med en befolkning på næsten 1,5 millioner og voksende ekspanderede De Tretten Kolonier hurtigt i slutningen af 1750 ‘ erne. den industrielle Revolution var i gang, og en tilstrømning af indvandrere fra Irland, Skotland, Italien og England gav masser af arbejdere til at udfylde det voksende antal produktionsjob. Da flere områder af kolonierne flyttede væk fra deres landbrugsrødder, deres afhængighed af fremstillede varer fra Det britiske imperium aftog. Samtidig var der et skift i den indenlandske produktion i kolonierne, der var også en ideologisk, et ønske om uafhængighed fra det tyranniske moderland. Da England indførte skatter som f.eks Frimærkeloven af 1765, det Byhend retsakter af 1767og Tea Act af 1773, det gjorde også kolonisternes vrede. På denne baggrund var et rigt og mangfoldigt musikalsk landskab sammensat af påvirkninger fra adskillige lande og traditioner. Og da de enkelte kolonier bevægede sig mod et enestående land, gjorde det også et unikt amerikansk lydbillede.
denne periode med enorm forandring i kolonierne blev også set i musikverdenen. I vestlig kunstmusik nærmede barokperioden, der varede fra cirka 1600-1750, sin afslutning. Kendt for berømte komponister som Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, og George Frideric Handel, disse komponister var mesterlige skabere af melodiske linjer, detaljeret dekoration deraf, og adskillige stykker til kammerensembler. Af disse var det Bach, der var forløberen for sin Tid i barok komposition. Kendt for sine solo suiter og orgelværker, Bachs repertoire strakte sig over både det hellige og det verdslige. Et af Bachs mest berømte værker er Toccata og Fuga i D-mol, BVV 565, skrevet til orgel. Kræver en høj kaliber performer, har stykkets åbning melodiske linjer fast i lytterens ører i generationer. Den Toccata udforsker den brede vifte af orgel, der kræver performer til at udforske de langt oktaver af instrumentet med stor præcision og musikalitet. Fugue-sektionen består af fire stemmer og er skrevet udelukkende i sekstende noter. Den konstante bevægelse af alle fire dele og solo pedal linje, der er indført giver en skarp kontrast til åbningen del af dette arbejde. Bachs værker, herunder hans Toccata og Fugue I d-mol, har stået tidstesten og betragtes stadig som nogle af de mest væsentlige kompositioner i denne musikalske tidsperiode. Uden tvivl ville hans værker stadig være blevet spillet og hørt både i kolonierne og i Europa under selve krigen.
men musikken af Bach betød en ældre æra af kompositoriske klange og teknikker. Da koncertsale blev mere populære over hele verden, var der et naturligt skift i den type musik, der kunne udføres i denne nye indstilling. Da de fleste barokmusik oprindeligt blev komponeret til hellige formål såvel som små sociale sammenkomster, havde en ny æra af musikere og komponister nu brug for at nå det sociale publikum, der hjalp Musik i tidsperioden med at blive en seriøs kunstform. Derudover ændrede selve sammensætningen af ensemblerne, der udførte disse værker. Flere instrumenter blev tilføjet til partiturerne, såsom klarinetter, fagotter og yderligere messinginstrumenter som trombone (sackbut). Den klassiske periode blev født, og med den, national stolthed i at fremme og fremme indfødte musikere og komponister og mere tilgængelighed af den almindelige.
nogle af de mange komponister i den klassiske periode var Ulvgang Amadeus, Ludvig van Beethoven og Joseph Haydn. Disse Mænd, sammen med utallige andre komponister og musikere, var musikalske genier, der banede vejen i den nye genre af symfonisk komposition. Symfonier, udvidede musikværker, der er hjemmehørende i vestlig kunstmusik, er normalt skrevet til et stort orkester. Orkestre i denne periode bestod af en streng sektion, træblæser sektion, messing sektion, og en percussion sektion. I alt kunne et orkester variere fra cirka 30 til over 100 musikere. Dette var en drastisk ændring fra den typiske kammermusikindstilling, der var så populær i barokperioden. Alle symfonier er sammensat af flere bevægelser, normalt fire, der varierer meget i stil og tempo. Oftest er den første sats komponeret i sonate eller allegro form, den anden sats i et langsommere tempo, den tredje sats i stil med dans (minuet eller scherso), og endelig den fjerde sats en rondo eller en allegro. Det skal dog bemærkes, at der var mange variationer på de ovennævnte former, som gjorde det muligt for komponister at udtrykke deres kreativitet.
af de mange bemærkelsesværdige i perioden skal det korte liv og utrolige musikalske bidrag fra Ulvgang Amadeus Mosart fremhæves. Som et lille vidunderbarn, der boede i Salsburg, udmærkede han sig ved klaver og violin og optrådte for europæisk royalty i en meget ung alder. Efter en tur til Danmark valgte han at blive der og fordybe sig i sin musikalske kultur. Det var her, han begyndte at komponere symfonier, koncerter og operaer. En af hans mest berømte symfonier er No. 40, G Minor, K. 550. Dette arbejde blev afsluttet i midten af 1788 og bestod af fire forskellige bevægelser. Disse bevægelser inkluderer Allegro, Andante, Menuetto (trio) og Finale.
i kolonierne blev kolonisterne udsat for en helt ny lytteoplevelse udført af symfoniske orkestre i store, grandiose koncertsale. Boston og Philadelphia var blot nogle få store byer blandt de nordlige kolonier, der tilbød en blomstrende musikalsk oplevelse for borgerne. Ranelagh Gardens blev åbnet i 1766 og blev mønstret efter Londons pleasure gardens. Ranelagh Gardens tilbød daglige musikalske forestillinger og dansesamlinger. Desuden var instrumenter nu lettere tilgængelige for køb af den almindelige. Kolonister, der boede i større byer, kunne købe et instrument og alt nødvendigt tilbehør i deres lokale musikbutik. Reklamer blev trykt og distribueret for at promovere nye musikinstrumenter som f.eks fransk horn og hautboy, som var forgængeren til den moderne obo. Hvis de ønskede det, musikalske vejledere som Charles Love annoncerede sine musikalske instruktionstjenester som “lærer herrer violin, hautboy, tysk og almindelig fløjte, fagot, fransk horn, tenor og basviol.”
selvom den klassiske æra med vestlig kunstmusik udvidede sig over hele Europa og England til et større publikum af flere sociale klasser, var tilgængeligheden til disse populære musikalske traditioner langt mindre for dem, der bor i de amerikanske kolonier. På trods af den lille vækst i store koncertsale i de nordlige kolonier blev de ikke en del af amerikansk musikkultur før begyndelsen af det nittende århundrede; og da musik ikke kunne optages på dette tidspunkt i historien, var liveoptræden og koncerter den eneste rigtige måde at blive nedsænket i denne musikgenre. Således så Musik i kolonierne meget anderledes ud på kompositionspapir end de store komponister i barokken og de klassiske epoker. For mange var det sange udført af en eller et par musikere på taverner eller sammenkomster med mere personlige betydninger, der blev hørt mest af den almindelige i denne periode.
kolonister skrev og udførte ofte musik, der talte til deres daglige liv. Ved hjælp af almindelige husholdningsinstrumenter i denne periode som cembalo, violiner og fløjter tillod små sammenkomster deling af musik blandt venner og familie. Musik var også en måde for kolonister at holde deres kulturelle traditioner og skikke i LIVE og trives i den nye verden. Mange musikalske traditioner levede videre gennem kulturelle helligdage. Hollandske bosættere i kolonierne fortsatte for eksempel med at fejre den kristne festdag, Pinkster, eller som englænderne kaldte det Pinsedag. Pinkster blev også betragtet som en dag, der repræsenterede det kommende forår. Traditionen bestod af hollandske børn, der paraderede rundt i byen for at “vække” foråret. Byfolk ville åbne deres vinduer og døre for at betegne deres accept af den nye sæson. Hvis en husstand ikke åbnede deres vinduer og døre, ville de synge sangen “Luilak”, som oversættes til dovne knogler.
da frustrationerne voksede mellem kolonierne og kronen, omfattede disse små koncerter ofte musik, der talte til deres publikums klager. Sange om manglen på repræsentation i Parlamentet og spottende engelske ledere blev populære. Et eksempel på denne type kolonimusik findes i sangen “en beskatning vi vil gå.”Indførelsen af Frimærkeloven fra 1765 oprørte kolonisterne, da de følte, at de modtog “beskatning uden repræsentation.”Teksterne fokuserede specifikt på det aktuelle emne og bemærkede “Parlamentets øverste magt, vores formål gjorde asist, og der blev sendt beskatningslove i udlandet, som oprørerne modstår….”
da krigen slog sig over kolonierne, steg musikens rolle i soldaternes og civils dagligdag kun. Musik blev hørt på flere måder af både officerer og mænd fra de kontinentale og britiske hære. Musik var en måde at give opkald og kommandoer på i Marts, i lejren eller på slagmarken. Musikere kunne nemt spille over de høje lyde af kamp, der giver tropper kadence marcherende og endda taktisk signalering. Trommeslagere var en af de vigtigste musikalske positioner, der kunne holdes inden for et militærband eller en enhed. Efter tilmelding blev trommeslagere forpligtet til at lære og huske adskillige rudimenter eller beats, der skulle bruges hele dagen i lejren, mens de var i marts og i kamp. En af de mest kendte rudimenter fra den amerikanske Revolution er “Reveille.”Det skulle spilles hver dag ved daggry for at advare soldaterne om at “rejse sig og kæmme hans hår og rense hans hænder og ansigt og være klar til dagens pligter” såvel som ophør med at udfordre af vagten. Tromlerne, der lød disse rudimenter, var lavet af en træramme og øverste og nederste “hoveder” lavet af kalveskind eller fåreskind, som derefter blev strakt over rammen. For at skabe spænding og for at hjælpe med tuning blev reb snoet gennem huller boret ind i trærammen. Derudover blev fire til seks tråde af catgut eller råhud strakt over bunden af tromlehovedet for at skabe Snarer. Trommer var dog ikke den eneste vigtige lyd i det musikalske landskab inden for begge hære.
fife var også et nøgleinstrument under den amerikanske Revolution. Med sine høje projekteringsfunktioner var tropperne i stand til at høre dette instrument over lyden af en hær på Marchen eller kampens kakofoni. En populær sang fra den æra, der fremtrædende fremhævede dette instrument, var “Yankee Doodle.”Stadig kendt i dag, fik den sin fortrolighed i den amerikanske musikalske bevidsthed under den amerikanske Revolution. Oprindeligt blev denne melodi sunget af britiske militærofficerer som en måde at spotte kolonisternes triste tilstand og deres hær på. Kolonisterne omfavnede denne hån, og det gav dem en følelse af kammeratskab og patriotisme. Til overraskelse for mange britiske officerer og hvervede mænd vendte USAs mænd de nedsættende implikationer af denne sang rundt og brugte den som en sang af Trods og stolthed. Således steg” Yankee Doodle ” til at være en sang om ikke kun kolonial, men national anerkendelse.
i den britiske hær var en populær militærsang, som soldater hørte under den amerikanske Revolution, “De Britiske Grenadier.”En traditionel marcherende sang, der blev sat til en melodi, der går tilbage til det syttende århundrede, henviser til en bestemt type britisk soldat kendt som en grenadier. Denne type soldat blev brugt af den britiske hær begyndende i midten til slutningen af det syttende århundrede med en af deres eneste opgaver at kaste granater mod fjenden. Den britiske hær valgte altid de største mest dygtige Mænd til at være Grenadier. Efterhånden som tiden og militære fremskridt udviklede sig, blev brugen af granater unødvendig. Den britiske hær valgte dog stadig soldater til at være Grenadier. Det var en ære for soldater at blive valgt til at opretholde denne værdsatte position. Sangen var en måde for den britiske hær at ære og indkapsle den sande patriotisme for alle britiske tropper.
Revolutionskrigsperioden var en æra defineret af enorm forandring. En tilstrømning af indvandring, en hurtigt voksende befolkning, et skift i bruttonationalprodukter og filosofiske og ideologiske splittelser med Englands love og politik inden for kolonierne er kun nogle af de mange ændringer, der er vidne til dem, der levede gennem denne turbulente tid. Musik under Revolutionskrigen var ingen undtagelse, når det kom til forandring. Den barokke æra var afsluttet og gav plads til den klassiske æra. Sange og musik om kolonistens daglige liv gav plads til at afspejle deres voksende frustrationer og humør over for England, uafhængighed og krig. Med denne ændring kom nye musikalske lydlandskaber, da kolonister kom ind i hæren, og britiske hære besatte og bevægede sig gennem store dele af kolonierne selv. Militærmusik og musikere kom således ind i den koloniale musikalske scene. Sammenløbet af al denne sociale og kulturelle forandring skabte et nyt, rig, og forskelligartet musikalsk landskab, der fortsatte med at størkne, da krigen fødte en ny nation, og med det, musikstykker, der forbliver populære indtil i dag.
yderligere læsning
-
historien om moderne musik af: J. Peter Burkholder, Donald J. Groutog Claude V. Palisca
-
musik fra borgerkrigen af: Steven H. Cornelius
-
Amerikas musikalske liv af: Richard Langford