Once Upon a Time in China
Il film di kick-avviato cinema di Hong Kong del kung-fu rinascimento e lanciato Jet Li verso un futuro di incaglio western film d’azione. Il suo soggetto era già ben noto al pubblico locale: Wong Fei-hung era una persona reale: un maestro di arti marziali e guaritore di fine secolo che è diventato qualcosa di un eroe popolare. Come Sherlock Holmes o Robin Hood, era stato ritratto molte volte prima. Jackie Chan lo ha interpretato in Drunken Master, e una lunga serie di film Wong Fei-hung durante gli anni ’50 e’ 60 ha dato ruoli ai padri di Bruce Lee e Yuen Wo-ping, tra molti altri.
Trasposto a 1990 Hong Kong, con il passaggio di consegne dalla sovranità britannica alla cinese all’orizzonte, questa storia di un ribelle cinese che combatte opprimenti poteri colonialisti ha avuto risonanza in più. I suoi cattivi britannici e americani sono cartoonishly demonizzato, e la trama è spesso contorto fino al punto di impenetrabilità, certo, ma ciò che questo film fornisce principalmente è abbagliante, colorato, cinetica, epico, pre-CGI spettacolo. Il regista Tsui Hark, istruito sia negli Stati Uniti che a Hong Kong, riempie lo schermo di movimento ed energia. Le scene di combattimento assistite da fili-coreografate da Yuen Wo – ping, inevitabilmente-sono ingegnosamente messe in scena. La realtà legata alla terra è lasciata molto indietro.
E Li è semplicemente incredibile. Ha gravitas come attore, ma quando è in azione, prende davvero un po ‘ di botte. Fa tutto: combattendo con mani, piedi, bastoni, pali, ombrelli. Uccide un cattivo con un proiettile-senza usare una pistola. Ma Li è anche una ginnasta, piroettando e facendo capriole sullo schermo con l’agilità di un gatto. È sicuramente l’artista marziale più aggraziato là fuori. Queste abilità vengono a sopportare in un duello finale giubilante atletico, che si svolge in un magazzino comodamente pieno di scale di bambù. È una delle sequenze più celebrate nei film di arti marziali, e ti lascia volere di più, di cui c’è abbondanza: hanno fatto quattro sequel nei prossimi due anni. Steve Rose
Yojimibo
Akira Kurosawa ha attinto a fonti pulp americane per la trama di Yojimbo, principalmente il western hollywoodiano ma anche il melodramma di Dashiell Hammett The Dain Curse. Qui un samurai solitario, probabilmente caduto in disgrazia, certamente affamato (Toshiro Mifune, il Lupo dell’imperatore di Kurosawa) vaga in una città in cui due fazioni sono in eterno conflitto, fissandosi l’un l’altro dal loro quartier generale corrispondente sui lati opposti dell’ampia strada principale della città, simile a quella occidentale. Dal momento che ogni fazione manca di un guerriero distinto con il cui aiuto potrebbero far pendere l’equilibrio del potere a loro favore, ognuno di loro vuole male il nuovo arrivato dalla propria parte, qualcosa che il samurai capisce in pochi istanti, e sfrutta tutto il film.
Mentre i giochi di potere si svolgono alla loro conclusione nichilista e soffocata dal cadavere, Kurosawa dimostra una padronanza del suo mezzo in quasi ogni fotogramma. Il suo senso di relazioni spaziali è senza paragoni: pannelli nelle pareti interne scivolano via per rivelare interi paesaggi esterni di strada e scene di folla perfettamente incorniciate all’interno della nuova cornice più piccola. Conversazioni intime si svolgono come una schermaglia turbolenta infuria nel profondo sfondo centro-schermo, tra i volti dei parlanti in primo piano. E che facce! Dal guerriero idiota con l’unibrow a forma di M e il gigante che brandisce un enorme martello al volto sempre più malconcio di Mifune, sardonico, cinico e sempre provocatorio, ogni singolo volto è allo stesso tempo un paesaggio e un poema epico a sé.
Insieme a tutto ciò che arriva la furiosa energia visiva di Kurosawa, la sua virtuosa coreografia di macchina fotografica in movimento e corpi di uomini in guerra; e il suo talento per aggiungere strati arricchenti di movimento cinetico ed elementare – pioggia che cade, foglie o fumo che soffia nei venti incessanti-alla violenza già in gioco. Yojimbo ha portato all’italiano Un pugno di dollari, che nel tempo ha completamente rifatto il western americano, completando un cerchio di scambio culturale internazionale che prefigura un dare e avere tra i registi internazionali che oggi diamo per scontato. John Patterson
Un Tocco di Zen
Abbiamo Un Tocco di Zen ringraziare per Harvey Weinstein interesse del cinema Asiatico; e ‘ stato dopo Quentin Tarantino proiettato King Hu 1971 wuxia che il magnate ha iniziato un controverso spesa folle in oriente che ha portato alla sua attuale e controversa, con il coinvolgimento di Bong Joon-ho Snowpiercer. Non è difficile capire perché: Il film di Hu è insolitamente epico per il genere, con una durata di oltre tre ore, e ha fatto la storia del cinema essendo il primo film cinese a vincere un premio a Cannes, perdendo la Palma d’Oro ma portando a casa il premio tecnico.
Un tocco di Zen è più notevole al giorno d’oggi come il modello per la tigre accovacciata di Ang Lee, Hidden Dragon, essendo la storia del 14 ° secolo di un artista, Ku, che incontra una bella donna che vive in una casa fatiscente con la sua anziana madre. Nella vera moda di wuxia, tuttavia, non è tutto ciò che sembra, e così la storia cresce, fino a quando Ku si rende conto di essere nel bel mezzo di una grande guerra dinastica tra fazioni rivali. E mentre la storia si sviluppa-assorbendo senza sforzo elementi di commedia e romanticismo – così fa lo spettacolo, aumentando in scala e portata in modi che sarebbero inimmaginabili oggi.
Sono queste sequenze di combattimento che hanno resistito, e sebbene wuxia sia caduto brevemente in disgrazia poco dopo, è facile vedere l’influenza di Hu sui film di arti marziali di successo degli ultimi anni. Più che una tigre accovacciata, Un tocco di Zen getta una lunga ombra sui film del regista cinese Zhang Yimou, la cui House Of Flying Daggers fa riferimento direttamente al film di Hu nella sua sequenza bravura bamboo forest. Ma è il senso impassibile del grande di Hu che mantiene fresco questo film sorprendente, con i suoi temi di giustizia e nobiltà, girato con una strana spiritualità che guadagna il titolo del film in una sequenza che coinvolge un branco di monaci buddisti che rimbalzano e calciano. Damon Wise
Il Raid
Come un thriller di arti marziali senza fiato e brutale girato a Giacarta e diretto da un gallese, Il Raid sarebbe già stato degno di nota. Che sia un film di precisione e inventiva, prendendo sequenze di combattimento nel regno dell’orrore, la commedia slapstick, anche il musical, garantisce il suo posto nella storia del film d’azione. La trama è semplice come la sua coreografia è complicata. Una mattina un’unità di polizia decide di prendere il controllo di una torre di Jakarta che è caduta nelle mani di una banda. Ma non una banda qualsiasi: questa folla ha sistemato il grattacielo con sofisticati sistemi di videosorveglianza e di indirizzo pubblico monitorati da una sala di controllo all’ultimo piano. Il signore della banda, che presiede gli schermi a circuito chiuso, trasmette una chiamata ai suoi inquilini: “Abbiamo compagnia. Sai cosa fare.”Non vuol dire mettere il bollitore e rompere aprire le creme crema.
In assenza di molti dialoghi, le armi fanno parlare: pistole, coltelli, spade, martelli. Un uomo riceve un’ascia alla spalla, che viene poi utilizzata per tirarlo attraverso la stanza. Un frigorifero funge anche da bomba. Il membro più feroce della banda, Mad Dog (Yayan Ruhian, che è stato anche uno dei coreografi di lotta del film), funge da portavoce per la filosofia del film. Mettendo da parte le sue armi da fuoco, spiega: “Usare una pistola è come ordinare da asporto.”Se questo è il caso, Mad Dog meriterebbe un pugno di stelle Michelin.
Alcune delle sequenze di combattimento sono racchiuse claustrofobicamente nei corridoi dove l’unica opzione è usare le pareti come trampolini, in stile Donald O’Connor. Altri, come un polverone in un laboratorio di droga, si espandono come numeri di danza. Il primo risultato di Evans è stato quello di fare un’avventura berserk caratterizzata da chiarezza. In contrasto con la maggior parte del cinema d’azione, la frenesia deriva dagli interpreti piuttosto che dal montaggio; non importa quanto le cose frenetiche diventino, non perdiamo mai di vista chi sta tagliando il karate alla trachea di chi. Ryan Gilbey
Ong-Bak
Mani e piedi sono una cosa nelle arti marziali; gomiti e ginocchia sono un’altra. E dopo aver visto questo showreel di Muay Thai, avresti messo i soldi su Tony Jaa contro qualsiasi altro combattente dello schermo. Anche nelle scene in cui Jaa non sta combattendo nessuno, semplicemente passando attraverso alcune mosse, è incredibilmente formidabile.
Ong Bak come film è abbastanza semplice: i cattivi della città rubano la testa di Buddha di un villaggio; un umile contadino va a riprenderla, schiacciando individualmente ogni avversario a mani nude nel processo. Questo è tutto ciò di cui ha bisogno. Il primo obiettivo di Ong Bak è dire: “Riesci a credere a questo ragazzo?”e con la nota aggiunta che non sono stati utilizzati effetti speciali o doppi acrobatici, più che realizzarlo. In lotta dopo lotta, Jaa scatena mosse che ti lasciano pensare, “Questo deve ferire”, se non “Che richiederà una grande ricostruzione cranica”. Nessuna presa è bloccata e pochi pugni sono tirati, ma piuttosto che la violenza bruta, sei rimasto meravigliato dalla velocità, dalla tecnica e dalla soglia del dolore di Jaa. I combattimenti sono abilmente messi in scena, in particolare un esilarante, tre round barroom rissa che non lascia alcun avversario o pezzo di mobili in piedi.
Jaa mostra la sua abilità fisica anche in altri modi, da una gara di arrampicata sugli alberi di apertura a un inseguimento di strada di Bangkok che lo manda lungo un esilarante corso d’assalto di tavoli da caffè, bancarelle, bambini, auto, camion, lastre di vetro e cerchi di filo spinato. È quasi troppo per credere, e Ong Bak riconosce la nostra incredulità riavvolgendo spesso l’azione per mostrarci le mosse di Jaa al rallentatore, come per dire: “Vuoi vederlo di nuovo?”. Noi sì. SR
La matrice
Cocteau immaginò lo specchio come una porta verso un altro mondo nel suo film del 1930 The Blood of a Poet, ed è una testimonianza della durata di questa immagine che quando si presentò di nuovo in Matrix, non aveva perso nulla del suo fascino. Il film cancella un ulteriore debito nella sua trama, che propone che ciò che percepiamo come realtà è in realtà una facciata cosmetica costruita per nascondere una terribile verità sulla nostra esistenza. Neo, un boffin del computer interpretato da Keanu Reeves, è selezionato per sopportare il peso dell’illuminazione. L’assenza di Reeves nella parte è perfetta, soprattutto perché Neo è tenuto a mostrare solo quelle abilità e qualità che vengono scaricate nel suo cervello. Richiesto per padroneggiare jujitsu, viene semplicemente installato con il relativo programma per computer. In pochissimo tempo, sta tirando fuori quei trucchi dai film di arti marziali degli anni ‘ 70, in cui un uomo può lanciarsi in un calcio volante e in qualche modo riuscire a preparare un cocktail, leggere un romanzo breve e compilare la sua dichiarazione dei redditi, il tutto prima che i suoi piedi tocchino terra.
Il concetto Cocteau-esque del film è sfruttato per alcune paranoie in stile X-Files, ma è l’abbagliante lavoro di arti marziali che dà al film il suo ascensore speciale. I registi, i fratelli Wachowski, avevano già idee al di sopra della loro stazione quando hanno inventato The Matrix (il loro unico film precedente, dopotutto, era il thriller sudato e claustrofobico Bound). E ‘ stato il coreografo di arti marziali Yuen Woo-ping che li ha aiutati a raggiungere il livello successivo.
Le sequenze di combattimento del film forniscono la sua più pura fonte di piacere per una serie di motivi. In primo luogo, la violenza non viene con sfumature redentive; si gioca per il brivido della coreografia, non l’anticipazione di lesioni o giustizia. La morte è irriverente, ma non fornisce alcun calcio morale. In secondo luogo, il film ha introdotto uno strano nuovo effetto, molto copiato o parodiato poiché in tutto, da Charlie’s Angels a Shrek: un personaggio si blocca a mezz’aria mentre la fotocamera circonda il tableau come un computer immaginando una rappresentazione 3D di un’immagine 2D. Quando la telecamera ha completato il suo movimento, il movimento fisico della scena riprende. Improvvisamente il vocabolario monotono del film d’azione è stato esteso davanti ai nostri occhi increduli. RG
House of Flying Daggers
Guarda i primi 20 minuti di House of Flying Daggers e non è difficile capire perché il Cinese raccolse il suo direttore, di Zhang Yimou, per diretta la cerimonia di apertura delle Olimpiadi di Pechino. Anche se l’azione si svolge all’interno di una sala d’attesa di bordello di dimensioni ragionevoli invece di uno stadio, ci sono tutti gli elementi che Zhang avrebbe moltiplicato a migliaia nel 2008: musica tradizionale cinese, balli, fasce di stoffa di seta dai colori vivaci, batteristi e, naturalmente, arti marziali. Si fa per un magnifico spettacolo che è imposta una barra alta per il resto del film. Fortunatamente, c’è più abbagliamento a venire in questo follow-up al primo film di Zhang wuxia, Hero. La maledizione del fiore d’oro del 2006 di Zhang ha concluso la trilogia, ma per molti i Pugnali volanti romantici, operistici ma soddisfacentemente compatti rappresentano il meglio dei tre.
Ambientato durante la dinastia Tang, due capitani di polizia, Leo (Andy Lau, meglio conosciuto per la trilogia degli Affari Infernali tematicamente non dissimili) e Jin (hunky Takeshi Kaneshiro) sono alla ricerca del capo dei Pugnali Volanti, un gruppo di controinsurgenza. Sospettano che la cortigiana cieca Mei (Zhang Ziyi) possa essere un membro segreto dei Pugnali, così Jin, fingendosi un cittadino, la fa uscire di prigione e va in fuga con lei, inseguita da Leo e da numerosi ufficiali sacrificabili. L’amore sembra fiorire tra Jin e Mei, ma nessuno e niente sono come sembrano qui. Sebbene i combattimenti siano terribilmente coreografati da Tony Ching Siu-tung, in particolare un inseguimento nella foresta di bambù che supera la tigre accovacciata, il drago nascosto e una mano-a-mano finale nella neve – giudicata contro altri classici film di arti marziali, Daggers è in realtà un po ‘ di luce sulle scene di combattimento. In effetti, il combattimento è così rigorosamente stilizzato che è più come ballare con i coltelli. Non importa: la storia d’amore può essere quasi schematica come l’uso rigoroso del colore del film, eppure la recitazione è così potente dal trio centrale che una profonda profondità emotiva viene creata apparentemente dal nulla. Leslie Felperin
Police Story
anche se era evidente al momento, adesso sembra strano che Jackie Chan è stato originariamente curato da almeno uno di Hong Kong il produttore come successore di Bruce Lee, agile maestro di arti marziali il cui stile è stato quasi ridicolmente grave nella sua grim-di fronte intensità. Dopo alcuni provini nel genere, tuttavia, Chan ha preso le cose in un percorso molto più comico, ma non meno atletico, motivo per cui, dopo essere uscito nel classico Maestro ubriaco di Yuen Woo-ping, l’ex stuntman si è trovato a Hollywood, aggiungendo un leggero sollievo alla corsa di Cannonball nel 1981.
Chan carriera a Hollywood, però, non pan fuori, e dopo una delusione, nel 1985, con Protettore – una collaborazione con il neo-grindhouse il regista James Glickenhaus, forse non la più sympatico di tutti i possibili talenti – Chan tornato a Hong Kong per prendere la situazione nelle proprie mani, regia e cowriting Police Story, in cui interpreta un poliziotto caduto in disgrazia che è costretto ad andare sotto copertura e cancellare il suo nome dopo essere stata incorniciata dai baroni della droga.
Facendo una confutazione diretta del modo di fare le cose di Hollywood (nella sua mente, sciatta e senza cuore), Chan ha dato la priorità ai combattimenti e allo stuntwork, usando gli elementi del genere per lo più come riempitivo. Rifiutando di usare un doppio corpo per ogni scena (bar one che coinvolgeva una moto), Chan iniziò a guadagnarsi la sua reputazione come una star d’azione senza paura e pionieristica. Solo in questo film, è stato ricoverato con commozione cerebrale, ha subito gravi ustioni, lussato il bacino ed è stato quasi paralizzato da una vertebra frantumata. Il film risultante è stato un grande successo e ha generato cinque sequel forti. Visto ora, sembra notevolmente dritto dato quello che doveva seguire – la serie di cartoni animati Rush Hour-anche se Chan certamente deve aver apprezzato l’ironia di essere abbracciato da Hollywood per un film che è, essenzialmente, una critica di tutto ciò che stava facendo male. DW
Tigre accovacciata, Drago nascosto
Perché il film di Ang Lee Tigre accovacciata, Drago nascosto è un’esperienza così sublime? Forse perché ogni osso del tuo corpo ti dice che non dovrebbe funzionare. È un film d’azione tranquillo. Chi ne ha sentito parlare? Ed è una storia d’amore con un calcio: un calcio di kung-fu. Inizia con il furto di una spada leggendaria, il Destino Verde. Mentre la spada viene rubata, la telecamera prende il volo insieme al ladro, per il quale la gravità è un indumento limitante da scartare in un momento di preavviso. Il guerriero Yu Shu Lien (Michelle Yeoh) dà la caccia, saltando allegramente sui tetti che brillano d’argento al chiaro di luna. Quando la ricerca lascia il posto al combattimento, il libro delle regole del cinema d’azione non solo viene scartato ma tagliato a nastri. Per gli spettatori troppo giovani da ricordare, lo shock di vedere un Sam Peckinpah sparare indietro quando il rallentatore era un’innovazione piuttosto che un brutto virus, quindi la vista di questi guerrieri che levitano con calma ad altezze che inducono sangue dal naso fornirà qualcosa di quello stesso scossone liberatorio.
Le schermaglie a mezz’aria dei film di arti marziali furono portate al pubblico mainstream da The Matrix, e Lee arruolò il coreografo di quel film, Yuen Woo-ping (che in seguito lavorò a Kill Bill e Kung Fu Hustle), per prendere questo stile ancora più lontano. Le routine di combattimento risultanti evocano ginnastica olimpica, break dance e quei cartoni animati punch-up in cui uno degli arti del diavolo della Tasmania emergerebbe brevemente dall’interno di un ciclone frenetico. E se Yu occasionalmente calpesta il piede del suo avversario, non sta combattendo sporco – è solo l’unico modo per garantire che la battaglia rimanga a livello del suolo.
Per tutta la finezza della coreografia, le sequenze d’azione sarebbero superficiali senza il peso emotivo che Lee apporta all’immagine, in particolare nella tenerezza in gran parte non detta tra Yu e il suo compagno guerriero Li Mu Bai (Chow Yun Fat). Come regista non distingue tra il modo in cui spara tenerezza e violenza. Nelle sue mani, una scena d’amore può diventare brutale, con il sangue di un uomo che forma una forchetta sul seno del suo amante mentre si abbracciano, mentre una lotta tra avversari sulle cime degli alberi della foresta, con i rami elastici che raddoppiano come nidi, catapulte, pioli e corde bungee, raggiunge una sensuale serenità. RG
Inserisci il Drago
I puristi di Bruce Lee possono o non possono essere d’accordo che Enter the Dragon è il suo più grande film. Ma questo è quello che è passato nella leggenda: era il colossale successo al botteghino del 1973 e il film più famoso di quella superstar delle arti marziali senza rivali che era morta l’estate prima della sua uscita di una reazione cerebrale agli antidolorifici. Ha condiviso con James Dean la triste distinzione di apparire postumo nella sua foto più famosa. Dopo una carriera da bambino star nel cinema di Hong Kong – quasi il Macaulay Culkin del suo tempo – e un incantesimo in TV The Green Hornet, Lee esplose in immagini d’azione che erano semplicemente così popolari e redditizie che la Warner Brothers accettò di fare Enter the Dragon, con Lee come star e coproduttore: Il primo film di arti marziali di Hollywood. Robert Clouse diretto, e la sceneggiatura era di Michael Allin, che ha scritto il film di Isaac Hayes Truck Turner. Lalo Schifrin ha composto la musica.
Bruce Lee era dotato di straordinaria grazia fisica, equilibrio balletico, velocità letale e potenza esplosiva. Era un maestro di kung fu, judo e karate, ed è considerato il padrino spirituale della scena di arti marziali miste di oggi. Non era un grande uomo, e quindi la sua presenza era meglio catturata dall’obiettivo della fotocamera. Inoltre, aveva un viso delicatamente bello, quasi da ragazzo e aveva un fascino e una fluidità verbale mentre esponeva le sue teorie zen sul combattimento nelle interviste, qualcosa di più simile alla filosofia motivazionale dinamica di qualsiasi cliché di fortune-cookie. Lee aveva una presenza e un carisma paragonabili a Muhammad Ali, e forse non è mai stato meglio catturato che in Enter the Dragon. Forse solo Jackie Chan ora lo rivaleggia come una star asiatica a Hollywood-e Hollywood non ha mostrato molto interesse nel promuovere un asiatico-americano A-lister dal Enter the Dragon. Lee interpreta un maestro Shaolin che viene reclutato dall’intelligence britannica per entrare in un torneo di arti marziali sotto copertura. Questo evento è gestito da un megalomane sinistro chiamato Han che è sospettato di coinvolgimento nella droga e prostituzione. Lee ha un manzo personale con Han, i cui scagnozzi terrorizzato e ha tentato di violentare la sorella minore di Lee-si è suicidata piuttosto che presentare. Si presenta sull’isola con un paio di combattenti americani: Williams, interpretato da Jim Kelly, fornisce alcuni cred strada albero in stile mentre Roper, interpretato da John Saxon, è un tipo di playboy che è vicino al modello di James Bond. In verità, ovviamente, è Lee stesso che è il James Bond, ma non è un donnaiolo. Bruce Lee ha una purezza e una spiritualità monkish, con un focus simile al laser sull’esposizione di Han e, naturalmente, calci in culo. L’aspetto del film è esotico e stravagante, in particolare la sua resa dei conti ispirata alla sala degli specchi, con Lee che sfoggia le strane, quasi tribali tagli sul suo ombelico. Il suo strano, animale quavering grido e penetrante sguardo sono del tutto unici. Ma ciò che rende Enter the Dragon eclissare il resto è il sereno, quasi innocente idealismo di Lee stesso. Nelle scene iniziali, Lee parla umilmente all’anziano Abate al suo tempio, prende freddamente il tè con il capo dell’intelligence britannica Braithwaite e interrompe la loro conversazione per istruire un adolescente nelle arti marziali. Quando questo giovane testa calda è facilmente battuto in combattimento, Lee gli dice con inimitabile serietà: “Abbiamo bisogno di contenuti emotivi, non di rabbia.”E’ la filosofia di questo classico di arti marziali, e la sua stella unica. Peter Bradshaw
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