Com uma população de cerca de 1,5 milhões de euros e crescimento, as Treze Colônias expandiu-se rapidamente pelo final da década de 1750. A Revolução Industrial estava em andamento, e um afluxo de imigrantes da Irlanda, Escócia, Itália, Inglaterra e forneceram uma abundância de trabalhadores para preencher o crescimento do número de empregos na indústria. À medida que mais áreas das colônias se afastavam de suas raízes Agrárias, sua dependência de produtos manufaturados do Império Britânico diminuiu. Ao mesmo tempo, houve uma mudança na produção doméstica nas colônias, havia também uma ideológica, um desejo de independência da terra mãe tirânica. Como a Inglaterra impôs impostos como a Lei do selo de 1765, a Lei de Townshend de 1767, e a Lei do chá de 1773, assim também a ira dos colonos. Neste cenário havia uma rica e diversificada paisagem musical composta por influências de vários países e tradições. E, à medida que as colônias individuais se moviam em direção a um país singular, também uma paisagem sonora única Americana.
Este período de grande mudança nas colônias também foi visto no mundo da música. Na música de Arte ocidental, o período barroco, que durou cerca de 1600-1750, se aproximava do seu fim. Conhecidos por compositores famosos como Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi e George Frideric Handel, estes compositores foram criadores magistrais de linhas melódicas, decorações elaboradas e numerosas peças para conjuntos de câmaras. Destes, Bach foi o precursor de seu tempo na composição Barroca. Conhecido por suas suites solo e obras de órgão, o repertório de Bach abrangia tanto o sagrado quanto o secular. Uma das obras mais famosas de Bach é a Toccata e fuga em D menor, BWV 565, escrita para órgão. Exigindo um artista de alto calibre, as linhas melódicas de abertura da peça ficaram nos ouvidos do ouvinte durante gerações. The toccata explores the wide range of the organ, required the performer to explore the far octaves of the instrument with great precision and musicianship. A seção fugue é composta por quatro vozes e é escrita inteiramente em décimo sexto notas. O movimento constante de todas as quatro partes e a linha pedal solo que é introduzida fornece um contraste stark à parte de abertura deste trabalho. As obras de Bach, incluindo sua Toccata e fuga em D menor, resistiram ao teste do tempo e ainda são consideradas algumas das composições mais essenciais deste período musical. Sem dúvida, suas obras ainda teriam sido tocadas e ouvidas tanto nas colônias quanto na Europa durante o imediato avanço e a própria guerra.
mas a música de Bach significava uma era mais antiga de timbres e técnicas de composição. À medida que as salas de concertos se tornaram mais populares em todo o mundo, houve uma mudança natural no tipo de música que poderia ser executada neste novo cenário. Como a maior parte da música barroca foi originalmente composta para fins sagrados, bem como pequenas reuniões sociais, uma nova era de músicos e compositores agora necessários para chegar ao público social que estava ajudando a música do período de tempo se tornar uma forma de arte séria. Além disso, a própria composição dos conjuntos que realizaram estas obras estava mudando. Mais instrumentos foram adicionados às pontuações, como clarinetes, fagotes e instrumentos de latão adicionais como o trombone (sackbut). O período clássico nasceu, e com ele, orgulho nacional em promover e promover músicos e compositores nativos e mais acessibilidade pelo plebeu. Alguns dos muitos compositores durante o período clássico foram Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven e Joseph Haydn. Estes homens, juntamente com inúmeros outros compositores e músicos, eram gênios musicais que pavimentaram o caminho no novo gênero de composição sinfônica. Sinfonias, obras musicais extensas nativas da Arte ocidental, são geralmente escritas para uma grande orquestra. As orquestras deste período consistiram em uma seção de cordas, seção de sopro, seção de metais e uma seção de percussão. No total, uma orquestra pode variar de aproximadamente 30 a mais de 100 músicos. Esta foi uma mudança drástica do cenário típico de música de câmara que foi tão popular durante o período Barroco. Todas as sinfonias são compostas de vários movimentos, geralmente quatro, que variam muito em estilo e tempo. Mais comumente, o primeiro movimento é composto de sonata ou allegro forma, o segundo movimento, em um tempo mais lento, o terceiro movimento no estilo de dança (minueto ou scherzo), e, finalmente, o quarto movimento de um rondó ou um allegro. Note-se, no entanto, que houve muitas variações nas formas acima mencionadas que permitiram aos compositores expressar a sua criatividade.
Dos muitos notáveis do período, o curto período de vida e incrível musical contribuições de Wolfgang Amadeus Mozart, deve ser realçado. Quando criança prodígio vivendo em Salzburgo, Mozart se destacou no piano e violino e se apresentou para a realeza europeia em uma idade muito jovem. Depois de uma viagem a Viena, Mozart escolheu ficar lá e mergulhar em sua cultura musical. Foi aqui que ele começou a compor sinfonias, concertos e óperas. Uma de suas sinfonias mais famosas é o número 40, g menor, K. 550. Este trabalho foi concluído em meados de 1788 e consistia de quatro movimentos distintos. Estes movimentos incluem o Allegro, Andante, Menuetto (trio) e Finale.
nas colônias, os colonos foram expostos a uma experiência completamente nova de escuta realizada por orquestras sinfônicas em grandes salas de concerto grandiosas. Nova Iorque, Boston e Filadélfia eram apenas algumas grandes cidades entre as colônias do Norte que ofereciam uma experiência musical próspera para os cidadãos. Ranelagh Gardens foi inaugurado em 1766 na cidade de Nova Iorque e foi padronizado após os jardins de prazer de Londres. Os jardins Ranelagh ofereciam apresentações musicais diárias e reuniões de dança. Além disso, os instrumentos estavam agora mais facilmente disponíveis para aquisição pelo cidadão comum. Os colonos que residiam em cidades maiores poderiam comprar um instrumento e todos os acessórios necessários em sua loja de música local. Anúncios foram impressos e distribuídos para promover novos instrumentos musicais, como o chifre francês e o hautboy, que foi o antecessor do oboé moderno. Se eles assim o desejassem, tutores musicais como Charles Love publicitaram seus serviços de instrução musical como “ensina cavalheiros o violino, hautboy, flauta Alemã e comum, Fagote, Trompa francesa, tenor e baixo viol”.”
embora a era clássica da arte ocidental se expandiu por toda a Europa e Inglaterra para maiores audiências de mais classes sociais, a acessibilidade a essas tradições musicais populares foram muito menos para aqueles que vivem nas colônias americanas. Apesar do pequeno crescimento de grandes salas de concerto nas colônias do norte, eles não se tornaram uma parte da música norte-Americana cultura, até o início do século xix; e, desde que a música não pôde ser gravado na história dessa época, live performances e concertos foram a única verdadeira maneira de ser imerso neste gênero de música. Assim, a música nas colônias parecia muito diferente em papel de composição do que os grandes compositores da época barroca e clássica. Para muitos, foram canções tocadas por um ou poucos músicos em tavernas ou reuniões com significados mais pessoais que foram mais ouvidos pelo plebeu durante este período.
os colonos muitas vezes escreveram e tocaram música que falava com suas vidas diárias. Utilizando instrumentos domésticos comuns deste período, como cravos, violinos e flautas, pequenas reuniões permitiram a partilha de música entre amigos e família. A música também era uma forma de os colonos manterem suas tradições e costumes culturais vivos e prosperando no novo mundo. Muitas tradições musicais viveram em feriados culturais. Colonizadores holandeses nas colônias, por exemplo, continuaram a celebrar o dia da festa Cristã, Pinkster, ou como os ingleses lhe chamavam Whitsunday. Pinkster também foi visto como um dia que representou a vinda da primavera. A tradição consistia em crianças holandesas desfilando pela cidade para” despertar ” primavera. Os habitantes abririam as suas janelas e portas para significar a sua aceitação da nova temporada. Se uma casa não abrisse suas janelas e portas, eles cantariam a canção “Luilak”, que se traduz em preguiçosos.À medida que as frustrações cresciam entre as colônias e a coroa, muitas vezes esses pequenos concertos incluíam música que falava com as queixas do público. Canções sobre a falta de representação no Parlamento e zombar dos líderes ingleses tornaram-se populares. Um exemplo deste tipo de música colonial pode ser encontrado na canção “A Taxing We Will Go. A imposição da Lei do selo de 1765 enfureceu os colonos como eles sentiram que estavam recebendo “impostos sem representação.”As letras especificamente focadas no tema em mãos, notando “o poder supremo do Parlamento nosso propósito fez asist, e leis de taxing para o exterior foram enviadas, que os rebeldes resistem … “
Como a guerra se estabeleceu em todo o período colonial, o papel da música na vida de soldados e civis só aumentou. A música foi ouvida de várias maneiras por oficiais e homens dos Exércitos Continental e britânico. A música era uma forma de fornecer chamadas e comandos durante a marcha, no acampamento ou no campo de batalha. Os músicos poderiam facilmente tocar sobre os sons altos da batalha, fornecendo tropas com marcha de cadência e até mesmo sinalização tática. Bateristas foram uma das posições musicais mais importantes que poderiam ser realizadas dentro de uma banda ou Unidade Militar. Após o alistamento, bateristas foram obrigados a aprender e memorizar numerosos rudimentos ou batidas para utilizar ao longo de cada dia no acampamento, enquanto na marcha, e na batalha. Um dos rudimentos mais conhecidos da Revolução Americana é “Reveille”.”Era para ser jogado todos os dias ao nascer do dia para alertar os soldados para “levantar e pentear seu cabelo e limpar suas mãos e rosto e estar pronto para os deveres do dia”, bem como a cessação de desafios pela guarda. Os tambores que soavam estes rudimentos eram feitos de uma moldura de madeira e “cabeças” de cima e de baixo feitas de pele de calfskin ou pele de ovelha que foram então esticados sobre a moldura. Para criar tensão e ajudar com a afinação, cordas foram colocadas através de furos perfurados na estrutura de madeira. Além disso, quatro a seis fios de catgut ou rawhide foram esticados através do centro inferior da cabeça do tambor para criar armadilhas. Os tambores não eram o único som importante na paisagem musical dentro de ambos os exércitos, no entanto.
a fife foi também um instrumento-chave durante a Revolução Americana. Com suas altas capacidades de projeção, as tropas foram capazes de ouvir este instrumento sobre os sons de um exército na marcha ou a cacofonia da batalha. Uma canção popular da época que destaque este instrumento foi “Yankee Doodle”.”Ainda hoje amplamente conhecido, ganhou sua familiaridade com a consciência musical americana durante a Revolução Americana. Originalmente, esta melodia foi cantada por oficiais militares britânicos como uma maneira de zombar do triste Estado dos colonos e seu exército. Os colonos abraçaram este escárnio e deu-lhes uma sensação de camaradagem e patriotismo. Para surpresa de muitos oficiais britânicos e alistados, os homens de Washington mudaram as implicações depreciativas desta canção e a usaram como uma canção de desafio e orgulho. Assim, “Yankee Doodle” tornou-se uma canção não só colonial, mas de aclamação nacional.
no exército britânico, uma canção Militar popular que soldados ouviram durante a Revolução Americana foi “os granadeiros britânicos”.”Uma canção tradicional de marcha que foi definida a uma melodia que remonta ao século XVII, refere-se a um tipo específico de soldado britânico conhecido como um lagartixa. Este tipo de soldado foi utilizado pelo exército britânico a partir de meados do século XVII, com uma de suas únicas tarefas para atirar granadas contra o inimigo. O exército britânico sempre escolheu os maiores homens mais capazes para serem Granadeiros. Com a evolução do tempo e dos avanços militares, o uso de granadas tornou-se desnecessário. No entanto, o exército britânico ainda escolheu soldados para serem Granadeiros. Foi uma honra para os soldados serem escolhidos para manter esta posição estimada. A canção foi uma maneira para o exército britânico honrar e encapsular o verdadeiro patriotismo de todas as tropas britânicas. O período da Guerra Revolucionária foi definido por uma imensa mudança. Um influxo na imigração, uma população em rápido crescimento, uma mudança nos produtos internos brutos, e divisões filosóficas e ideológicas com as leis e políticas da Inglaterra dentro das colônias são apenas algumas das muitas mudanças testemunhadas por aqueles que viveram este tempo turbulento. A música durante a era da Guerra Revolucionária não foi excepção quando chegou a mudar. A era barroca tinha terminado e deu lugar à Era Clássica. Canções e música sobre a vida diária dos colonos deram lugar a refletir suas frustrações crescentes e seu humor para a Inglaterra, independência e guerra. Com essa mudança vieram novas paisagens musicais como colonos entraram no exército e os exércitos britânicos ocupados e movidos através de vastas seções das próprias colônias. A música militar e os músicos entraram assim na cena musical colonial. A confluência de toda esta mudança social e cultural gerou uma nova paisagem musical, rica e diversificada que continuou a solidificar-se à medida que a guerra deu origem a uma nova nação, e com ela, peças de música que permanecem populares até hoje.
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