Top 10 martial arts movies

Once Upon a Time in China

de film die de aanzet gaf tot de kung-fu renaissance van Hong Kong cinema en Jet Li lanceerde naar een toekomst van ondermaatse westerse actiefilms. Het onderwerp was al goed bekend bij het lokale publiek: Wong Fei-hung was een echt persoon: een rond-van-de-eeuw martial arts meester en genezer die is uitgegroeid tot iets van een volksheld. Zoals Sherlock Holmes Of Robin Hood, hij was al vele malen eerder afgeschilderd. Jackie Chan speelde hem in Drunken Master, en een langlopende Wong Fei-hung filmserie tijdens de jaren 1950 en 60 gaf rollen aan de vaders van Bruce Lee en Yuen Wo-ping, onder vele anderen.Het verhaal van een Chinese rebel die vecht tegen onderdrukkende kolonialistische machten, werd overgebracht naar Hongkong in de jaren 90, met de overdracht van de Britse aan de Chinese soevereiniteit aan de horizon. De Britse en Amerikaanse slechteriken zijn cartoonisch gedemoniseerd en het plot is vaak ingewikkeld tot het punt van ondoordringbaarheid, toegegeven, maar wat deze film vooral biedt is oogverblindend, kleurrijk, kinetisch, episch, pre-CGI spektakel. Regisseur Tsui Hark, geschoold in zowel de VS als Hong Kong, vult het scherm met beweging en energie. De wire-assisted fight scenes – choreografeerd door Yuen Wo-ping, onvermijdelijk-zijn ingenieus geënsceneerd. De Aardgebonden realiteit blijft ver achter.

en Li is gewoon ongelooflijk. Hij heeft lef als acteur, maar als hij in actie is, krijgt hij echt een pak slaag. Hij doet het allemaal: vechten met handen, voeten, stokken, palen, paraplu ‘ s. Hij doodt een slechterik met een kogel, zonder een pistool te gebruiken. Maar Li is ook een turnster, pirouetteren en somersault over het scherm met de behendigheid van een kat. Hij is zeker de meest sierlijke vechtkunstenaar die er is. Die vaardigheden komen tot uiting in een jubelend atletisch slotduel, dat plaatsvindt in een magazijn gunstig vol met bamboe ladders. Het is een van de meest gevierde sequenties in martial arts films, en het laat je willen meer, waarvan er genoeg is: ze maakten vier sequels in de komende twee jaar. Steve Rose

Yojimibo

Akira Kurosawa gebruikte Amerikaanse pulpbronnen voor Yojimbo ’s plot, voornamelijk The Hollywood western maar ook Dashiell Hammett’ s broken-city melodrama The Dain Curse. Hier dwaalt een eenzame, waarschijnlijk in ongenade gevallen, zeker hongerige samoerai (Toshiro Mifune, de Wolf van Kurosawa ‘ s keizer) naar een stad waar twee facties in eeuwig conflict zijn, die elkaar aanstaren vanuit hun bijpassende hoofdkwartier aan weerszijden van de brede, Westelijke hoofdstraat van de stad. Omdat elke factie een onderscheiden krijger mist met wiens hulp ze de machtsverhoudingen in hun voordeel kunnen doen keren, willen ze allemaal graag de nieuwkomer aan hun kant, iets wat de samurai binnen enkele ogenblikken uitvogelt en gedurende de hele film uitbuit.Terwijl de power games hun nihilistische, door lijken verstikte conclusie volgen, demonstreert Kurosawa een meesterschap van zijn medium in bijna elk frame. Zijn gevoel voor ruimtelijke relaties is niet te vergelijken: panelen in binnenmuren glijden weg om hele buitenstraten en publieksscènes te onthullen die perfect zijn ingelijst binnen het kleinere nieuwe frame. Intieme gesprekken vinden plaats als een turbulente schermutseling woedt in de diepe achtergrond Midden-scherm, tussen de gezichten van de sprekers op de voorgrond. En wat een gezichten! Van de debiele strijder met de M-vormige unibrow en de reus met een enorme hamer tot Mifune ‘ s steeds meer gehavende gelaat, sardonisch, cynisch en altijd uitdagend, elk gezicht is tegelijk een landschap en een episch gedicht op zichzelf.Samen met alles wat er komt Kurosawa ’s furieuze visuele energie, zijn virtuoze choreografie van bewegende camera’ s en lichamen van strijdende mannen; en zijn talent voor het toevoegen van verrijkende lagen van kinetische, elementaire beweging-regen vallen, bladeren of rook waait in de niet aflatende winden-aan het geweld al in het spel. Yojimbo leidde tot de Italiaanse A Fistful Of Dollars, die na verloop van tijd volledig remade de Amerikaanse western, het voltooien van een cirkel van internationale culturele uitwisseling die voorafschaduwt een geven-en-nemen onder internationale filmmakers die we vandaag als vanzelfsprekend beschouwen. John Patterson

a Touch of Zen

we have A Touch of Zen to thank for Harvey Weinstein ’s interest in Asian cinema; it was after Quentin Tarantino screened King Hu’ s 1971 Wuxia dat de Mogul begon een controversiële Uitgavenspree in het Oosten die leidde tot zijn huidige controversiële betrokkenheid bij Bong Joon-ho ‘ s Snowpiercer. Het is niet moeilijk te zien waarom: Hu ’s film is ongewoon episch voor het genre, klokt in op meer dan drie uur, en maakte cinema geschiedenis door als de eerste Chinese film die een prijs te winnen in Cannes, het missen van de Palme d’ Or, maar het nemen van de technische prijs mee naar huis.Een vleugje Zen is tegenwoordig het meest opvallend als sjabloon voor Ang Lee ‘ s Crouching Tiger, Hidden Dragon, het 14e-eeuwse verhaal van een kunstenaar, Ku, die een mooie vrouw ontmoet die in een vervallen huis woont met haar oudere moeder. In ware wuxia mode, echter, ze is niet alles wat ze lijkt, en dus het verhaal groeit, totdat Ku beseft dat hij in het midden van een grote dynastieke oorlog tussen rivaliserende facties. En naarmate het verhaal zich ontwikkelt – moeiteloos elementen van komedie en romantiek absorberen – neemt het spektakel ook toe, in omvang en omvang op manieren die vandaag onvoorstelbaar zouden zijn.Het zijn deze vechtscènes die hebben doorstaan, en hoewel wuxia kort daarna uit de gratie raakte, is het gemakkelijk om Hu ‘ s invloed op de hit martial arts films van de afgelopen jaren te zien. Meer nog dan Crouching Tiger, werpt een vleugje Zen een lange schaduw over de films van de Chinese regisseur Zhang Yimou, wiens huis van vliegende dolken direct verwijst naar Hu ‘ s film in zijn bravoera bamboo forest sequentie. Maar het is Hu ’s deadpan gevoel van het grote dat deze verbazingwekkende film fris houdt, met zijn thema’ s van rechtvaardigheid en adel, doorgeschoten met een vreemde spiritualiteit die de film zijn titel verdient in een reeks van stuiterende, kick-ass boeddhistische monniken. Damon Wise

De Raid

als een ademloze en brute martial arts thriller geschoten in Jakarta en geregisseerd door een Welshman, zou de Raid al opmerkelijk zijn geweest. Dat het een film van precisie en inventiviteit, het nemen van vechtscènes in het rijk van horror, slapstick comedy, zelfs de musical, garandeert zijn plaats in actie-film geschiedenis. De plot is zo simpel als de choreografie is ingewikkeld. Een politie-eenheid gaat op een ochtend op pad om de controle over te nemen over een torengebouw in Jakarta dat in handen is gevallen van een bende. Maar niet zomaar een bende: deze maffia heeft de hoogbouw uitgerust met geavanceerde CCTV en publieke omroep systemen bewaakt vanuit een controlekamer op de bovenste verdieping. De bendeleider, die de CCTV-schermen voorzit, roept zijn huurders op: “We hebben gezelschap. Je weet wat je moet doen.”Hij bedoelt niet zet de ketel op en kraak de vla crèmes open.Bij gebrek aan veel dialoog voeren de wapens het woord: geweren, messen, zwaarden, hamers. Een man krijgt een bijl in de schouder, die vervolgens wordt gebruikt om hem door de kamer te rukken. Een koelkast is ook een bom. Het meest gemene lid van de bende, Mad Dog (Yayan Ruhian, die ook diende als een van de vechtchoreografen van de film), fungeert als spreekbuis voor de filosofie van de film. Zijn vuurwapens opzij gooien, legt hij uit: “het gebruik van een pistool is als het bestellen van afhaalmaaltijden.”Als dat het geval is, zou Mad Dog een handvol Michelinsterren verdienen.

sommige vechtscènes zijn claustrofobisch ingesloten in gangen waar de enige optie is om muren te gebruiken als springplanken, Donald O ‘ Connor-stijl. Anderen, zoals een stof-up in een Drugslab, breiden uit als dansnummers. Evans ‘ belangrijkste prestatie is het maken van een berserk avontuur gekenmerkt door duidelijkheid. In tegenstelling tot de meeste actie cinema, de razernij komt voort uit de performers in plaats van de montage; het maakt niet uit hoe razernij dingen krijgen, we nooit uit het oog verliezen wie karate-hakken de luchtpijp van wie. Ryan Gilbey

Ong-Bak

handen en voeten zijn één ding in de vechtsport; ellebogen en knieën zijn iets anders. En na het zien van deze Muay Thai showreel, zet je geld op Tony Jaa tegen elke andere schermvechter. Zelfs in de scènes waar Jaa helemaal niet tegen iemand vecht, gewoon door een paar bewegingen gaat, is hij ontzagwekkend formidabel.Ong Bak als een film is vrij eenvoudig: stad slechteriken stelen een dorp Boeddha hoofd; een nederige boer gaat om het terug te krijgen, individueel verpletteren elke tegenstander met zijn blote handen in het proces. Dat is alles wat het nodig heeft. Ong Bak ’s belangrijkste doel is om te zeggen,” kan je deze man geloven?”en met de toegevoegde opmerking dat er geen speciale effecten of stunt doubles werden gebruikt, het meer dan volbrengt het. In gevecht na gevecht, jaa ontketent bewegingen die laat je denken, “dat moet pijn doen”, zo niet “dat gaat vereisen grote schedelreconstructie”. Geen houvast wordt versperren en weinig stoten worden getrokken, maar in plaats van bruut geweld, blijf je verbazen over jaa ‘ s snelheid, techniek en pijngrens. De gevechten worden vakkundig opgevoerd, met name een opwindende, drie-ronde bar vechtpartij die geen tegenstander of meubelstuk overeind laat.Jaa pronkt ook op andere manieren met zijn fysieke kracht, van een openende boomklimrace tot een achtervolging in Bangkok die hem langs een hilarische aanvalscursus van cafetafels, marktkramen, kinderen, auto ‘ s, vrachtwagens, glasplaten en hoepels prikkeldraad stuurt. Hij is bijna te veel om te geloven, en Ong Bak erkent ons ongeloof door de actie vaak terug te spoelen om ons jaa ’s bewegingen in slow motion te laten zien, alsof hij zegt:” Wil je dat nog eens zien?”. Dat doen we. SR

The Matrix

Cocteau stelde de spiegel voor als een poort naar een andere wereld in zijn film The Blood of a Poet uit 1930, en het is een bewijs van de duurzaamheid van dit beeld dat toen het weer opduikte in de Matrix, het geen van zijn allure had verloren. De film klokt een verdere schuld in zijn plot, die stelt dat wat we waarnemen als realiteit is eigenlijk een cosmetische façade gebouwd om een verschrikkelijke waarheid over ons bestaan te verbergen. Neo, een computer boffin gespeeld door Keanu Reeves, is geselecteerd om de last van verlichting te dragen. Reeves ‘ s leegheid in het deel is perfect, vooral omdat Neo is vereist om alleen die vaardigheden en kwaliteiten die worden gedownload in zijn hersenen weer te geven. Vereist om jujitsu te beheersen, wordt hij eenvoudig geïnstalleerd met het relevante computerprogramma. In een mum van tijd, hij is het trekken van die trucs uit de jaren 1970 martial arts films, waar een man zichzelf kan lanceren in een vliegende trap en een of andere manier erin slagen om een cocktail te bereiden, lees een korte roman en vul zijn belastingaangifte, allemaal voordat zijn voeten raken de grond.Het Cocteau-achtige concept van de film is gebaseerd op een aantal X-Files-achtige paranoia, maar het is het oogverblindende gevechtskunstenwerk dat de film een speciale lift geeft. De regisseurs, de gebroeders Wachowski, hadden al ideeën boven hun stand toen ze met The Matrix kwamen (hun enige vorige film was immers de bezwete, claustrofobische thriller Bound). Het was de martial arts choreograaf Yuen Woo-ping die hen hielp het volgende niveau te bereiken.

de vechtscènes van de film bieden om een aantal redenen haar puurste bron van plezier. Ten eerste, het geweld komt niet met verlossende boventonen; het wordt gespeeld voor de sensatie van de choreografie, niet het anticiperen op letsel of rechtvaardigheid. De dood is oneerbiedig, maar geeft geen morele kick. Ten tweede introduceerde de film een vreemd nieuw effect, veel gekopieerd of geparodieerd sinds in alles van Charlie ‘ s Angels tot Shrek: een personage bevriest in de lucht terwijl de camera rond het tableau cirkelt als een computer die zich een 3D-representatie van een 2D-beeld voorstelt. Wanneer de camera zijn beweging heeft voltooid, hervat de fysieke beweging van de scène. Plotseling is de vocabulaire van de actiefilm uitgebreid voor onze ongelovige ogen. RG

House of Flying Daggers

bekijk de opening 20 minuten van House of Flying Daggers en het is niet moeilijk te zien waarom de Chinezen de regisseur Zhang Yimou kozen om de openingsceremonie van de Beijing te leiden Olympische Spelen. Hoewel de actie zich ontvouwt binnen een redelijk grote bordeel wachtkamer in plaats van een stadion, zijn er alle elementen die Zhang zou vermenigvuldigen met de duizenden in 2008: traditionele Chinese muziek, Dansen, stukken felgekleurde zijden doek, drummers en, natuurlijk, martial arts. Het zorgt voor een prachtig spektakel dat een hoge lat legt voor de rest van de film. Gelukkig is er meer oogverblindende te komen in deze follow-up van Zhang ‘ s eerste wuxia film, Hero. Zhang ‘ s 2006 Curse of the Golden Flower sloot de trilogie af, maar voor velen vertegenwoordigt de romantische, opera-maar tevreden compacte vliegende dolken het beste van de drie.Tijdens de Tang dynastie zijn twee politie captains, Leo (Andy Lau, vooral bekend van de thematisch-niet-ongelijksoortige Infernal Affairs trilogie) en Jin (hunky Takeshi Kaneshiro) op zoek naar de leider van de Flying Daggers, een counterinsurgency groep. Ze vermoeden dat de blinde courtisane Mei (Zhang Ziyi) een geheim lid is van de dolken, dus Jin, die zich voordoet als burger, haalt haar uit de gevangenis en gaat op de vlucht met haar, achtervolgd door Leo en talloze vervangbare officieren. Liefde lijkt te bloeien tussen Jin en Mei, maar niemand en niets zijn zoals ze hier lijken. Hoewel de gevechten vreselijk worden gechoreografeerd door Tony Ching Siu-tung – vooral een bamboebos jacht die Crouching Tiger, Hidden Dragon en een laatste mano-a-mano in de sneeuw tops-beoordeeld tegen andere klassieke martial arts films, Daggers is eigenlijk een beetje licht op gevechtsscènes. Inderdaad, het vechten is zo strak gestileerd dat het meer is als dansen met messen. Het maakt niet uit: het liefdesverhaal kan bijna net zo schematisch zijn als het rigoureuze kleurgebruik van de film, maar het acteren is zo krachtig vanuit het kerntrio dat diepe emotionele diepte schijnbaar uit het niets wordt gecreëerd. Leslie Felperin

Police Story

hoewel het duidelijk was op het moment, lijkt het vreemd nu dat Jackie Chan werd oorspronkelijk verzorgd door ten minste een Hong Kong producent als een opvolger van Bruce Lee, de lenige meester van martial arts wiens stijl was bijna lachwekkend serieus in zijn grim-faced intensiteit. Na een paar tryouts in het genre, echter, Chan nam dingen in een veel meer komische, maar niet minder Atletische route, dat is de reden waarom, na het uitbreken in de Yuen Woo-ping classic Drunken Master, De voormalige stuntman vond zichzelf in Hollywood, het toevoegen van licht reliëf aan de Cannonball Run in 1981.Na een teleurstelling in 1985 bij The Protector – een samenwerking met Neo-grindhouse regisseur James Glickenhaus, misschien niet de meest sympatico van alle mogelijke talenten – keerde Chan terug naar Hong Kong om het heft in eigen handen te nemen en het Politieverhaal te regisseren, waarin hij een in ongenade gevallen Agent speelde die gedwongen werd om undercover te gaan en zijn naam te zuiveren nadat hij erin geluisd was door drugsbaronnen.

een directe weerlegging van de Hollywood manier van doen dingen (in zijn geest, slordig en halfslachtig), Chan prioriteit de gevechten en stuntwerk, met behulp van de genre-elementen meestal als vulmiddel. Chan weigerde een body double te gebruiken voor elke scène (behalve voor een motorfiets) en begon zijn reputatie als een onverschrokken en baanbrekende actiester te verdienen. Alleen al op deze film werd hij in het ziekenhuis opgenomen met een hersenschudding, leed aan ernstige brandwonden, ontwrichtte zijn bekken en werd bijna verlamd door een verbrijzelde wervel. De resulterende film was een enorme hit en bracht vijf sterke vervolgfilms voort. Gezien nu, het lijkt opmerkelijk recht gezien wat er zou volgen-de cartoonische Rush Hour-serie-hoewel Chan zeker moet hebben genoten van de ironie van het worden omarmd door Hollywood voor een film die, in wezen, een kritiek op alles wat het verkeerd deed. DW

Crouching Tiger, Hidden Dragon

Waarom is Ang Lee ’s film Crouching Tiger, Hidden Dragon zo’ n sublieme ervaring? Misschien omdat elk Bot in je lichaam je vertelt dat het niet zou moeten werken. Het is een rustige actiefilm. Wie heeft daar ooit van gehoord? En het is een liefdesverhaal met een kick: een kung-fu kick. Het begint met de diefstal van een legendarisch zwaard, The Green Destiny. Als het zwaard wordt gestolen, neemt de camera de vlucht samen met de dief, voor wie de zwaartekracht een beperkend kledingstuk is dat op een moment kan worden afgeworpen. De strijder Yu Shu Lien (Michelle Yeoh) achtervolgt en springt vrolijk over daken die zilver gloeien in het maanlicht. Wanneer de achtervolging plaats maakt voor de strijd, wordt het regelboek van action cinema niet alleen weggegooid, maar aan linten gesneden. Voor kijkers te jong om zich te herinneren, de schok van het zien van een Sam Peckinpah shoot-out terug toen slow motion was een innovatie in plaats van een vervelende virus, dan is de aanblik van deze krijgers zweven rustig aan neusbloedingen-inducerende hoogte zal iets van dezelfde bevrijdende schok te bieden.De midair-schermutselingen van martial arts-films werden door The Matrix naar het mainstream publiek gebracht en Lee nam de choreograaf van die film, Yuen Woo-ping (die later werkte aan Kill Bill en Kung Fu Hustle), in dienst om die stijl nog verder te ontwikkelen. De resulterende strijd routines roepen Olympische gymnastiek, break dancing en die cartoon punch-ups waar een van de ledematen van de Tasmaanse duivel kort zou ontstaan uit een hectische cycloon. En als Yu af en toe op de voet van haar tegenstander stapt, vecht ze niet vuil – het is gewoon de enige manier om ervoor te zorgen dat de strijd op grondniveau blijft.Ondanks alle finesse van de choreografie zouden de actiescènes oppervlakkig zijn zonder het emotionele gewicht dat Lee aan het beeld geeft, met name in de grotendeels onuitgesproken tederheid tussen Yu en haar medestrijder Li Mu Bai (Chow Yun Fat). Als regisseur maakt hij geen onderscheid tussen tederheid en geweld. In zijn handen kan een liefdesscène wreed worden, waarbij het bloed van een man een vork vormt over de borst van zijn geliefde terwijl ze hem omhelzen, terwijl een strijd tussen tegenstanders in de boomtoppen van het bos, met de soepele takken die zich verdubbelen als nesten, katapulten, sporten en bungee touwen, een sensuele sereniteit bereikt. RG

Enter the Dragon