El arte es una herramienta para la expresión creativa, y los artistas han estado empujando los límites de lo que la sociedad considera socialmente aceptable. El papel de la censura tiene un impacto significativo en la producción artística y puede limitar la capacidad de creación de un artista. La siguiente lista profundiza en 15 cautivadoras historias de artistas que no tenían miedo de poner a prueba los límites y allanar el camino para la plataforma abierta en la que se ha convertido el arte a través de la exploración de la sexualidad, el desprecio de las normas culturales o las declaraciones políticas abiertas.
Como parte integral de la cultura popular, el arte por su propia naturaleza puede ser impactante. A veces, el factor de choque es incluso una herramienta utilizada por los artistas para sacar a la luz un tema o tema que están buscando explorar. Artistas como Marcel Duchamp y Pablo Picasso rompieron el molde del arte moderno, allanando así el camino para el arte tal como lo conocemos hoy en día. A continuación, explore nuestra lista de 15 de los momentos más controvertidos en el arte de los últimos dos siglos.
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Culture
Marcel Duchamp, Fountain (1917)
La historia detrás de la Fuente de Marcel Duchamp es casi tan impactante como la propia pieza. Duchamp compró el urinario y lo presentó bajo un alias «R. Mutt» a la Sociedad de Artistas Independientes, que él mismo había ayudado a establecer. La presentación fue una prueba que probaba los límites de la definición misma del arte. La pieza fue rechazada por la junta directiva, lo que enfureció a Duchamp y resultó en su renuncia. Después de esta controversia, Duchamp hizo que la pieza fuera fotografiada por el famoso fotógrafo Alfred Stieglitz y rompió el molde del arte moderno.
Richard Serra, Tilted Arc (1981)
La obra de arte público del escultor Richard Serra, encargada por el programa Arts-in-Architecture, recibió grandes cantidades de críticas de los peatones de Manhattan. El arco inclinado es una pared de acero curvado de 12 pies de alto y 20 pies de largo destinada a atraer a los espectadores y hacerlos reflexionar sobre su movimiento a través de la plaza. En su lugar, finalmente se eliminó después de una audiencia pública que llevó a preguntas sobre el papel del gobierno en el arte público.
Andres Serrano, Inmersiones (Piss Christ) (1987)
Andrés Serrano afirma que su fotografía de un crucifijo sumergido en su propia orina no tenía la intención de ofender. De hecho, no lo hizo hasta que fue visto en exhibición por un pastor franco en Virginia que descubrió que la Fundación Nacional para las Artes había dado fondos a Serrano, aunque no en correlación con Piss Christ. Esta foto sacó a la luz cuestiones de censura y el poder del gobierno para controlar la producción artística.
Damien Hirst, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (1991)
Damien Hirst comenzó a explorar la idea de la muerte con esta pieza. Compró el tiburón tigre real de Queensland, Australia, y lo colocó en un recipiente de vidrio masivo de formaldehído, preservando así al animal por un período de tiempo. El animal finalmente comenzó a descomponerse y tuvo que ser reemplazado, lo que provocó controversia en torno a la originalidad de la obra de Hirst. Sin embargo, como artista conceptual, la intencionalidad detrás de la creación es la pieza más significativa.
Martin Creed, Obra No. 227, The Lights Going On And Off (2000)
La obra de Martin Creed se compone de un espacio de galería vacío con paredes desnudas en el que las luces se encienden y apagan a intervalos establecidos. Si bien el propósito de la pieza depende de la interpretación, en su sitio web cita al artista Maurizio Cattelan, que disfruta de la simplicidad y la relaciona con una incapacidad para aferrarse a la alegría basada en cambios naturales en la emoción humana. Creed está llevando la galería en sí, que generalmente sirve como telón de fondo para una obra de arte, al primer plano para su propio propósito artístico. Mientras que muchos en el mundo del arte apreciaban mucho la obra, el público y los periodistas se preguntaban si esto realmente podría considerarse arte fino.
Sexualidad
Édouard Manet, Olympia (1865)
No fue la desnudez lo que sorprendió a los espectadores de la pintura de Manet, sino más bien la mujer desnuda que los miraba con lo que se puede describir como una «mirada desafiante».»Esta forma de sexualidad casual fue considerada pornográfica por los contemporáneos de Manet. También hubo indignación por el realismo incorporado en la forma desnuda de esta mujer y las señales visuales que daban a entender que el sujeto era una prostituta.
Gustave Courbet, El origen del Mundo (1866)
Gustave Courbet luchó contra la tradición académica de la pintura durante la mayor parte de su carrera, culminando en El Origen del Mundo que muestra un primer plano sin adornos del torso inferior y los muslos abiertos de una mujer. La pintura fue considerada blasfema en ese momento, tanto por el tema como por el realismo de la obra.
Richard Mapplethorpe, El momento Perfecto (1989)
Richard Mapplethorpe utilizó su medio para abordar la sexualidad masculina gay durante el pico de la epidemia de VIH/SIDA. Su exposición con imágenes explícitas fue cancelada y llevó a cargos contra el director de la Galería de Arte Corcoran por obscenidad. Esto finalmente llevó a un juicio centrado en la definición de arte en la ciudad de Cincinnati.La comunidad artística fue finalmente victoriosa, lo que aumentó la división en las Guerras Culturales de finales de la década de 1980 y principios de los 90 entre los grupos conservadores y liberales.
M. F. Hussain, Diosa Lakshmi Desnuda en la cabeza de Shri Ganesha (1996)
A menudo conocido como el «Picasso de la India», M. F. Hussain fue exiliado y obligado a vivir en Londres debido a la controversia que rodeaba su trabajo. En esta pintura de la Diosa Lakshmi, se la ve degradando al Señor Ganesha, que es ampliamente adorado. Los hindúes conservadores estaban indignados por esta representación irrespetuosa y varios presentaron denuncias penales contra el artista. Independientemente de su reputación, inspiró a una generación de artistas indios y elevó el arte indio a un nivel internacional.
Yoko Mummy, My Mummy Was Beautiful (2004)
Yoko created creó imágenes de senos y genitales de mujeres y las exhibió en la ciudad de Liverpool en honor de su esposo John Lennon y su madre, que fue asesinada cuando era joven. Con la intención de resaltar y rendir homenaje a la idea de la maternidad, la amplia distribución y prevalencia de las imágenes llevó a un cuestionamiento público de la definición del arte y el propósito del arte. Si el arte está destinado a impactar, el trabajo de On ciertamente logró la tarea.
Política
Pablo Picasso, Guernica (1937)
Guernica es una de las pinturas más famosas de Pablo Picasso, debido a su poderosa postura política en reacción a la devastación de los bombardeos nazis en Guernica, España. La pintura muestra los elementos oscuros y destructivos de la guerra en un lienzo monumental. Se exhibió en la Feria Mundial de París para mostrar los restos. Se enfrentó a fuertes críticas en ese momento por parte de activistas políticos y líderes comunistas. La controversia sobre si los artistas podían y debían cerrar la brecha entre el arte y la política rodeó a Guernica.
«Dread» Scott Tyler, ¿Cuál es la forma correcta de mostrar una bandera de los Estados Unidos? (1988)
Esta instalación representa una bandera estadounidense colocada en el suelo con un estante encima que muestra una bandera acompañada de un bolígrafo, junto con una foto arriba que muestra a estudiantes surcoreanos quemando la bandera estadounidense. Este trabajo causó una gran controversia cuando cientos de manifestantes se reunieron frente al Instituto de la Escuela de Arte de Chicago. El presidente Bush Padre y todo Estados Unidos El Congreso denunció el artículo, lo que finalmente resultó en un caso de la Corte Suprema sobre la protección de la bandera estadounidense.
David Černý, Pink Tank (1991)
David Černý pintó un monumento conmemorativo de la Segunda Guerra Mundial que representaba la ocupación soviética en Praga pink, lo que resultó en su arresto. Černý fue arrestado por vandalismo después de que el gobierno ruso protestara y el monumento fue pintado de verde. Los miembros del parlamento recién elegidos se enojaron por el arresto del artista y volvieron a pintar el monumento de rosa, aprovechando su inmunidad oficial. Černý fue liberado y el tanque fue retirado después de haber sido pintado varias veces más en tonos de rosa y verde.
Santiago Sierra, Línea de 160 cm Tatuada en 4 Personas, El Gallo Arte Contemporáneo (2000)
El artista documental Santiago Sierra ha creado muchas piezas controvertidas donde a las personas, ocasionalmente adictas, se les paga por realizar una actividad. En esta pieza en particular, Sierra pagó a cuatro prostitutas para que se les colocara un tatuaje en la espalda por mucho más de lo que normalmente se les compensaría. Sierra espera destacar la división entre la burguesía y el proletariado, así como el impacto del capitalismo.
Emma Sulkowicz, Carry that weight (2014)
En una declaración contra la agresión sexual en campus universitarios (de la que fue víctima), la Sra. Sulkowicz llevaba un colchón de 50 libras a todas partes a donde iba durante su último año en la Universidad de Columbia. En busca de un arte poderoso que provoque una respuesta poderosa, la Sra. Sulkowicz arrojó luz sobre un tema que durante mucho tiempo se ignoró creando alusiones a las etapas de la cruz y el martirio, así como a Hester Prynne literalmente, cargando su carga y marcándose a sí misma como una versión moderna de la protagonista de Nathaniel Hawthorne en La Letra Escarlata.
Para obtener más información sobre los artistas que adoptan una postura, consulte este artículo de Format magazine sobre Arte de protesta.