Once Upon a Time i Kina
filmen som startade Hong Kong cinema kung-fu renässans och lanserade Jet Li mot en framtid av undermåliga västerländska actionfilmer. Dess ämne var redan välkänt för lokala publikgrupper: Wong Fei-hung var en riktig person: en sekelskiftets kampsportmästare och healer som har blivit något av en folkhjälte. Som Sherlock Holmes eller Robin Hood, han hade porträtterats många gånger tidigare. Jackie Chan spelade honom i Drunken Master, och en långvarig Wong Fei-hung filmserie under 1950-och 60-talet gav Roller till fäderna till Bruce Lee och Yuen Wo-ping, bland många andra.
införlivat till 1990-talet Hong Kong, med överlämnandet från brittisk till Kinesisk suveränitet i horisonten, hade denna berättelse om en kinesisk rebellstridande förtryckande kolonialistiska makter extra resonans. Dess brittiska och amerikanska onda är cartoonishly demonised, och handlingen ofta invecklad till den grad att ogenomtränglighet, visserligen, men vad denna film ger främst är bländande, färgstarka, kinetisk, episk, pre-CGI skådespel. Direktör Tsui Hark, skolad i både USA och Hong Kong, fyller skärmen med rörelse och energi. De trådassisterade kampscenerna-koreograferade av Yuen Wo-ping, oundvikligen – är genialt iscensatta. Jordbunden verklighet lämnas långt efter.
och Li är helt enkelt otroligt. Han har gravitas som skådespelare, men när han är i aktion tar han verkligen lite slag. Han gör allt: kämpar med händer, fötter, pinnar, stolpar, paraplyer. Han dödar en skurk med en kula-utan att använda en pistol. Men Li är också en gymnast, pirouett och somersaulting över skärmen med en kattens smidighet. Han är säkert den mest graciösa kampsportartisten där ute. Dessa färdigheter kommer att bära i en jublande atletisk sista duell, som äger rum i ett lager som är bekvämt fullt av bambustegar. Det är en av de mest berömda sekvenserna i kampsportfilmer, och det gör att du vill ha mer, varav det finns gott om: de gjorde fyra uppföljare de närmaste två åren. Steve Rose
Yojimibo
Akira Kurosawa drog på amerikanska massakällor för Yojimbos plot, främst Hollywood western men också Dashiell Hammetts trasiga stadsmelodrama The Dain Curse. Här vandrar en ensam, förmodligen skamad, säkert hungrig samurai (Toshiro Mifune, vargen till Kurosawas kejsare) in i en stad där två fraktioner befinner sig i evig konflikt och stirrar på varandra från deras matchande huvudkontor på motsatta sidor av stadens breda, västliknande huvudgata. Eftersom varje fraktion saknar en framstående krigare med vars hjälp de kan tippa maktbalansen till deras fördel, vill de alla ha nykomlingen på sin sida, något samurai räknar ut inom några ögonblick och utnyttjar hela filmen.
när power games spelar ut till sin nihilistiska, likströmmade slutsats, visar Kurosawa en behärskning av sitt medium i nästan varje ram. Hans känsla av rumsliga relationer är bortom jämför: paneler i innerväggar glider bort för att avslöja hela yttre gatuscener och publikscener perfekt inramade inom den mindre nya ramen. Intima samtal äger rum som en turbulent skirmish rasar i den djupa bakgrundscenterskärmen, mellan talarnas ansikten i förgrunden. Och vilka ansikten! Från moronic warrior med M-formade unibrow och jätten svingar en enorm klubba till Mifune alltmer misshandlade ansikte, hånfull, cynisk och ständigt trotsig, varenda ansikte är på en gång ett landskap och en episk dikt för sig själv.
tillsammans med allt som kommer Kurosawas rasande visuella energi, hans virtuos koreografi av rörlig kamera och kroppar av stridande män; och hans talang för att lägga till berikande lager av kinetisk, elementär rörelse-regnfall, löv eller rök som blåser i de oupphörliga vindarna – till det våld som redan är i spel. Yojimbo ledde till italienaren en fistfull dollar, som i tid helt återskapade den amerikanska västern och fullbordade en cirkel av internationellt kulturutbyte som förskuggar en give-and-take bland internationella filmskapare som vi tar för givet idag. John Patterson
en Touch av Zen
vi har en Touch av Zen att tacka för Harvey Weinsteins intresse för asiatisk film; Det var efter att Quentin Tarantino visade King Hu ’s 1971 Wuxia att Mogul började en kontroversiell Utgiftsspree i öst som ledde till hans nuvarande kontroversiella engagemang med Bong Joon-ho’ s Snowpiercer. Det är inte svårt att se varför: Hus film är ovanligt episk för genren, klockar in på över tre timmar och gjorde filmhistoria genom att vara den första kinesiska filmen som vann ett pris i Cannes, saknade Palme d ’ Or men tog hem det tekniska priset.
en Touch av Zen är mest anmärkningsvärt nuförtiden som mall för Ang Lees Crouching Tiger, Hidden Dragon, som är 14th century historien om en konstnär, Ku, som möter en vacker kvinna som bor i ett rundown hus med sin äldre mamma. I sann wuxia mode, dock, hon är inte allt hon verkar, och så historien växer, tills Ku inser att han är i mitten av en stor dynastiska krig mellan rivaliserande fraktioner. Och när historien utvecklas – enkelt absorberar element av komedi och romantik – så gör skådespelet, ökar i skala och omfattning på sätt som skulle vara otänkbara idag.
det är dessa kampsekvenser som har uthärdat, och även om wuxia kort föll i favör strax efter är det lätt att se Hu: s inflytande på de senaste årens hitkampsportfilmer. Mer än Crouching Tiger kastar en Touch av Zen en lång skugga över filmerna från den kinesiska regissören Zhang Yimou, vars House of Flying Daggers direkt refererar till hus film i sin bravura bamboo forest-sekvens. Men det är Hu ’ s deadpan sense of the grand som håller den här häpnadsväckande filmen fräsch, med sina teman rättvisa och adel, sköt igenom med en konstig andlighet som tjänar filmen sin titel i en sekvens som involverar ett paket studsande, kick-ass buddhistiska munkar. Damon Klokt
Raid
som en andfådd och brutal kampsport thriller sköt i Jakarta och regisserad av en Welshman, skulle raidet redan ha varit värt att notera. Att det är en film av precision och uppfinningsrikedom, tar kampsekvenser in i skräckens rike, slapstick komedi, även musikalen, garanterar sin plats i actionfilmhistoria. Handlingen är lika enkel som dess koreografi är komplicerad. En polisenhet ger sig ut en morgon för att ta kontroll över ett tornblock i Jakarta som har fallit i händerna på ett gäng. Men inte bara något gäng: denna mob har utrustat höghuset med sofistikerade CCTV och offentliga adresssystem övervakade från ett kontrollrum på översta våningen. Gängherren, som presiderar över CCTV-skärmarna, sänder ett samtal till sina hyresgäster: ”vi har företag. Du vet vad du ska göra.”Han menar inte att sätta på vattenkokaren och knäcka upp vaniljkrämerna.
i avsaknad av mycket dialog pratar vapnen: vapen, knivar, svärd, hammare. En man får en yxa till axeln, som sedan används för att rycka honom över rummet. Ett kylskåp fungerar som en bomb. Gängets mest onda medlem, Mad Dog (Yayan Ruhian, som också fungerade som en av filmens kampkoreografer), fungerar som munstycke för filmens filosofi. Kasta bort sina skjutvapen, förklarar han: ”att använda en pistol är som att beställa takeout.”Om så är fallet skulle Mad Dog förtjäna en fistfull Michelin-stjärnor.
några av kampsekvenserna är inneslutna klaustrofobiskt i hallar där det enda alternativet är att använda väggar som springbrädor, Donald O ’ Connor-stil. Andra, som en damm i ett läkemedelslabb, expanderar som dansnummer. Evans främsta prestation har varit att göra ett berserk-äventyr som kännetecknas av tydlighet. Till skillnad från de flesta actionfilmer uppstår frenesen från artisterna snarare än redigeringen; oavsett hur frenetiska saker blir, förlorar vi aldrig synen på vem som karate-hugger luftröret av vem. Ryan Gilbey
Ong-Bak
händer och fötter är en sak i kampsport; armbågar och knän är en helt annan. Och efter att ha sett denna Muay Thai showreel, skulle du lägga pengar på Tony Jaa mot någon annan skärmfighter. Även i scenerna där Jaa inte kämpar någon alls, helt enkelt går igenom några drag, är han väldigt formidabel.
Ong Bak som en film är ganska enkel: city baddies stjäl en bys Buddha-huvud; en ödmjuk bonde går för att få tillbaka den och krossar varje motståndare individuellt med sina bara händer i processen. Det är allt det behöver. Ong Baks främsta mål är att säga, ” kan du tro den här killen?”och med den extra noten att inga specialeffekter eller stuntdubblar användes, uppnår det mer än det. I kamp efter kamp släpper Jaa ut rörelser som får dig att tänka, ”Det måste skada”, om inte ”det kommer att kräva större kranialrekonstruktion”. Inga håll är spärrade och få slag dras, men snarare än brute våld, du är kvar förundras över Jaa hastighet, teknik och smärttröskel. Striderna är skickligt iscensatt, särskilt en spännande, tre-runda barroom bråk som lämnar ingen motståndare eller möbel stående.
Jaa visar upp sin fysiska förmåga på andra sätt också från en öppnande trädklättring till en Bangkok street chase som skickar honom längs en hilarisk överfallskurs av cafebord, marknadsstånd, barn, bilar, lastbilar, glasplåtar och bågar av taggtråd. Han är nästan för mycket att tro, och Ong Bak erkänner vår otrohet genom att ofta spola tillbaka åtgärden för att visa oss Jaas rörelser i slow motion, som om att säga, ”Vill du se det igen?”. Det gör vi. Sr
matrisen
Cocteau föreställde spegeln som en port till en annan värld i sin film från 1930 The Blood of a Poet, och det är ett bevis på hållbarheten hos den här bilden att när den dök upp igen i The Matrix, hade den inte förlorat något av sin lockelse. Filmen klockar upp en ytterligare skuld i sin plot, som föreslår att det vi uppfattar som verklighet faktiskt är en kosmetisk fasad konstruerad för att dölja en fruktansvärd sanning om vår existens. Neo, en datorboffin som spelas av Keanu Reeves, väljs ut för att bära upplysningens börda. Reeves blankhet i delen är perfekt, främst för att Neo är skyldig att bara visa de färdigheter och kvaliteter som laddas ner i hans hjärna. Krävs för att behärska jujitsu, installeras han helt enkelt med det relevanta datorprogrammet. På nolltid drar han av sig dessa knep från 1970-talets kampsportfilmer, där en man kan starta sig i en flygande spark och på något sätt lyckas förbereda en cocktail, läsa en kort roman och fylla i sin avkastning, allt innan hans fötter rör marken.
filmens Cocteau-esque-koncept utnyttjas till viss X-Files-stil paranoia, men det är det bländande kampsportarbetet som ger filmen sin speciella Hiss. Regissörerna, Wachowski-bröderna, hade redan tankar ovanför sin station när de kom upp med The Matrix (deras enda tidigare film var trots allt den svettiga, klaustrofobiska thrilleren Bound). Det var kampsportkoreografen Yuen Woo-ping som hjälpte dem att nå nästa nivå.
filmens kampsekvenser ger sin renaste källa till nöje av ett antal skäl. För det första kommer våldet inte med försonande övertoner; det spelas ut för spänningen i koreografin, inte förväntan på skada eller rättfärdighet. Döden är nonchalant, men det ger ingen moralisk kick. För det andra introducerade filmen en konstig ny effekt, mycket kopierad eller parodierad sedan i allt från Charlies änglar till Shrek: en karaktär fryser i midair medan kameran cirklar tablån som en dator föreställer sig en 3D-representation av en 2D-bild. När kameran har slutfört sin rörelse återupptas scenens fysiska rörelse. Plötsligt har actionfilmens humdrumordförråd förlängts inför våra vantro ögon. RG
House of Flying Daggers
titta på öppningen 20 minuter av House of Flying Daggers och det är inte svårt att se varför kineserna valde sin regissör, Zhang Yimou, för att styra öppningsceremonin för OS i Peking. Trots att handlingen utspelar sig i ett rimligt stort bordellväntrum istället för en stadion, finns det alla element som Zhang skulle multiplicera med tusentals år 2008: traditionell kinesisk musik, dans, strängar av färgglada sidenduk, trummisar och naturligtvis kampsport. Det ger ett fantastiskt skådespel som sätter en hög bar för resten av filmen. Lyckligtvis finns det mer dazzle att komma i denna uppföljning av Zhangs första wuxia-film, hjälte. Zhangs 2006 Curse of the Golden Flower avslutade trilogin, men för många representerar de romantiska, operatiska men ändå tillfredsställande kompakta flygande Daggers det bästa av de tre.
under Tang-dynastin söker två poliskaptener, Leo (Andy Lau, mest känd för den tematiskt-inte-olika infernaliska Affairs-trilogin) och Jin (hunky Takeshi Kaneshiro) efter ledaren för Flying Daggers, en motinsurgency-grupp. De misstänker att blind courtesan Mei (Zhang Ziyi) kan vara en hemlig medlem av Daggers, så Jin, som poserar som medborgare, krossar henne ur fängelset och går på språng med henne, förföljd av Leo och många förbrukningsbara officerare. Kärlek verkar blomma mellan Jin och Mei, men ingen och ingenting är som de verkar här. Även om striderna är fantastiskt koreograferade av Tony Ching Siu-tung-speciellt en bambu-skogsjakt som toppar Crouching Tiger, Hidden Dragon och en sista mano-a-mano i snön – dömd mot andra klassiska kampsportfilmer, Daggers är faktiskt lite ljus på kampscener. Faktum är att striderna är så strängt stiliserade att det är mer som att dansa med knivar. Oavsett: kärlekshistorien kan vara nästan lika schematisk som filmens rigorösa användning av färg, men skådespelet är så kraftfullt från kärntrioen att djupt känslomässigt djup skapas till synes ur ingenting. Leslie Felperin
Polisen Story
även om det var uppenbart vid den tiden verkar det konstigt nu att Jackie Chan ursprungligen preparerades av minst en Hong Kong-producent som efterträdare till Bruce Lee, den smidiga mästaren i kampsport vars stil var nästan skrattretande Allvarlig i sin dystra intensitet. Efter några försök i genren tog Chan dock saker på en mycket mer komisk, men inte mindre atletisk väg, varför, efter att ha brutit ut i Yuen Woo-ping classic Drunken Master, befann sig den tidigare stuntmanen i Hollywood och lade till lätt lättnad till Kanonbollskörningen 1981.
chans Hollywood-karriär gick dock inte ut, och efter en besvikelse 1985 med The Protector – ett samarbete med neo-grindhouse – regissören James Glickenhaus, kanske inte den mest sympatico av alla möjliga talanger-återvände Chan till Hong Kong för att ta saken i egna händer, regissera och cowriting Police Story, där han spelade en vanärad polis som tvingas gå undercover och rensa sitt namn efter att ha inramats av drogbaroner.
genom att göra en direkt motbevisning av Hollywoods sätt att göra saker (i hans sinne, slarvigt och halvhjärtat) prioriterade Chan striderna och stuntarbetet och använde genreelementen mestadels som fyllmedel. Vägrar att använda en kroppsdubbel för varje scen (bar en som involverade en motorcykel) började Chan tjäna sitt rykte som en orädd och banbrytande actionstjärna. På denna film ensam, han var på sjukhus med hjärnskakning, lidit svåra brännskador, ur led bäckenet och var nästan förlamad av en krossad Kotor. Den resulterande filmen var en stor hit och skapade fem starka uppföljare. Sett nu verkar det anmärkningsvärt rakt med tanke på vad som skulle följa – den tecknade Rush Hour – serien-även om Chan verkligen måste ha haft ironin att bli omfamnad av Hollywood för en film som i huvudsak är en kritik av allt det gjorde fel. DW
Crouching Tiger, Hidden Dragon
varför är Ang Lees film Crouching Tiger, Hidden Dragon en sådan sublim upplevelse? Kanske för att varje ben i kroppen säger att det inte borde fungera. Det är en lugn actionfilm. Vem har hört talas om en sån? Och det är en kärlekshistoria med en spark: en kung-fu-spark. Det börjar med stöld av en mytomspunna svärd, den gröna Destiny. När svärdet blir stulet tar kameran flyg tillsammans med tjuven, för vilken gravitation är ett begränsande plagg som ska kastas av med ett ögonblick. Krigaren Yu Shu Lien (Michelle Yeoh) jagar och hoppar glatt över hustak som lyser silver i månskenet. När jakten viker för att bekämpa, är rule book of action-biografen inte bara kasserad utan skivad till band. För tittare för unga att komma ihåg, chocken att se en Sam Peckinpah shoot-out tillbaka när slow motion var en innovation snarare än en otäck virus, då synen av dessa krigare sväva lugnt till näsblod framkallande höjder kommer att ge något av samma befriande ryck.
midair skirmishes av kampsportfilmer fördes till vanliga publik av The Matrix, och Lee anlitade filmens koreograf, Yuen Woo-ping (som senare arbetade med Kill Bill och Kung Fu Hustle), för att ta den stilen ännu längre. De resulterande kamprutinerna framkallar olympisk gymnastik, breakdans och de tecknade punch-ups där en av de tasmanska djävulens lemmar skulle dyka upp kort från en häftig cyklon. Och om Yu ibland går på motståndarens fot, kämpar hon inte smutsigt – det är bara det enda sättet att se till att striden förblir på marknivå.
för all finess i koreografin skulle actionsekvenserna vara ytliga utan den känslomässiga vikt Lee ger till bilden, särskilt i den i stort sett outtalade ömheten mellan Yu och hennes medkrigare Li Mu Bai (Chow Yun Fat). Som regissör skiljer han inte mellan hur han skjuter ömhet och våld. I hans händer kan en kärleksscen bli brutal, med en mans blod som bildar en gaffel över sin älskares bröst när de omfamnar, medan en kamp mellan motståndare i skogsträdtopparna, med de smidiga grenarna som fördubblas som bon, katapulter, stegpinnar och bungee rep, uppnår en sensuell lugn. RG
ange draken
Bruce Lee purister kanske eller kanske inte håller med om att Enter the Dragon är hans största film. Men det här är den som har gått in i legenden: det var den kolossala box office smash 1973 och den mest kända filmen av den oöverträffade kampsportsstjärnan som hade dött sommaren innan den släpptes av en cerebral reaktion på smärtstillande medel. Han delade med James Dean den dystra skillnaden att visas postumt i sin mest kända bild. Efter en karriär som barnstjärna i Hong Kong cinema-nästan Macaulay Culkin av hans dag-och en spell på TV: n The Green Hornet, Lee exploderade i action bilder som var helt enkelt så populär och lönsam att Warner Brothers gick med på att göra Enter the Dragon, med Lee som stjärna och samproducent: Hollywoods första kampsportfilm. Robert Clouse regisserade, och manuset var av Michael Allin, som skrev Isaac Hayes-filmen Truck Turner. Lalo Schifrin komponerade musiken.
Bruce Lee var besatt av extraordinär fysisk nåd, balletisk balans, dödlig hastighet och explosiv kraft. Han var en mästare i kung fu, judo och karate, och anses vara den andliga gudfadern till dagens mixed martial arts scen. Han var inte en stor man, och så blev hans närvaro bättre fångad av kameralinsen. Dessutom hade han ett delikat stiligt, nästan pojkiskt ansikte och hade en charm och verbal flyt när han förklarade sina Zen-teorier om strid i intervjuer, något mer som dynamisk motivationsfilosofi än någon förmögenhetskaka clich Millenium. Lee hade en närvaro och karisma jämförbar med Muhammad Ali, och det fångades kanske aldrig bättre än i Enter the Dragon. Kanske bara Jackie Chan nu rivaler honom som en asiatisk stjärna i Hollywood – och Hollywood har inte visat stort intresse för att främja en asiatisk-amerikansk A-lister sedan Enter the Dragon. Lee spelar en Shaolin-mästare som återvinns av brittisk underrättelsetjänst för att delta i en kampsportsturnering undercover. Denna händelse drivs av en olycksbådande megaloman som heter Han som misstänks för inblandning i droger och prostitution. Lee har ett personligt nötkött med Han, vars goons terroriserade och försökte våldta Lees lillasyster – hon begick självmord snarare än att skicka in. Han dyker upp på ön med ett par amerikanska soldater: Williams, spelad av Jim Kelly, ger lite axelstil street cred medan Roper, spelad av John Saxon, är en playboy-typ som ligger nära James Bond-mallen. I själva verket är det självklart Lee själv som är James Bond, men han är ingen kvinna. Bruce Lee har en monkish renhet och andlighet, med ett laserliknande fokus på att exponera Han-och naturligtvis sparkar röv. Utseendet på filmen är exotiskt och extravagant, särskilt dess inspirerade hall-of-mirrors showdown, med Lee som sportar de konstiga, nästan tribal snedstreck över hans midriff. Hans märkliga, djur quavering gråta och piercing blick är helt unika. Men det som gör Enter the Dragon överglänsa resten är den fridfulla, nästan oskyldiga idealism Lee själv. I öppningsscenerna talar Lee ödmjukt till den åldrade abboten i sitt tempel, tar svalt te med den brittiska underrättelsechefen Braithwaite och avbryter deras samtal för att instruera en tonårspojke i kampsport. När denna unga hothead lätt bestas i strid, säger Lee till honom med oändlig allvar: ”vi behöver emotionellt innehåll – inte ilska.”Det är filosofin för denna kampsportklassiker och dess unika stjärna. Peter Bradshaw
mer Guardian och Observer critics’ top 10s
• topp 10 romantiska filmer
• topp 10 actionfilmer
• topp 10 komedi filmer
• topp 10 skräckfilmer
• topp 10 sci-fi filmer
• topp 10 brott filmer
• topp 10 arthouse filmer
• topp 10 familjefilmer
• topp 10 krigsfilmer
• topp 10 tonårsfilmer
• topp 10 superhjältefilmer
• topp 10 Westerns
• topp 10 Dokumentärer
• topp 10 filmanpassningar
• topp 10 animerade filmer
• topp 10 tysta filmer
• topp 10 sportfilmer
• Top 10 film noir
• Top 10 musicals
{{topLeft}}
{{bottomLeft}}
{{topRight}}
{{bottomRight}}
{{/goalExceededMarkerPercentage}}
{{/ticker}}
{{heading}}
{{#paragraphs}}
{{.}}
{{/paragraphs}}{{highlightedText}}
- Dela på Facebook
- Dela på Twitter
- dela via e-post
- Dela på LinkedIn
- Dela på Pinterest
- Dela på WhatsApp
- Dela på Messenger