cu o populație de aproape 1,5 milioane și în creștere, cele treisprezece colonii s-au extins rapid la sfârșitul anilor 1750. Revoluția Industrială era în curs de desfășurare și un aflux de imigranți din Irlanda, Scoția, Italia și Anglia a oferit o mulțime de muncitori pentru a umple numărul tot mai mare de locuri de muncă în producție. Pe măsură ce mai multe zone ale coloniilor s-au îndepărtat de rădăcinile lor agrare, dependența lor de bunurile fabricate din Imperiul Britanic a scăzut. În același timp, a existat o schimbare a producției interne în colonii, a existat și una ideologică, dorința de independență față de patria tiranică. Pe măsură ce Anglia a impus taxe precum Stamp Act din 1765, Townshend Acts din 1767 și Tea Act din 1773, la fel a făcut și furia coloniștilor. În acest context a fost un peisaj muzical bogat și divers compus din influențe din numeroase țări și tradiții. Și, pe măsură ce coloniile individuale s-au mutat spre o țară singulară, la fel a făcut și un peisaj sonor unic American.
această perioadă de schimbări imense în colonii a fost văzută și în lumea muzicii. În muzica de artă occidentală, perioada barocă, care durează de la aproximativ 1600-1750, se apropie de sfârșit. Cunoscuți pentru compozitori celebri precum Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi și George Frideric Handel, acești compozitori au fost creatori Magistrali de linii melodice, decorațiuni elaborate ale acestora și numeroase piese pentru ansambluri de cameră. Dintre acestea, Bach a fost precursorul timpului său în compoziția barocă. Cunoscut pentru suitele sale solo și lucrările de orgă, repertoriul lui Bach se întindea atât pe sacru, cât și pe secular. Una dintre cele mai faimoase lucrări ale lui Bach este Toccata și Fuga în Re Minor, BWV 565, scris pentru orgă. Necesitând un interpret de mare calibru, liniile melodice de deschidere ale piesei S-au blocat în urechile ascultătorului de generații. Toccata explorează gama largă a organului, necesitând interpretului să exploreze octavele îndepărtate ale instrumentului cu mare precizie și muzicalitate. Secțiunea fugă este formată din patru voci și este scrisă în întregime în notele a șaisprezecea. Mișcarea constantă a tuturor celor patru părți și linia pedalei solo care este introdusă oferă un contrast puternic cu porțiunea de deschidere a acestei lucrări. Lucrările lui Bach, inclusiv Toccata și Fuga în Re Minor, au trecut testul timpului și sunt încă considerate unele dintre cele mai esențiale compoziții ale acestei perioade muzicale. Fără îndoială, lucrările sale ar fi fost încă jucate și auzite atât în colonii, cât și în Europa, în timpul imediat înainte și al războiului în sine.
dar muzica lui Bach a însemnat o epocă mai veche a timbrelor și tehnicilor compoziționale. Pe măsură ce sălile de concerte au devenit mai populare în întreaga lume, a existat o schimbare naturală a tipului de muzică care ar putea fi interpretată în acest nou cadru. Deoarece majoritatea muzicii baroce a fost compusă inițial în scopuri sacre, precum și mici adunări sociale, o nouă eră de muzicieni și compozitori trebuia acum să ajungă la publicul social care ajuta muzica perioadei de timp să devină o formă de artă serioasă. În plus, însăși compoziția ansamblurilor care au realizat aceste lucrări s-a schimbat. Mai multe instrumente au fost adăugate la partituri, cum ar fi clarinete, fagot și instrumente suplimentare de alamă, cum ar fi trombonul (sackbut). S-a născut perioada clasică și, odată cu aceasta, mândria națională în încurajarea și promovarea muzicienilor și compozitorilor nativi și mai multă accesibilitate de către oamenii de rând.
unii dintre numeroșii compozitori din perioada clasică au fost Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven și Joseph Haydn. Acești oameni, împreună cu nenumărați alți compozitori și muzicieni, au fost genii muzicale care au deschis calea în noul gen de compoziție simfonică. Simfoniile, opere muzicale extinse native muzicii de artă occidentală, sunt de obicei scrise pentru o orchestră mare. Orchestrele din această perioadă constau dintr-o secțiune de coarde, secțiune de vânt din lemn, secțiune de alamă și o secțiune de percuție. În total, o orchestră ar putea varia de la aproximativ 30 la peste 100 de muzicieni. Aceasta a fost o schimbare drastică față de setarea tipică a muzicii de cameră, care a fost atât de populară în perioada barocă. Toate simfoniile sunt compuse din mai multe mișcări, de obicei patru, care variază foarte mult în stil și tempo. Cel mai frecvent, prima mișcare este compusă în sonată sau allegro formă, a doua mișcare într-un ritm mai lent, a treia mișcare în stilul dansului (minuet sau scherzo) și, în cele din urmă, a patra mișcare a rondo sau a allegro. Trebuie remarcat, totuși, că au existat multe variații ale formelor menționate mai sus, care au permis compozitorilor să-și exprime creativitatea.
dintre numeroșii notabili ai perioadei, viața scurtă și contribuțiile muzicale incredibile ale lui Wolfgang Amadeus Mozart trebuie evidențiate. Ca un copil minune care trăiește în Salzburg, Mozart a excelat la pian și vioară și a cântat pentru regalitatea Europeană la o vârstă fragedă. După o călătorie la Viena, Mozart a ales să rămână acolo și să se cufunde în cultura sa muzicală. Aici a început să compună simfonii, concerte și opere. Una dintre cele mai faimoase simfonii ale sale este Nr.40, Sol Minor, K. 550. Această lucrare a fost finalizată la mijlocul anului 1788 și a constat din patru mișcări distincte. Aceste mișcări includ Allegro, Andante, Menuetto (trio) și Finale.
în colonii, coloniștii au fost expuși unei experiențe de ascultare complet noi, interpretate de orchestre simfonice în săli de concerte mari și grandioase. New York, Boston și Philadelphia au fost doar câteva orașe mari printre coloniile nordice care au oferit o experiență muzicală înfloritoare cetățenilor. Ranelagh Gardens a fost deschis în 1766 în New York și a fost modelat după Grădinile plăcerii din Londra. Grădinile Ranelagh ofereau spectacole muzicale zilnice și adunări de dans. În plus, instrumentele erau acum mai ușor disponibile pentru cumpărare de către oamenii de rând. Coloniștii care locuiau în orașe mai mari puteau achiziționa un instrument și toate accesoriile necesare la magazinul lor local de muzică. Reclamele au fost tipărite și distribuite pentru a promova noi instrumente muzicale, cum ar fi cornul francez și hautboy, care a fost predecesorul oboiului modern. Dacă și-au dorit acest lucru, tutori muzicali precum Charles Love și-au promovat serviciile de instruire muzicală ca „îi învață pe domni vioara, hautboy, flautul German și comun, fagotul, cornul francez, tenorul și basul viol.”
deși era clasică a muzicii de artă occidentală s-a extins în Europa și Anglia la un public mai larg de clase sociale, accesibilitatea la aceste tradiții muzicale populare a fost mult mai mică pentru cei care trăiau în coloniile americane. În ciuda creșterii mici a sălilor mari de concerte din coloniile nordice, acestea nu au devenit parte a culturii muzicale americane până la începutul secolului al XIX-lea; și, din moment ce muzica nu a putut fi înregistrată în acest moment din istorie, spectacolele și concertele live au fost singura modalitate reală de a fi cufundat în acest gen de muzică. Astfel, muzica din colonii arăta mult diferit pe hârtia de compoziție decât marii compozitori din epoca barocă și clasică. Pentru mulți, au fost cântece interpretate de unul sau câțiva muzicieni la taverne sau adunări cu semnificații mai personale, care au fost auzite cel mai mult de oamenii de rând în această perioadă.
coloniștii au scris și interpretat adesea muzică care vorbea vieții lor de zi cu zi. Folosind instrumente obișnuite de uz casnic din această perioadă, cum ar fi clavecine, viori și flauturi, adunările mici au permis împărtășirea muzicii între prieteni și familie. Muzica a fost, de asemenea, o modalitate pentru coloniști de a-și păstra tradițiile și obiceiurile culturale vii și înfloritoare în lumea nouă. Multe tradiții muzicale au trăit prin sărbători culturale. Coloniștii olandezi din colonii, de exemplu, au continuat să sărbătorească ziua sărbătorii creștine, Pinkster, sau așa cum au numit-o englezii Whitsunday. Pinkster a fost, de asemenea, privit ca o zi care a reprezentat venirea primăverii. Tradiția consta în copii olandezi care defilau prin oraș pentru a „trezi” primăvara. Orășenii își deschideau ferestrele și ușile pentru a semnifica acceptarea noului sezon. Dacă o gospodărie nu și-ar deschide ferestrele și ușile, ar cânta piesa „Luilak” care se traduce în leneși.
pe măsură ce frustrările au crescut între colonii și coroană, adesea aceste mici concerte includeau muzică care vorbea nemulțumirilor publicului lor. Cântecele despre lipsa de reprezentare în Parlament și batjocorirea liderilor englezi au devenit populare. Un exemplu al acestui tip de muzică colonială poate fi găsit în piesa „a Taxing we Will Go.”Impunerea legii timbrului din 1765 i-a indignat pe coloniști, deoarece au simțit că primesc „impozitare fără reprezentare.”Versurile s-au concentrat în mod special pe subiectul la îndemână, menționând” puterea supremă a Parlamentului scopul nostru a fost asist și au fost trimise legi de impozitare în străinătate, la care rebelii rezistă….”
pe măsură ce războiul s-a instalat în colonii, rolul muzicii în viața de zi cu zi a soldaților și civililor a crescut doar. Muzica a fost auzită în mai multe moduri atât de ofițeri, cât și de bărbați ai armatelor continentale și Britanice. Muzica a fost o modalitate de a oferi apeluri și comenzi în timpul marșului, în tabără sau pe câmpul de luptă. Muzicienii puteau cânta cu ușurință peste sunetele puternice ale bătăliei, oferind trupelor marș de cadență și chiar semnalizare tactică. Toboșarii erau una dintre cele mai importante poziții muzicale care puteau fi deținute în cadrul unei trupe sau unități militare. După înrolare, toboșarilor li s-a cerut să învețe și să memoreze numeroase rudimente sau bătăi pe care să le folosească pe parcursul fiecărei zile în tabără, în timpul marșului și în luptă. Unul dintre cele mai cunoscute rudimente din Revoluția Americană este „Reveille.”Trebuia să se joace în fiecare zi în zori pentru a alerta soldații să „se ridice și să-și pieptene părul și să-și curețe mâinile și fața și să fie pregătiți pentru îndatoririle zilei”, precum și încetarea provocării de către gardian. Tobele care sunau aceste rudimente erau realizate dintr-un cadru din lemn și „capete” de sus și de jos din piele de vițel sau piele de oaie care erau apoi întinse peste cadru. Pentru a crea tensiune și pentru a ajuta la reglare, frânghiile au fost dantelate prin găuri găurite în cadrul de lemn. În plus, patru până la șase fire de catgut sau piele brută au fost întinse în centrul inferior al capului tamburului pentru a crea capcane. Cu toate acestea, tobele nu au fost singurul sunet important din peisajul muzical din ambele armate.
fife a fost, de asemenea, un instrument cheie în timpul Revoluției Americane. Cu capacitățile sale puternice de proiectare, trupele au putut auzi acest instrument peste sunetele unei armate în marș sau cacofonia bătăliei. Un cântec popular al epocii care a prezentat în mod vizibil acest instrument a fost ” Yankee Doodle.”Încă cunoscută pe scară largă astăzi, și-a câștigat familiaritatea în conștiința muzicală americană în timpul Revoluției Americane. Inițial, această melodie a fost cântată de ofițerii militari britanici ca o modalitate de a bate joc de starea tristă a coloniștilor și a armatei lor. Coloniștii au îmbrățișat această batjocură și le-a oferit un sentiment de camaraderie și patriotism. Spre surprinderea multor ofițeri britanici și soldați, oamenii lui Washington au transformat implicațiile derogatorii ale acestui cântec și l-au folosit ca un cântec de sfidare și mândrie. Astfel ,” Yankee Doodle ” a devenit un cântec de recunoaștere nu doar colonială, ci națională.
în armata britanică, un cântec militar popular pe care soldații l-au auzit în timpul Revoluției Americane a fost „Grenadierii britanici.”Un cântec tradițional de marș care a fost setat pe o melodie care datează din secolul al XVII-lea, se referă la un anumit tip de soldat britanic cunoscut sub numele de grenadier. Acest tip de soldat a fost folosit de armata britanică începând cu mijlocul până la sfârșitul secolului al XVII-lea, cu una dintre singurele lor sarcini de a arunca grenade asupra inamicului. Armata britanică a ales întotdeauna cei mai mari bărbați capabili să fie grenadieri. Pe măsură ce timpul și progresele militare au evoluat, utilizarea grenadelor a devenit inutilă. Cu toate acestea, armata britanică a ales în continuare soldați pentru a fi grenadieri. A fost o onoare pentru soldați să fie aleși pentru a susține această poziție stimată. Cântecul a fost o modalitate pentru armata britanică de a onora și încapsula adevăratul patriotism al tuturor trupelor britanice.
perioada Războiului Revoluționar a fost o epocă definită de schimbări imense. Un aflux de imigrație, o populație în creștere rapidă, o schimbare a produselor interne brute și diviziunile filosofice și ideologice cu legile și Politica Angliei în cadrul coloniilor sunt doar câteva dintre numeroasele schimbări la care au asistat cei care au trăit în acest timp turbulent. Muzica din timpul Războiului Revoluționar nu a făcut excepție atunci când a venit să se schimbe. Epoca barocă se încheiase și cedase locul erei clasice. Cântecele și muzica despre viața de zi cu zi a colonistului au dat loc pentru a reflecta frustrările și starea lor de spirit în creștere față de Anglia, independență și război. Odată cu această schimbare au apărut noi peisaje sonore muzicale, pe măsură ce coloniștii au intrat în armată, iar armatele britanice au ocupat și s-au mutat prin vaste secțiuni ale coloniilor. Muzica militară și muzicienii au intrat astfel pe scena muzicală colonială. Confluența tuturor acestor schimbări sociale și culturale a dat naștere unui peisaj muzical nou, bogat și divers, care a continuat să se solidifice pe măsură ce războiul a dat naștere unei noi națiuni și, odată cu aceasta, piese muzicale care rămân populare până astăzi.
lecturi suplimentare
-
istoria muzicii moderne de: J. Peter Burkholder, Donald J. Grout, și Claude V. Palisca
-
muzica epocii Războiului Civil de: Steven H. Cornelius
-
viața muzicală a Americii de: Richard Crawford