z populacją prawie 1,5 miliona i rosnącą, Trzynaście kolonii szybko rozrosło się pod koniec 1750 roku. rewolucja przemysłowa była w toku, a napływ imigrantów z Irlandii, Szkocji, Włoch i Anglii dostarczył wielu pracowników, aby wypełnić rosnącą liczbę miejsc pracy w produkcji. W miarę jak coraz więcej obszarów Kolonii oddalało się od swoich agrarnych korzeni, ich zależność od wytwarzanych towarów z Imperium Brytyjskiego słabła. Jednocześnie nastąpiła zmiana w produkcji krajowej w koloniach, była też ideologia, pragnienie niezależności od tyranii ojczyzny. Tak jak Anglia nałożyła podatki, takie jak Stamp Act z 1765, Townshend Acts z 1767 i Tea Act z 1773, tak samo ire kolonistów. Na tym tle był bogaty i różnorodny krajobraz muzyczny złożony z wpływów wielu krajów i tradycji. W miarę jak poszczególne kolonie przesuwały się w kierunku pojedynczego kraju, tak samo jak wyjątkowy amerykański krajobraz dźwiękowy.
ten okres ogromnych zmian w koloniach był również widoczny w świecie muzyki. W zachodniej muzyce artystycznej dobiegł końca okres baroku, trwający od około 1600 do 1750 roku. Znani ze słynnych kompozytorów, takich jak Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi i George Frideric Handel, Kompozytorzy ci byli mistrzowskimi twórcami linii melodycznych, wyszukanej dekoracji i licznych utworów dla zespołów kameralnych. Spośród nich to Bach był prekursorem swoich czasów w kompozycji barokowej. Znany ze swoich Suit solowych i utworów organowych, repertuar Bacha obejmował zarówno sakralny, jak i świecki. Jednym z najbardziej znanych dzieł Bacha jest Toccata i fuga D-moll, BWV 565, napisana na organy. Wymagające wysokiego kalibru wykonawcy, otwierające linie melodyczne utworu utkwiły w uszach słuchacza od pokoleń. Toccata eksploruje szeroki zakres organów, wymagając od wykonawcy zbadania dalekich oktaw instrumentu z dużą precyzją i muzykalnością. Część fugi składa się z czterech głosów i jest napisana w całości szesnastkami. Ciągły ruch wszystkich czterech części i wprowadzana linia pedałów solo stanowią wyraźny kontrast dla otwierającej się części tego utworu. Utwory Bacha, w tym Toccata i fuga d-moll, przetrwały próbę czasu i do dziś są uważane za jedne z najważniejszych kompozycji tego muzycznego okresu. Bez wątpienia jego utwory nadal byłyby grane i słyszane zarówno w koloniach, jak i w Europie w czasie bezpośredniej kampanii i samej wojny.
ale muzyka Bacha oznaczała starszą erę kompozytorskich barw i technik. Ponieważ sale koncertowe stały się bardziej popularne na całym świecie, nastąpiła naturalna zmiana rodzaju muzyki, która mogła być wykonywana w tym nowym otoczeniu. Ponieważ większość muzyki barokowej została pierwotnie skomponowana do celów sakralnych, a także małych spotkań towarzyskich, nowa era muzyków i kompozytorów musiała teraz dotrzeć do publiczności społecznej, która pomagała muzyce tego okresu stać się poważną formą sztuki. Dodatkowo zmieniał się sam skład zespołów, które wykonywały te utwory. Do partytur dodawano więcej instrumentów, takich jak klarnety, fagoty i dodatkowe instrumenty dęte, takie jak puzon (sackbut). Narodził się okres klasyczny, a wraz z nim duma narodowa w promowaniu i promowaniu rodzimych muzyków i kompozytorów oraz większa dostępność dla zwykłych ludzi.
niektórzy z wielu kompozytorów okresu klasycznego to Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven i Joseph Haydn. Ci ludzie, wraz z niezliczonymi innymi kompozytorami i muzykami, byli muzycznymi geniuszami, którzy utorowali drogę w nowym gatunku kompozycji Symfonicznej. Symfonie, rozbudowane utwory muzyczne wywodzące się z zachodniej muzyki artystycznej, są zwykle pisane na dużą orkiestrę. Orkiestry tego okresu składały się z sekcji smyczkowej, dętej, dętej i perkusyjnej. W sumie Orkiestra mogła liczyć od około 30 do ponad 100 muzyków. Była to drastyczna zmiana w stosunku do typowej tak popularnej w okresie baroku oprawy kameralnej. Wszystkie Symfonie składają się z wielu części, zwykle czterech, które różnią się znacznie stylem i tempem. Najczęściej część pierwsza komponowana jest w formie Sonaty lub Allegra, część druga w wolniejszym tempie, Część trzecia w stylu tańca (Menuet lub scherzo), wreszcie część czwarta rondo lub allegro. Należy jednak zauważyć, że było wiele wariacji na temat wyżej wymienionych form, które pozwalały kompozytorom wyrazić swoją twórczość.
spośród wielu notabli tego okresu należy podkreślić krótkie życie i niesamowity wkład muzyczny Wolfganga Amadeusa Mozarta. Jako cudowne dziecko mieszkające w Salzburgu, Mozart doskonalił się na fortepianie i skrzypcach, a w bardzo młodym wieku występował dla europejskiej rodziny królewskiej. Po podróży do Wiednia Mozart postanowił tam zostać i zanurzyć się w jego kulturze muzycznej. To tutaj zaczął komponować symfonie, koncerty i opery. Jedną z jego najsłynniejszych symfonii jest nr 40, G-moll, K. 550. Dzieło to zostało ukończone w połowie 1788 roku i składało się z czterech odrębnych części. Są to m.in. Allegro, Andante, Menuetto (trio) i finał.
w koloniach koloniści byli narażeni na zupełnie nowe wrażenia słuchowe wykonywane przez orkiestry symfoniczne w dużych, wspaniałych salach koncertowych. Nowy Jork, Boston i Filadelfia były tylko kilkoma dużymi miastami wśród północnych kolonii, które oferowały Kwitnące muzyczne doświadczenie dla mieszkańców. Ogrody Ranelagh zostały otwarte w 1766 roku w Nowym Jorku i wzorowane były na londyńskich ogrodach przyjemności. Ogrody Ranelagh oferowały codzienne występy muzyczne i spotkania taneczne. Ponadto instrumenty były teraz łatwiej dostępne do zakupu przez zwykłych ludzi. Koloniści mieszkający w większych miastach mogli kupić instrument i wszystkie niezbędne akcesoria w lokalnym sklepie muzycznym. Reklamy były drukowane i dystrybuowane w celu promowania nowych instrumentów muzycznych, takich jak waltornia i hautboy, który był poprzednikiem współczesnego oboju. Jeśli tego chcieli, nauczyciele muzyczni, tacy jak Charles Love, reklamowali swoje muzyczne usługi instruktażowe jako ” uczy panów skrzypiec, hautboya, niemieckiego i wspólnego fletu, fagotu, waltorni, tenora i basu wiolonczeli.”
chociaż Klasyczna Era zachodniej muzyki artystycznej rozszerzyła się w Europie i Anglii na większą publiczność z klas społecznych, dostępność tych popularnych tradycji muzycznych była znacznie mniejsza dla osób żyjących w koloniach amerykańskich. Pomimo niewielkiego wzrostu dużych sal koncertowych w północnych koloniach, nie stały się one częścią amerykańskiej kultury muzycznej aż do początku XIX wieku; a ponieważ muzyki nie można było nagrać w tym czasie w historii, występy na żywo i koncerty były jedynym prawdziwym sposobem zanurzenia się w tym gatunku muzyki. Tak więc muzyka w koloniach wyglądała znacznie inaczej na papierze kompozytorskim niż Wielcy kompozytorzy epoki baroku i klasycyzmu. Dla wielu były to piosenki wykonywane przez jednego lub kilku muzyków w tawernach lub zgromadzeniach o bardziej osobistych znaczeniach, które były najbardziej słyszane przez zwykłych ludzi w tym okresie.
koloniści często pisali i wykonywali muzykę, która przemawiała do ich codziennego życia. Wykorzystując popularne instrumenty domowe tego okresu, takie jak klawesyny, skrzypce i flety, małe spotkania pozwalały na dzielenie się muzyką wśród przyjaciół i rodziny. Muzyka była również sposobem dla kolonistów, aby utrzymać ich tradycje kulturowe i zwyczaje żywe i Kwitnące w Nowym Świecie. Wiele tradycji muzycznych przetrwało Święta Kultury. Holenderscy osadnicy w koloniach, na przykład, nadal obchodzili święto chrześcijańskie, Pinkster, lub jak Anglicy nazywali to Whitsunday. Pinkster był również postrzegany jako dzień, który reprezentował nadejście wiosny. Tradycja polegała na tym, że Holenderskie dzieci paradowały po mieście, aby „obudzić” wiosnę. Mieszkańcy miast otwierali okna i drzwi, aby wyrazić zgodę na nowy sezon. Gdyby domownicy nie otwierali okien i drzwi, śpiewali piosenkę „Luilak”, co tłumaczy się jako lenistwo.
gdy frustracje rosły między koloniami a koroną, często te małe koncerty zawierały muzykę, która przemawiała do skarg ich publiczności. Popularne stały się piosenki o braku reprezentacji w parlamencie i wyśmiewaniu angielskich przywódców. Przykład tego typu muzyki kolonialnej można znaleźć w utworze ” A Taxing we Will Go.”Nałożenie ustawy Znaczkowej z 1765 r. oburzyło kolonistów, ponieważ czuli, że otrzymują podatki bez reprezentacji.”W tekstach szczególnie skupiono się na omawianym temacie, zwracając uwagę na to, że władza w parlamencie nie była naszym celem, a prawa podatkowe za granicą zostały wysłane, którym rebelianci się sprzeciwiają….”
w miarę jak wojna rozeszła się po koloniach, rola muzyki w codziennym życiu żołnierzy i cywilów tylko wzrosła. Muzyka była słyszana na kilka sposobów zarówno przez oficerów, jak i żołnierzy Armii Kontynentalnej i brytyjskiej. Muzyka była sposobem na wykonywanie połączeń i poleceń podczas marszu, w obozie lub na polu bitwy. Muzycy mogli z łatwością grać przy głośnych dźwiękach bitwy, zapewniając żołnierzom Marsz kadencyjny, a nawet sygnalizację taktyczną. Bębniarze byli jednym z najważniejszych stanowisk muzycznych, które można było piastować w ramach zespołu lub jednostki wojskowej. Po zaciągnięciu się bębniarze musieli nauczyć się i zapamiętać liczne podstawy lub uderzenia, które można było wykorzystać każdego dnia w obozie, podczas marszu i bitwy. Jednym z najbardziej znanych elementów rewolucji amerykańskiej jest ” Reveille.”Miał być rozgrywany każdego dnia o świcie, aby ostrzec żołnierzy, aby” wstali i uczesali włosy, czyścili ręce i twarz i byli gotowi do codziennych obowiązków”, a także zaprzestali rzucania wyzwania przez straż. Bębny, które brzmiały na tych podstawach, były wykonane z drewnianej ramy, a górne i dolne „głowy” ze skóry cielęcej lub owczej, które następnie rozciągano nad ramą. Aby wytworzyć napięcie i pomóc w strojeniu, sznurowano liny przez otwory wywiercone w drewnianej ramie. Dodatkowo, cztery do sześciu pasm katgutu lub rawhide zostały rozciągnięte na dolnym środku głowicy bębna, aby stworzyć sidła. Bębny nie były jednak jedynym ważnym dźwiękiem w muzycznym krajobrazie obu armii.
Fife był również kluczowym instrumentem podczas Rewolucji Amerykańskiej. Dzięki swoim głośnym możliwościom rzutowania żołnierze byli w stanie usłyszeć ten instrument nad dźwiękami armii w marszu lub kakofonii bitwy. Popularnym utworem epoki, który wyróżniał ten instrument, był ” Yankee Doodle.”Do dziś powszechnie znana, zyskała swoją znajomość w amerykańskiej świadomości Muzycznej w czasie Rewolucji Amerykańskiej. Pierwotnie ta melodia była śpiewana przez brytyjskich oficerów wojskowych jako sposób na wyśmiewanie smutnego stanu kolonistów i ich armii. Koloniści przyjęli tę kpinę i dawała im poczucie koleżeństwa i patriotyzmu. Ku zaskoczeniu wielu brytyjskich oficerów i podoficerów, ludzie Washingtona odwrócili obraźliwe implikacje tej piosenki i użyli jej jako pieśni buntu i dumy. Tak więc „Yankee Doodle” stał się piosenką nie tylko kolonialną, ale i narodową.
w Armii Brytyjskiej popularną piosenką wojskową, którą żołnierze słyszeli podczas Rewolucji Amerykańskiej, była ” the British Grenadiers.”Tradycyjna pieśń marszowa, która została ustawiona na melodię sięgającą XVII wieku, odnosi się do specyficznego typu brytyjskiego żołnierza znanego jako grenadier. Ten typ Żołnierza był używany przez Armię brytyjską od połowy do końca XVII wieku, z jednym z ich wyłącznych zadań, aby rzucać granaty w wroga. Armia Brytyjska zawsze wybierała najbardziej sprawnych ludzi na Grenadierów. Wraz z postępem czasowym i militarnym stosowanie granatów stało się niepotrzebne. Jednak armia brytyjska nadal wybierała żołnierzy na Grenadierów. To był zaszczyt dla żołnierzy, którzy zostali wybrani, aby utrzymać to cenione stanowisko. Piosenka była dla brytyjskiej armii sposobem na uhonorowanie i ujęcie prawdziwego patriotyzmu wszystkich brytyjskich żołnierzy.
okres wojny rewolucyjnej był epoką zdefiniowaną przez ogromne zmiany. Napływ imigrantów, szybko rosnąca populacja, Zmiana produktów krajowych brutto oraz filozoficzne i ideologiczne podziały z prawem i Polityką Anglii w koloniach to tylko niektóre z wielu zmian, których świadkami byli ci, którzy przeżyli ten burzliwy czas. Muzyka w czasach wojny rewolucyjnej nie była wyjątkiem, jeśli chodzi o zmiany. Epoka baroku zakończyła się i ustąpiła miejsca epoce klasycznej. Piosenki i muzyka o codziennym życiu kolonistów ustąpiły miejsca ich rosnącej frustracji i nastroju do Anglii, niepodległości i wojny. Wraz z tą zmianą pojawiły się nowe muzyczne pejzaże dźwiękowe, gdy koloniści weszli do armii, a wojska brytyjskie zajęły i przemieszczały się przez rozległe części samych Kolonii. Muzyka wojskowa i muzycy wkroczyli w ten sposób na kolonialną scenę muzyczną. Połączenie tych wszystkich przemian społecznych i kulturowych zaowocowało nowym, bogatym i różnorodnym krajobrazem muzycznym, który umacniał się, gdy wojna zrodziła nowy naród, a wraz z nią utwory muzyczne, które pozostają popularne do dziś.
Czytaj dalej
-
Historia Muzyki Współczesnej: J. Peter Burkholder, Donald J. Grout, Claude V. Palisca
-
Muzyka epoki Wojny Secesyjnej: Steven H. Cornelius
-
America ’ s Musical Life by: Richard Crawford