Érase una vez en China
La película que dio inicio al renacimiento del kung-fu del cine de Hong Kong y lanzó Jet Li hacia un futuro de películas de acción occidentales de calidad inferior. Su tema ya era bien conocido por el público local: Wong Fei-hung era una persona real: un maestro de artes marciales y sanador de principios de siglo que se ha convertido en una especie de héroe popular. Al igual que Sherlock Holmes o Robin Hood, había sido retratado muchas veces antes. Jackie Chan lo interpretó en Drunken Master, y una larga serie de películas de Wong Fei Hung durante las décadas de 1950 y 60 dio papeles a los padres de Bruce Lee y Yuen Wo-ping, entre muchos otros.
Trasladada a Hong Kong de la década de 1990, con la entrega de la soberanía británica a China en el horizonte, esta historia de un rebelde chino que lucha contra potencias colonialistas opresivas tuvo una resonancia adicional. Sus malos británicos y estadounidenses están demonizados de forma caricaturesca, y la trama a menudo es intrincada hasta el punto de ser impenetrable, es cierto, pero lo que esta película proporciona principalmente es un espectáculo deslumbrante, colorido, cinético, épico y pre-CGI. El director Tsui Hark, educado tanto en Estados Unidos como en Hong Kong, llena la pantalla de movimiento y energía. Las escenas de lucha asistidas por cable, coreografiadas por Yuen Wo-ping, inevitablemente, se escenifican ingeniosamente. La realidad terrestre se queda muy atrás.
Y Li es simplemente increíble. Tiene seriedad como actor, pero cuando está en acción, realmente recibe una paliza. Lo hace todo: lucha con manos, pies, palos, palos, paraguas. Mata a un villano con una bala, sin usar un arma. Pero Li también es gimnasta, haciendo piruetas y volteretas por la pantalla con la agilidad de un gato. Seguramente es el artista marcial más elegante que existe. Esas habilidades se materializan en un duelo final júbilo atlético, que tiene lugar en un almacén convenientemente lleno de escaleras de bambú. Es una de las secuencias más célebres de las películas de artes marciales, y te deja con ganas de más, de las cuales hay muchas: hicieron cuatro secuelas en los próximos dos años. Steve Rose
Yojimibo
Akira Kurosawa se basó en fuentes pulp estadounidenses para la trama de Yojimbo, principalmente el western de Hollywood, pero también el melodrama de ciudad rota de Dashiell Hammett, The Dain Curse. Aquí un solitario, probablemente deshonrado, y ciertamente hambriento samurai (Toshiro Mifune, el Lobo del Emperador de Kurosawa) deambula por una ciudad donde dos facciones están en conflicto eterno, mirándose la una a la otra desde sus cuarteles iguales en lados opuestos de la amplia calle principal de la ciudad, de estilo occidental. Dado que cada facción carece de un guerrero distinguido con cuya ayuda podría inclinar la balanza de poder a su favor, cada uno de ellos desea desesperadamente al recién llegado de su lado, algo que el samurai descubre en pocos momentos y explota durante toda la película.
A medida que los juegos de poder se desarrollan a su conclusión nihilista, asfixiada por cadáveres, Kurosawa demuestra un dominio de su medio en casi todos los fotogramas. Su sentido de las relaciones espaciales es incomparable: los paneles de las paredes interiores se deslizan para revelar paisajes de calles exteriores enteros y escenas de multitudes perfectamente enmarcadas dentro del nuevo marco más pequeño. Las conversaciones íntimas tienen lugar mientras una escaramuza turbulenta ruge en la pantalla central de fondo profundo, entre las caras de los hablantes en primer plano. Y qué caras! Desde el guerrero idiota con la uniceja en forma de M y el gigante empuñando un mazo enorme hasta el rostro cada vez más maltratado de Mifune, sardónico, cínico y siempre desafiante, cada rostro es a la vez un paisaje y un poema épico en sí mismo.
Junto con todo lo que viene la furiosa energía visual de Kurosawa, su virtuosa coreografía de cámara en movimiento y cuerpos de hombres en guerra; y su talento para añadir capas enriquecedoras de movimiento cinético y elemental-lluvia cayendo, hojas o humo soplando en los vientos incesantes-a la violencia ya en juego. Yojimbo llevó al italiano A Fistful of Dollars, que con el tiempo rehizo completamente el western estadounidense, completando un círculo de intercambio cultural internacional que presagia un intercambio entre cineastas internacionales que damos por sentado hoy en día. John Patterson
Un Toque de Zen
Tenemos un Toque de Zen para agradecer a Harvey El interés de Weinstein en el cine asiático; fue después de que Quentin Tarantino proyectara la wuxia de King Hu en 1971 que el magnate comenzó una polémica ola de gastos en el este que llevó a su controvertida participación actual con Snowpiercer de Bong Joon-ho. No es difícil ver por qué: La película de Hu es inusualmente épica para el género, con más de tres horas de duración, e hizo historia en el cine al ser la primera película china en ganar un premio en Cannes, perdiéndose la Palma de Oro pero llevándose a casa el premio Técnico.
Un toque de Zen es más notable hoy en día como la plantilla para el Tigre agachado de Ang Lee, Dragón oculto, siendo la historia del siglo XIV de una artista, Ku, que se encuentra con una hermosa mujer que vive en una casa deteriorada con su anciana madre. En la verdadera moda de wuxia, sin embargo, ella no es todo lo que parece, y así la historia crece, hasta que Ku se da cuenta de que está en medio de una gran guerra dinástica entre facciones rivales. Y a medida que se desarrolla la historia, absorbiendo sin esfuerzo elementos de comedia y romance, también lo hace el espectáculo, aumentando en escala y alcance de maneras que serían inimaginables hoy en día.
Son estas secuencias de lucha las que han perdurado, y aunque wuxia cayó brevemente en desgracia poco después, es fácil ver la influencia de Hu en las exitosas películas de artes marciales de los últimos años. Más que Tigre agachado, Un toque Zen proyecta una larga sombra sobre las películas del director chino Zhang Yimou, cuya Casa de Dagas Voladoras hace referencia directamente a la película de Hu en su secuencia de bosque de bambú bravura. Pero es el sentido inexpresivo de lo grandioso de Hu lo que mantiene fresca esta asombrosa película, con sus temas de justicia y nobleza, rodada con una extraña espiritualidad que le da título a la película en una secuencia que involucra a una manada de monjes budistas que rebotan y patean culos. Damon Wise
El Raid
Como un thriller de artes marciales brutal y sin aliento rodado en Yakarta y dirigido por un galés, el Raid ya habría sido digno de mención. Que sea una película de precisión e inventiva, que lleve las secuencias de lucha al reino del terror, la comedia de payasadas, incluso el musical, garantiza su lugar en la historia de las películas de acción. La trama es tan simple como su coreografía es complicada. Una unidad de policía parte una mañana para tomar el control de un bloque de torres en Yakarta que ha caído en manos de una banda. Pero no cualquier banda: esta multitud ha equipado el rascacielos con sofisticados sistemas de videovigilancia y megafonía monitoreados desde una sala de control del último piso. El señor de las pandillas, que preside las pantallas de CCTV, transmite una llamada a sus inquilinos: «Tenemos compañía. Ya sabes qué hacer.»No se refiere a poner la tetera y abrir las cremas pasteleras.
En ausencia de mucho diálogo, las armas hablan: pistolas, cuchillos, espadas, martillos. Un hombre recibe un hacha en el hombro, que luego se usa para tirarlo a través de la habitación. Un refrigerador funciona como una bomba. El miembro más vicioso de la banda, Mad Dog (Yayan Ruhian, que también sirvió como uno de los coreógrafos de lucha de la película), actúa como portavoz de la filosofía de la película. Dejando a un lado sus armas de fuego, explica: «Usar un arma es como pedir comida para llevar.»Si ese es el caso, Mad Dog merecería un puñado de estrellas Michelin.
Algunas de las secuencias de lucha están encerradas claustrofóbicamente en pasillos donde la única opción es usar paredes como trampolines, al estilo de Donald O’Connor. Otros, como un polvo en un laboratorio de drogas, se expanden como números de baile. El principal logro de Evans ha sido hacer una aventura enloquecedora caracterizada por la claridad. En contraste con la mayoría del cine de acción, el frenesí surge de los artistas en lugar de la edición; no importa cuán frenéticas se pongan las cosas, nunca perdemos de vista quién está cortando la tráquea de karate. Ryan Gilbey
Ong-Bak
Las manos y los pies son una cosa en las artes marciales; los codos y las rodillas son otra muy distinta. Y después de ver este show de Muay Thai, apostarías a Tony Jaa contra cualquier otro peleador de pantalla. Incluso en las escenas en las que Jaa no está peleando con nadie, simplemente pasando por algunos movimientos, es increíblemente formidable.
Ong Bak como película es bastante sencillo: malos de la ciudad roban la cabeza de buda de un pueblo; un humilde campesino va a recuperarla, aplastando individualmente a cada adversario con sus propias manos en el proceso. Es todo lo que necesita. El objetivo principal de Ong Bak es decir, «¿Puedes creer a este tipo?»y con la nota añadida de que no se utilizaron efectos especiales ni dobles de riesgo, lo logra con creces. En pelea tras pelea, Jaa desata movimientos que te dejan pensando,» Eso tiene que doler», si no «Eso va a requerir una reconstrucción craneal mayor». No hay barreras y se tiran pocos golpes, pero en lugar de violencia bruta, te quedas maravillado con la velocidad, la técnica y el umbral de dolor de Jaa. Las peleas son hábilmente escenificadas, en particular una emocionante pelea de tres asaltos en un bar que no deja a ningún oponente o mueble en pie.
Jaa también muestra su destreza física de otras maneras, desde una carrera de escalada de árboles de apertura hasta una persecución callejera de Bangkok que lo envía a lo largo de un hilarante recorrido de asalto de mesas de café, puestos de mercado, niños, automóviles, camiones, láminas de vidrio y aros de alambre de púas. Es casi demasiado para creer, y Ong Bak reconoce nuestra incredulidad al rebobinar con frecuencia la acción para mostrarnos los movimientos de Jaa en cámara lenta, como si dijera: «¿Quieres ver eso de nuevo?». Lo hacemos. SR
La Matriz
Cocteau imaginó el espejo como una puerta de entrada a otro mundo en su película de 1930 La sangre de un poeta, y es un testimonio de la durabilidad de esta imagen que cuando volvió a aparecer en Matrix, no había perdido nada de su encanto. La película cobra una deuda adicional en su trama, que propone que lo que percibimos como realidad es en realidad una fachada cosmética construida para ocultar una terrible verdad sobre nuestra existencia. Neo, un tonto de la computadora interpretado por Keanu Reeves, es seleccionado para llevar la carga de la iluminación. El vacío de Reeves en la parte es perfecto, principalmente porque Neo debe mostrar solo aquellas habilidades y cualidades que se descargan en su cerebro. Requerido para dominar el jujitsu, simplemente se instala con el programa de computadora correspondiente. En poco tiempo, está haciendo los trucos de las películas de artes marciales de la década de 1970, donde un hombre puede lanzarse en una patada voladora y de alguna manera prepararse un cóctel, leer una novela corta y completar su declaración de impuestos, todo antes de que sus pies toquen el suelo.
El concepto Cocteau de la película se aprovecha de cierta paranoia al estilo de los Archivos X, pero es el deslumbrante trabajo de artes marciales lo que le da a la película su impulso especial. Los directores, los hermanos Wachowski, ya tenían ideas por encima de su rango cuando se les ocurrió The Matrix (su única película anterior, después de todo, fue el thriller sudoroso y claustrofóbico Bound). Fue el coreógrafo de artes marciales Yuen Woo-ping quien los ayudó a alcanzar el siguiente nivel.
Las secuencias de lucha de la película proporcionan su fuente más pura de placer por varias razones. Primero, la violencia no viene con matices redentores; se juega para la emoción de la coreografía, no para la anticipación de lesiones o rectitud. La muerte es frívola, pero no proporciona ninguna patada moral. En segundo lugar, la película introdujo un nuevo efecto extraño, muy copiado o parodiado, ya que en todo, desde los Ángeles de Charlie hasta Shrek: un personaje se congela en el aire mientras la cámara rodea el cuadro como una computadora imaginando una representación en 3D de una imagen en 2D. Cuando la cámara ha completado su movimiento, el movimiento físico de la escena se reanuda. De repente, el vocabulario monótono de la película de acción se ha extendido ante nuestros ojos incrédulos. RG
House of Flying Daggers
Mira los primeros 20 minutos de House of Flying Daggers y no es difícil para ver por qué los chinos eligieron a su director, Zhang Yimou, para dirigir la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Beijing. A pesar de que la acción se desarrolla dentro de una sala de espera de burdel de tamaño razonable en lugar de un estadio, hay todos los elementos que Zhang multiplicaría por miles en 2008: música tradicional china, baile, franjas de tela de seda de colores brillantes, tambores y, por supuesto, artes marciales. Es un espectáculo magnífico que marca un alto nivel para el resto de la película. Afortunadamente, hay más deslumbramiento por venir en esta continuación de la primera película de Zhang en Wuxia, Hero. La maldición de la Flor Dorada de Zhang de 2006 concluyó la trilogía, pero para muchos, las Dagas voladoras románticas y operísticas, aunque satisfacientemente compactas, representan lo mejor de las tres.
Ambientado durante la dinastía Tang, dos capitanes de policía, Leo (Andy Lau, mejor conocido por la trilogía de Asuntos Infernales temáticamente no disímiles) y Jin (hunky Takeshi Kaneshiro) están buscando al líder de los Dagas Voladoras, un grupo de contrainsurgencia. Sospechan que la cortesana ciega Mei (Zhang Ziyi) puede ser un miembro secreto de las Dagas, por lo que Jin, haciéndose pasar por un ciudadano, la saca de la cárcel y sale corriendo con ella, perseguida por Leo y numerosos oficiales prescindibles. El amor parece florecer entre Jin y Mei, pero nadie y nada son como parecen aquí. Aunque las peleas están tremendamente coreografiadas por Tony Ching Siu-tung, especialmente una persecución en el bosque de bambú que supera al Tigre Agazapado, el Dragón Oculto y un mano a mano final en la nieve, juzgadas contra otras películas clásicas de artes marciales, Daggers es en realidad un poco liviano en las escenas de combate. De hecho, la lucha está tan estilizada que es más como bailar con cuchillos. No importa: la historia de amor puede ser casi tan esquemática como el uso riguroso del color de la película, pero la actuación es tan poderosa desde el trío central que la profundidad emocional se crea aparentemente de la nada. Leslie Felperin
Historia policial
Aunque era obvio en ese momento, parece extraño ahora que Jackie Chan fue preparada originalmente por al menos un productor de Hong Kong como sucesor de Bruce Lee, el ágil maestro de artes marciales cuyo estilo era casi ridículamente serio en su sombría intensidad. Después de algunas pruebas en el género, sin embargo, Chan tomó las cosas en una ruta mucho más cómica, pero no menos atlética, por lo que, después de estallar en el clásico de Yuen Woo-ping Drunken Master, el ex especialista se encontró en Hollywood, agregando un ligero alivio a La Carrera de Bala de cañón en 1981.
La carrera de Chan en Hollywood, sin embargo, no resultó, y después de una decepción en 1985 con The Protector, una colaboración con el director de neo – grindhouse James Glickenhaus, quizás no el más simpático de todos los talentos posibles, Chan regresó a Hong Kong para tomar el asunto en sus propias manos, dirigiendo y escribiendo Police Story, en la que interpretó a un policía deshonrado que se ve obligado a infiltrarse y limpiar su nombre después de ser incriminado por barones de la droga.
Haciendo una refutación directa de la forma de hacer las cosas de Hollywood (en su mente, descuidada y a medias), Chan priorizó las peleas y las acrobacias, utilizando los elementos del género principalmente como relleno. Negándose a usar un doble de cuerpo para cada escena (una que involucraba una motocicleta), Chan comenzó a ganarse su reputación como una estrella de acción audaz y pionera. Solo en esta película, fue hospitalizado con una conmoción cerebral, sufrió quemaduras graves, se dislocó la pelvis y casi quedó paralizado por una vértebra rota. La película resultante fue un gran éxito y dio lugar a cinco fuertes secuelas. Visto ahora, parece notablemente recto teniendo en cuenta lo que iba a seguir, la serie de dibujos animados Rush Hour, aunque Chan ciertamente debe haber disfrutado de la ironía de ser abrazado por Hollywood para una película que es, esencialmente, una crítica de todo lo que estaba haciendo mal. DW
Tigre en Cuclillas, Dragón Oculto
¿Por qué la película de Ang Lee Tigre en Cuclillas, Dragón Oculto es una experiencia tan sublime? Tal vez porque cada hueso de tu cuerpo te dice que no debería funcionar. Es una película de acción tranquila. Quién ha oído hablar de uno de esos? Y es una historia de amor con una patada: una patada de kung-fu. Comienza con el robo de una espada legendaria, el Destino Verde. A medida que la espada es robada, la cámara vuela junto con el ladrón, para quien la gravedad es una prenda restrictiva que debe desecharse en cualquier momento. La guerrera Yu Shu Lien (Michelle Yeoh) la persigue, saltando alegremente a través de tejados que brillan plateados a la luz de la luna. Cuando la persecución da paso al combate, el libro de reglas del cine de acción no solo se descarta, sino que se corta en tiras. Para los espectadores demasiado jóvenes para recordar, el impacto de ver un tiroteo de Sam Peckinpah cuando la cámara lenta era una innovación en lugar de un virus desagradable, entonces la visión de estos guerreros levitando tranquilamente a alturas que inducen a sangrar la nariz proporcionará algo de esa misma sacudida liberadora.
Las escaramuzas en el aire de las películas de artes marciales fueron llevadas al público general por The Matrix, y Lee reclutó al coreógrafo de esa película, Yuen Woo-ping (que más tarde trabajó en Kill Bill y Kung Fu Hustle), para llevar ese estilo aún más lejos. Las rutinas de lucha resultantes evocan la gimnasia olímpica, el break dance y esos puñetazos de dibujos animados en los que una de las extremidades del Diablo de Tasmania emergía brevemente del interior de un ciclón frenético. Y si Yu de vez en cuando pisa el pie de su oponente, no está peleando sucio, es solo la única manera de asegurarse de que la batalla permanezca a nivel del suelo.
A pesar de toda la delicadeza de la coreografía, las secuencias de acción serían superficiales sin el peso emocional que Lee aporta a la imagen, especialmente en la ternura en gran parte tácita entre Yu y su compañero guerrero Li Mu Bai (Chow Yun Fat). Como director, no diferencia entre la forma en que filma ternura y violencia. En sus manos, una escena de amor puede llegar a ser brutal, con la sangre de un hombre formando un tenedor en el pecho de su amante mientras se abrazan, mientras que una lucha entre oponentes en las copas de los árboles del bosque, con las ramas flexibles doblándose como nidos, catapultas, peldaños y cuerdas elásticas, logra una serenidad sensual. RG
Enter the Dragon
Los puristas de Bruce Lee pueden o no estar de acuerdo en que Enter the Dragon es su mejor película. Pero este es el que se ha convertido en leyenda: fue el colosal éxito de taquilla de 1973 y la película más famosa de esa inigualable superestrella de las artes marciales que había muerto el verano antes de su estreno de a cerebral reaction to painkillers. Compartió con James Dean la sombría distinción de aparecer póstumamente en su película más famosa. Después de una carrera como estrella infantil en el cine de Hong Kong, casi el Macaulay Culkin de su época, y un hechizo en la serie de televisión The Green Hornet, Lee explotó en imágenes de acción que eran simplemente tan populares y rentables que Warner Brothers aceptó hacer Enter the Dragon, con Lee como estrella y coproductora: La primera película de artes marciales de Hollywood. Robert Clouse fue dirigido, y el guion fue por Michael Allin, quien escribió la película de Isaac Hayes Truck Turner. Lalo Schifrin compuso la música.
Bruce Lee poseía una extraordinaria gracia física, equilibrio ballético, velocidad letal y poder explosivo. Fue un maestro de kung fu, judo y karate, y es considerado el padrino espiritual de la escena de las artes marciales mixtas de hoy en día. No era un hombre grande, por lo que su presencia era mejor capturada por la lente de la cámara. Además, tenía un rostro delicadamente guapo, casi juvenil, y tenía un encanto y fluidez verbal al exponer sus teorías Zen del combate en entrevistas, algo más parecido a la filosofía motivacional dinámica que cualquier cliché de galletas de la fortuna. Lee tenía una presencia y carisma comparable a Muhammad Ali, y eso quizás nunca fue mejor capturado que en Enter the Dragon. Quizás solo Jackie Chan lo compite ahora como una estrella asiática en Hollywood, y Hollywood no ha mostrado mucho interés en promocionar a un asiático-estadounidense de primera categoría desde Enter the Dragon. Lee interpreta a un maestro Shaolin que es convocado por la inteligencia británica para participar en un torneo de artes marciales encubierto. Este evento está dirigido por un siniestro megalómano llamado Han, sospechoso de estar involucrado en drogas y prostitución. Lee tiene una disputa personal con Han, cuyos matones aterrorizaron e intentaron violar a la hermana menor de Lee: se suicidó en lugar de someterse. Aparece en la isla con un par de luchadores estadounidenses: Williams, interpretado por Jim Kelly, proporciona cierta credibilidad callejera al estilo de Shaft, mientras que Roper, interpretado por John Saxon, es un tipo playboy que está cerca de la plantilla de James Bond. En verdad, por supuesto, es el mismo Lee quien es el James Bond, pero no es mujeriego. Bruce Lee tiene una pureza y espiritualidad monárquica, con un enfoque similar a un láser en exponer a Han y, por supuesto, patear culos. El aspecto de la película es exótico y extravagante, especialmente su inspirado enfrentamiento en el salón de los espejos, con Lee luciendo los extraños cortes casi tribales en su abdomen. Su extraño grito de animal tembloroso y su mirada penetrante son totalmente únicos. Pero lo que hace que Enter the Dragon eclipse al resto es el idealismo sereno y casi inocente del propio Lee. En las escenas iniciales, Lee habla humildemente con el anciano Abad en su templo, toma un té con el jefe de inteligencia británico Braithwaite e interrumpe su conversación para instruir a un adolescente en artes marciales. Cuando este joven exaltado es fácilmente superado en combate, Lee le dice con inimitable seriedad: «Necesitamos contenido emocional, no ira.»Es la filosofía de este clásico de las artes marciales, y su estrella única. Peter Bradshaw
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