Con una población de casi 1,5 millones y creciendo, las Trece Colonias se expandieron rápidamente a finales de la década de 1750. La Revolución Industrial estaba en marcha, y una afluencia de inmigrantes de Irlanda, Escocia, Italia e Inglaterra proporcionó muchos trabajadores para llenar el creciente número de empleos manufactureros. A medida que más áreas de las colonias se alejaban de sus raíces agrarias, su dependencia de los productos manufacturados del Imperio británico disminuyó. Al mismo tiempo, hubo un cambio en la producción doméstica en las colonias, también hubo un cambio ideológico, un deseo de independencia de la patria tiránica. Como Inglaterra impuso impuestos como la Ley de Sellos de 1765, las Leyes de Townshend de 1767 y la Ley del Té de 1773, también lo hizo la ira de los colonos. Con este telón de fondo había un paisaje musical rico y diverso compuesto de influencias de numerosos países y tradiciones. Y, a medida que las colonias individuales se movían hacia un país singular, también lo hacía un paisaje sonoro único estadounidense.
Este período de un inmenso cambio en las colonias también fue visto en el mundo de la música. En la música de arte occidental, el Período barroco, que duró aproximadamente de 1600 a 1750, se acercaba a su fin. Conocidos por compositores famosos como Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi y George Frideric Handel, estos compositores fueron maestros creadores de líneas melódicas, decoración elaborada de las mismas y numerosas piezas para conjuntos de cámara. De ellos, Bach fue el precursor de su época en la composición barroca. Conocido por sus suites solistas y obras para órgano, el repertorio de Bach abarcaba lo sagrado y lo secular. Una de las obras más famosas de Bach es la Tocata y Fuga en Re Menor, BWV 565, escrita para órgano. Requiriendo un intérprete de alto calibre, las líneas melódicas iniciales de la pieza se han quedado en los oídos del oyente durante generaciones. La tocata explora la amplia gama del órgano, lo que requiere que el intérprete explore las octavas lejanas del instrumento con gran precisión y maestría musical. La sección fuga consta de cuatro voces y está escrita íntegramente en semicorcheas. El movimiento constante de las cuatro partes y la línea de pedal en solitario que se introduce proporciona un marcado contraste con la parte inicial de esta obra. Las obras de Bach, incluyendo su Tocata y Fuga en Re Menor, han resistido la prueba del tiempo y todavía se consideran algunas de las composiciones más esenciales de este período musical. Sin duda, sus obras todavía se habrían tocado y escuchado tanto en las colonias como en Europa durante el período inmediatamente anterior a la guerra.
Pero la música de Bach significó una era más antigua de timbres y técnicas de composición. A medida que las salas de conciertos se hicieron más populares en todo el mundo, hubo un cambio natural en el tipo de música que se podía interpretar en este nuevo entorno. Como la mayoría de la música barroca se compuso originalmente para fines sagrados, así como para pequeñas reuniones sociales, una nueva era de músicos y compositores ahora necesitaba llegar al público social que estaba ayudando a que la música de la época se convirtiera en una forma de arte seria. Además, la composición misma de los conjuntos que interpretaban estas obras estaba cambiando. Se agregaron más instrumentos a las partituras, como clarinetes, fagotes e instrumentos de metal adicionales como el trombón (sackbut). El Período Clásico nació, y con él, el orgullo nacional de fomentar y promover a los músicos y compositores nativos y una mayor accesibilidad por parte de los plebeyos.
Algunos de los muchos compositores durante el Período Clásico fueron Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Joseph Haydn. Estos hombres, junto con innumerables otros compositores y músicos, fueron genios musicales que allanaron el camino en el nuevo género de la composición sinfónica. Las sinfonías, obras musicales extendidas nativas de la música de arte occidental, generalmente se escriben para una gran orquesta. Las orquestas de este período consistían en una sección de cuerda, una sección de viento de madera, una sección de latón y una sección de percusión. En total, una orquesta podía oscilar entre aproximadamente 30 y más de 100 músicos. Este fue un cambio drástico con respecto a la típica música de cámara que era tan popular durante el Período Barroco. Todas las sinfonías se componen de múltiples movimientos, generalmente cuatro, que varían mucho en estilo y tempo. Más comúnmente, el primer movimiento se compone en forma de sonata o allegro, el segundo movimiento en un tempo más lento, el tercer movimiento en el estilo de danza (minueto o scherzo), y finalmente el cuarto movimiento un rondó o un allegro. Cabe señalar, sin embargo, que había muchas variaciones en las formas mencionadas anteriormente que permitían a los compositores expresar su creatividad.
De los muchos notables de la época, cabe destacar la corta vida y las increíbles contribuciones musicales de Wolfgang Amadeus Mozart. Siendo un niño prodigio que vivía en Salzburgo, Mozart sobresalió en el piano y el violín y actuó para la realeza europea a una edad muy temprana. Después de un viaje a Viena, Mozart decidió quedarse allí y sumergirse en su cultura musical. Fue aquí donde comenzó a componer sinfonías, conciertos y óperas. Una de sus sinfonías más famosas es No.40, Sol Menor, K. 550. Este trabajo se completó a mediados de 1788 y consistió en cuatro movimientos distintos. Estos movimientos incluyen el Allegro, el Andante, el Menuetto (trío) y el Final.
En las colonias, los colonos fueron expuestos a una experiencia auditiva completamente nueva interpretada por orquestas sinfónicas en grandes y grandiosas salas de conciertos. Nueva York, Boston y Filadelfia eran solo algunas de las grandes ciudades de las colonias del norte que ofrecían una experiencia musical próspera para los ciudadanos. Ranelagh Gardens se abrió en 1766 en la ciudad de Nueva York y se inspiró en los jardines de placer de Londres. Los Jardines Ranelagh ofrecían actuaciones musicales diarias y reuniones de baile. Además, los instrumentos estaban ahora más fácilmente disponibles para su compra por el plebeyo. Los colonos que residían en ciudades más grandes podían comprar un instrumento y todos los accesorios necesarios en su tienda de música local. Se imprimieron y distribuyeron anuncios para promover nuevos instrumentos musicales como la trompa francesa y el hautboy, que fue el predecesor del oboe moderno. Si así lo deseaban, tutores musicales como Charles Love anunciaban sus servicios de instrucción musical como » enseña a los caballeros el violín, el altanero, la flauta alemana y común, el fagot, la trompa francesa, el tenor y la viola de bajo.»
Aunque la Era Clásica de la música de arte occidental se expandió a través de Europa e Inglaterra a audiencias más grandes de clases sociales, la accesibilidad a estas tradiciones musicales populares era mucho menor para aquellos que vivían en las colonias americanas. A pesar del pequeño crecimiento de grandes salas de conciertos en las colonias del norte, no se convirtieron en parte de la cultura musical estadounidense hasta principios del siglo XIX; y, dado que la música no se podía grabar en este momento de la historia, las actuaciones en vivo y los conciertos eran la única forma real de sumergirse en este género de música. Por lo tanto, la música en las colonias se veía muy diferente en el papel de composición que los grandes compositores de las épocas barroca y Clásica. Para muchos, eran canciones interpretadas por uno o unos pocos músicos en tabernas o reuniones con significados más personales las que más escuchaban los plebeyos durante este período.
Los colonos a menudo escribían e interpretaban música que hablaba de su vida cotidiana. Utilizando instrumentos domésticos comunes de este período, como clavicordios, violines y flautas, las pequeñas reuniones permitían compartir música entre amigos y familiares. La música también era una forma para que los colonos mantuvieran vivas y florecientes sus tradiciones y costumbres culturales en el nuevo mundo. Muchas tradiciones musicales sobrevivieron a través de las fiestas culturales. Los colonos holandeses en las colonias, por ejemplo, continuaron celebrando el día de fiesta cristiano, Pinkster, o como los ingleses lo llamaban Whitsunday. Pinkster también fue visto como un día que representaba la llegada de la primavera. La tradición consistía en niños holandeses desfilando por la ciudad para «despertar» la primavera. La gente del pueblo abría sus ventanas y puertas para significar su aceptación de la nueva temporada. Si un hogar no abría sus ventanas y puertas, cantaban la canción «Luilak», que se traduce como perezosos.
A medida que crecían las frustraciones entre las colonias y la Corona, a menudo estos pequeños conciertos incluían música que respondía a las quejas de su público. Las canciones sobre la falta de representación en el Parlamento y la burla de los líderes ingleses se hicieron populares. Un ejemplo de este tipo de música colonial se puede encontrar en la canción » A Taxing We Will Go.»La imposición de la Ley de Sellos de 1765 indignó a los colonos, ya que sentían que estaban recibiendo impuestos sin representación. La letra se centró específicamente en el tema en cuestión, señalando » El poder supremo del Parlamento nuestro propósito ayudó, y se enviaron leyes fiscales al extranjero, a las que los rebeldes resisten resist»
Como la guerra se establecieron a través de las colonias, el papel de la música en la vida cotidiana de los soldados y civiles sólo aumentó. La música fue escuchada de varias maneras por oficiales y hombres de los ejércitos continental y británico. La música era una forma de proporcionar llamadas y órdenes mientras marchaba, en el campamento o en el campo de batalla. Los músicos podían tocar fácilmente los fuertes sonidos de la batalla, proporcionando a las tropas marchas de cadencia e incluso señales tácticas. Los bateristas eran una de las posiciones musicales más importantes que se podían mantener dentro de una banda o unidad militar. Después del alistamiento, se requería que los bateristas aprendieran y memorizaran numerosos rudimentos o ritmos para utilizarlos a lo largo de cada día en el campamento, en la marcha y en la batalla. Uno de los rudimentos más conocidos de la Revolución Americana es «Reveille.»Fue para ser jugado cada día al amanecer para alertar a los soldados a «levantarse y peinar su cabello y limpiar sus manos y la cara y estar preparado para los deberes del día» así como el cese de desafiante por la guardia. Los tambores que sonaban estos rudimentos estaban hechos de un marco de madera y «cabezas» superiores e inferiores hechas de piel de becerro o piel de oveja que luego se extendían sobre el marco. Para crear tensión y ayudar con la afinación, se ataron cuerdas a través de agujeros perforados en el marco de madera. Además, se estiraron de cuatro a seis hebras de catgut o cuero crudo en la parte inferior central de la cabeza del tambor para crear trampas. Sin embargo, los tambores no eran el único sonido importante en el paisaje musical de ambos ejércitos.
El fife también fue un instrumento clave durante la Revolución Americana. Con su capacidad de proyección fuerte, las tropas podían escuchar este instrumento sobre los sonidos de un ejército en la marcha o la cacofonía de la batalla. Una canción popular de la época que destacaba este instrumento era «Yankee Doodle».»Todavía ampliamente conocido hoy en día, ganó su familiaridad en la conciencia musical estadounidense durante la Revolución Americana. Originalmente, esta melodía fue cantada por oficiales militares británicos como una forma de burlarse del triste estado de los colonos y su ejército. Los colonos abrazaron esta burla y les proporcionó un sentido de camaradería y patriotismo. Para sorpresa de muchos oficiales británicos y soldados rasos, los hombres de Washington cambiaron las implicaciones despectivas de esta canción y la usaron como una canción de desafío y orgullo. Por lo tanto, «Yankee Doodle» llegó a ser una canción de aclamación no solo colonial, sino nacional.
En el ejército británico, una canción militar popular que los soldados escucharon durante la Revolución Estadounidense fue «The British Grenadiers».»Una canción de marcha tradicional que se estableció en una melodía que se remonta al siglo XVII, se refiere a un tipo específico de soldado británico conocido como granadero. Este tipo de soldado fue utilizado por el ejército británico a partir de mediados y finales del siglo XVII con una de sus únicas tareas para lanzar granadas al enemigo. El ejército británico siempre eligió a los hombres más grandes con más cuerpo para ser Granaderos. A medida que el tiempo y los avances militares evolucionaron, el uso de granadas se hizo innecesario. Sin embargo, el ejército británico todavía eligió soldados para ser Granaderos. Fue un honor para los soldados ser elegidos para mantener esta posición estimada. La canción fue una forma para que el ejército británico honrara y encapsulara el verdadero patriotismo de todas las tropas británicas.
El período de la Guerra Revolucionaria fue una época definida por inmensos cambios. Una afluencia de inmigración, una población en rápido crecimiento, un cambio en el producto interno bruto y divisiones filosóficas e ideológicas con las leyes y la política de Inglaterra dentro de las colonias son solo algunos de los muchos cambios presenciados por aquellos que vivieron esta época turbulenta. La música durante la era de la Guerra Revolucionaria no fue una excepción cuando se trataba de cambiar. La Época Barroca había terminado y dio paso a la Época Clásica. Las canciones y la música sobre la vida cotidiana de los colonos dieron paso a sus crecientes frustraciones y su estado de ánimo hacia Inglaterra, la independencia y la guerra. Con ese cambio llegaron nuevos paisajes sonoros musicales a medida que los colonos ingresaban al ejército y los ejércitos británicos ocupaban y se movían a través de vastas secciones de las colonias. La música y los músicos militares entraron así en la escena musical colonial. La confluencia de todo este cambio social y cultural generó un nuevo, rico y diverso paisaje musical que continuó solidificándose a medida que la guerra dio a luz a una nueva nación, y con ella, piezas de música que siguen siendo populares hasta hoy.
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