoals klavecimbels, violen en fluiten, kleine bijeenkomsten toegestaan voor het delen van muziek onder vrienden en familie. Muziek was ook een manier voor kolonisten om hun culturele tradities en gebruiken levend en bloeiend in de nieuwe wereld te houden. Vele muzikale tradities leefden voort door middel van cultuurvakanties. Nederlandse kolonisten in de koloniën, bijvoorbeeld, bleven de christelijke feestdag vieren, Pinkster, of zoals de Engelsen het Pinksterdag noemden. Pinkster werd ook gezien als een dag die de komst van de lente vertegenwoordigde. De traditie bestond erin dat Nederlandse kinderen door de stad paraderen om de lente “wakker te maken”. De stadsmensen zouden hun ramen en deuren openen om hun aanvaarding van het nieuwe seizoen aan te geven. Als een huishouden hun ramen en deuren niet opende, zouden ze het lied “Luilak” zingen, wat zich vertaalt naar luilakken.
naarmate de frustraties tussen de koloniën en de kroon toenamen, waren deze kleine concerten vaak voorzien van muziek die de grieven van het publiek aanspreekt. Liederen over het gebrek aan vertegenwoordiging in het Parlement en het bespotten van Engelse leiders werden populair. Een voorbeeld van dit soort koloniale muziek is te vinden in het nummer “A Taxing We Will Go.”Het opleggen van de 1765 Stamp Act woedend de kolonisten als ze voelden dat ze werden ontvangen” belasting zonder vertegenwoordiging.”De teksten specifiek gericht op het onderwerp bij de hand, opmerkend” de macht opperste van het Parlement ons doel deed asist, en belasting wetten in het buitenland werden verzonden, die de rebellen verzetten….”
toen de oorlog zich over de koloniën vestigde, nam de rol van muziek in het dagelijks leven van soldaten en burgers alleen maar toe. Muziek werd op verschillende manieren gehoord door zowel officieren als mannen van het continentale en Britse leger. Muziek was een manier om oproepen en commando ‘ s te geven tijdens de Mars, in het kamp of op het slagveld. Muzikanten konden gemakkelijk spelen over de luide geluiden van de strijd bieden troepen met cadans marcheren en zelfs tactische signalering. Drummers waren een van de belangrijkste muzikale posities die konden worden gehouden binnen een militaire band of eenheid. Na de dienstplicht, drummers werden verplicht om te leren en te onthouden tal van rudimenten of beats te gebruiken gedurende elke dag in het kamp, tijdens de Mars, en in de strijd. Een van de meest bekende rudimenten uit de Amerikaanse Revolutie is “Reveille. Het moest elke dag worden gespeeld bij het aanbreken van de dag om de soldaten te waarschuwen om ‘op te staan en zijn haar te kammen en zijn handen en gezicht schoon te maken en klaar te zijn voor de taken van de dag’ evenals het stoppen met uitdagen door de wacht. De trommels die deze rudimenten klonken waren gemaakt van een houten frame en boven-en onderkant “hoofden” gemaakt van kalfsleer of schapenvacht die vervolgens over het frame werden uitgerekt. Om spanning te creëren en te helpen bij het afstemmen, werden touwen door gaten in het houten frame geboord. Daarnaast werden vier tot zes strengen catgut of rawhide over het onderste midden van de trommelkop gespannen om strikken te creëren. Drums waren echter niet het enige belangrijke geluid in het muzikale landschap binnen beide legers. Het fife was ook een belangrijk instrument tijdens de Amerikaanse Revolutie. Met zijn luide projectie mogelijkheden, waren de troepen in staat om dit instrument te horen over de geluiden van een leger op de mars of de kakofonie van de strijd. Een populair lied uit die tijd waarin dit instrument prominent aanwezig was, was “Yankee Doodle.”Nog steeds algemeen bekend vandaag, kreeg het zijn bekendheid in het Amerikaanse muzikale bewustzijn tijdens de Amerikaanse Revolutie. Oorspronkelijk werd dit lied gezongen door Britse militaire officieren als een manier om de trieste staat van de kolonisten en hun leger bespotten. De kolonisten omarmden deze spot en het gaf hen een gevoel van kameraadschap en patriottisme. Tot verbazing van veel Britse officieren en soldaten, Washington ‘ s men draaide de denigrerende implicaties van dit lied rond en gebruikte het als een lied van defiance en trots. Dus, “Yankee Doodle” steeg naar een lied van niet alleen koloniale, maar Nationale bijval. In the British army, een populair militair lied dat soldaten hoorden tijdens de Amerikaanse Revolutie, was “the British Grenadiers.”Een traditioneel marslied dat was ingesteld op een melodie dat dateert uit de zeventiende eeuw, het verwijst naar een specifiek type Britse soldaat bekend als een grenadier. Dit type soldaat werd gebruikt door het Britse leger te beginnen in het midden van de zeventiende eeuw met een van hun enige taken om granaten te gooien naar de vijand. Het Britse leger koos altijd de grootste mannen die het meest in staat waren om Grenadiers te zijn. Naarmate de tijd en de militaire vooruitgang evolueerden, werd het gebruik van granaten overbodig. Het Britse leger koos echter nog steeds soldaten als Grenadiers. Het was een eer voor soldaten om gekozen te worden om deze gewaardeerde positie te handhaven. Het lied was een manier voor het Britse leger om het ware patriottisme van alle Britse troepen te eren en te vatten. De Revolutionaire Oorlog was een tijdperk dat gekenmerkt werd door enorme veranderingen. Een instroom in immigratie, een snel groeiende bevolking, een verschuiving in bruto binnenlandse producten, en filosofische en ideologische verdeeldheid met de wetten en politiek van Engeland binnen de koloniën zijn slechts enkele van de vele veranderingen waar degenen die door deze turbulente tijd leefden getuige van zijn. Muziek tijdens de Revolutionaire Oorlog was geen uitzondering als het ging om verandering. De Barok was ten einde en maakte plaats voor de klassieke periode. Liederen en muziek over het dagelijks leven van de kolonist gaven plaats om hun groeiende frustraties en stemming over Engeland, onafhankelijkheid en oorlog weer te geven. Met die verandering kwam nieuwe muzikale soundscapes als kolonisten ingevoerd het leger en Britse legers bezet en verplaatst door grote delen van de kolonies zelf. Militaire muziek en muzikanten kwamen zo de koloniale muziekwereld binnen. De samenvloeiing van al deze sociale en culturele veranderingen leidde tot een nieuw, rijk en divers muzikaal landschap dat bleef stollen als de oorlog geboorte gaf aan een nieuwe natie, en daarmee muziekstukken die populair blijven tot op de dag van vandaag.
verder lezen
-
de geschiedenis van de moderne muziek door: J. Peter Burkholder, Donald J. Grout en Claude V. Palisca
-
muziek uit het tijdperk van de Burgeroorlog door: Steven H. Cornelius
-
America ‘ s Musical Life Door: Richard Crawford