Composition idiomatique.
Les compositeurs baroques ont souvent écrit de la musique pour des instruments particuliers, en tenant compte de leurs sons et de leurs qualités particulières — c’est—à-dire de leurs possibilités tonales et harmoniques, de leur voix distinctive et de leur gamme de hauteurs – pour produire des œuvres qui ont souvent été qualifiées d' » idiomatiques. »Les compositeurs sont devenus de plus en plus prescriptifs quant aux instruments sur lesquels leur musique devait être jouée. Par conséquent, la musique de l’époque baroque différait fondamentalement des périodes médiévales et de la Renaissance qui l’avaient précédée. À ces époques antérieures, le choix d’instruments particuliers était en grande partie laissé aux musiciens eux-mêmes, qui étaient libres de choisir parmi toutes les possibilités disponibles pour interpréter une pièce particulière. De nombreux compositeurs baroques, en revanche, sont devenus particulièrement célèbres pour leur écriture pour des instruments spécifiques. Domenico Scarlatti (1685-1757), par exemple, était largement connu pour ses compositions pour le clavecin. Scarlatti lui-même était un claviériste virtuose, et ses œuvres publiées pour le clavecin sont devenues des exercices largement utilisés pour les étudiants. Ces œuvres montraient toute la gamme des possibilités tonales et des effets qui pouvaient être glanés à partir du meilleur jeu sur l’instrument, et elles ont influencé de nombreuses œuvres de compositeurs ultérieurs pour le clavecin. Ce que Scarlatti a contribué à accomplir pour le clavecin, Dietrich Buxtehude (1637-1707) et Johann Sebastian Bach (1685-1750) sont venus le faire pour l’orgue à tuyaux, créant des œuvres qui sont restées depuis leur époque parmi les compositions les plus brillantes et les plus accomplies pour cet instrument. De nombreux exemples peuvent être cités du nouveau répertoire qui a vu le jour pendant le Baroque, qui a été écrit pour les capacités spécifiques des instruments à vent et à cordes aujourd’hui offerts.
Instruments à clavier.
Au XVIIe siècle, les compositeurs avaient le choix entre différents types d’instruments à clavier lorsqu’ils écrivaient leurs œuvres, et chacun d’eux avait ses propres caractéristiques distinctives. Les principaux instruments à clavier du baroque étaient l’orgue, le clavecin, le clavicorde et, à la fin de la période, le pianoforte. Bien que l’orgue soit joué grâce à un clavier, ses sons sont produits par le vent qui se précipite à travers les tuyaux. Parmi les instruments à clavier, il est unique dans sa capacité à maintenir une tonalité particulière tant que l’organiste maintient une touche particulière. L’orgue peut également émettre une grande variété de sons, en fonction de la construction de ses tuyaux. Les orgues baroques ont progressivement augmenté en taille et en complexité et ils en sont venus à offrir la possibilité de jouer une ligne musicale indépendante avec les pieds sur un pédalier. L’utilisation des pédales était particulièrement avancée à l’époque baroque dans le nord de l’Allemagne, et cette région d’Europe avait développé un certain nombre de virtuoses de l’orgue, dont Buxtehude et Bach, au début du XVIIIe siècle. Souvent, l’orgue à tuyaux de la ville était, comme son horloge ou son glockenspiel, une question de fierté intense, et l’instrument a été ajouté, remodelé et modernisé pour s’adapter aux goûts changeants de l’époque. Des personnalités comme Bach complétaient leurs revenus en évaluant les organes d’autres églises et en suggérant aux conseils municipaux et paroissiaux des moyens d’améliorer l’instrument. Les orgues à tuyaux massifs, cependant, n’étaient guère des instruments domestiques, bien que des unités plus petites soient parfois trouvées dans les maisons riches et les palais de la noblesse. Dans l’ensemble, les principaux instruments à clavier domestiques de l’époque étaient le clavicorde et le clavecin, qui produisaient leurs sons en frappant ou en arrachant des cordes. Les musiciens et les compositeurs utilisaient souvent le clavicorde, considérablement plus petit et moins cher que le clavecin, comme instrument de pratique. C’est un instrument difficile à jouer car il nécessite force et dextérité de la main, et produit un son beaucoup plus silencieux qu’un piano moderne. Les musiciens baroques ultérieurs s’y sont souvent appuyés pour développer des forces techniques qu’ils pourraient ensuite appliquer au clavecin et au pianoforte. Contrairement au clavecin, l’instrument offrait une gamme dynamique considérable et, lorsqu’il était frappé vigoureusement, il produisait un son beaucoup plus fort. Peu de compositeurs baroques, cependant, ont exploité les forces de l’instrument, à l’exception de Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), l’un des fils de Johann Sebastian, qui a écrit un certain nombre d’œuvres pour le clavicorde à la fin du XVIIIe siècle. Le clavecin était plus populaire auprès des compositeurs et, depuis le milieu du XVIIe siècle, cet instrument faisait l’objet d’innovations techniques constantes. À cette époque, le clavecin était devenu populaire comme instrument pour la performance solo et pour les chanteurs accompagnateurs. Il a été favorisé en partie parce que sonle son n’était pas différent de celui du luth, qui, à la Renaissance et au début du Baroque, était l’instrument domestique le plus utilisé dans toute l’Europe. Comme le luth, de nombreuses touches pouvaient être frappées simultanément sur le clavecin pour jouer des accords, et pour cette raison, l’instrument a joué un rôle clé dans de nombreux orchestres et ensembles de l’époque baroque. Le clavecin, comme l’orgue, fournissait une source prête d’accompagnement continu à d’autres instruments. Il était également largement utilisé dans les théâtres de l’époque comme instrument privilégié pour accompagner les récitatifs d’opéra. Au milieu du XVIIIe siècle, cependant, sa plage dynamique limitée — c’est—à-dire son incapacité à jouer fort et doux – signifiait qu’il allait être de plus en plus remplacé par le pianoforte une fois que cette plage dynamique est devenue une caractéristique importante de la composition et de la performance. Relativement nouveau parmi les instruments à clavier d’Europe, le pianoforte a été inventé au début du XVIIIe siècle. Plutôt que ses cordes étaient pincées, elles étaient frappées par des marteaux, et un joueur était ainsi capable de produire de grands contrastes dynamiques. C »est pour cette raison que cet instrument était à l »origine connu sous le nom de clavicembalo col piano e forte, ou un « clavecin fort et doux. »Peu de compositeurs de l’époque baroque ont explicitement stipulé l’utilisation du pianoforte dans leurs compositions, car sa popularité n’a gagné du terrain que dans la seconde moitié du XVIIIe siècle.
Instruments à cordes.
Le violon, ainsi que ses instruments à cordes apparentés joués avec des archets, ont pris une grande importance à l’époque baroque, en partie parce que son son a tellement en commun avec la voix humaine, et les compositeurs de l’époque appréciaient beaucoup le chant vocal. Certains compositeurs sont devenus particulièrement connus en tant que compositeurs pour violon et autres instruments à cordes, comme Arcangelo Corelli (1653-1713) et Antonio Vivaldi (1678-1741). Le violon avait commencé à apparaître en Europeau XVe siècle, à peu près à la même époque que la famille d’instruments connus sous le nom de violes s’était développée. Les violons se distinguaient des violes par le fait qu’ils étaient tenus au menton, tandis que les violes étaient généralement tenues sur les genoux ou entre les jambes. Alors que les violes et les violons ont persisté tout au long de la période baroque, les membres de la famille des violes comme la viole de gambe étaient généralement incapables de rivaliser avec les violons en gamme dynamique, et au milieu du XVIIIe siècle, ils avaient commencé à perdre en popularité. Aujourd’hui, la famille des violons se compose du violon, de l’alto légèrement plus grand et plus grave, du violoncelle et de la contrebasse. Bien que ces instruments soient liés à ceux de la période baroque, les violons différaient régionalement en Europe au cours de l’époque, et il y a eu des changements et des développements considérables au fil du temps dans les techniques de construction tout au long de la période. La plupart des pièces écrites pour des ensembles à cordes se concentraient sur des lignes écrites pour le violon et l’alto. L’augmentation indéniable de la popularité du violon au XVIIe siècle se voit dans l’apparition de plusieurs centres de production de violon dans toute l’Europe. Au début du XVIIe siècle, les villes italiennes de Crémone et de Brescia étaient déjà célèbres pour leurs violons, et Crémone devait finalement produire les deux fabricants, Antonio Stradivarius (c. 1644-1737) et Giuseppe Guarneri (1698-1744), selon lesquels les normes de qualité ont été jugées à l’époque moderne. Aux XVIIe et XVIIIe siècles, cependant, de nombreux autres fabricants et régions étaient connus pour la qualité de leurs violons. Les instruments de Jacob Stainer (1617-1683), un producteur du Tyrol en Autriche, ont été largement admirés dans toute l’Europe, tout comme ceux produits à Mirecourt et à Paris en France. Les variations régionales dans la composition et les pratiques musicales tendaient de plus en plus à produire des différences dans le style de jeu du violon dans toute l’Europe. À la fin du XVIIe siècle, par exemple, il existait un « style français » reconnaissable du jeu du violon qui se caractérisait par un plus grand contrôle de l’archet et de la précision du rythme et de l’utilisation des ornementations, un style qui dérivait de l’utilisation du violon en France pour accompagner les opéras et les ballets et dans le jeu des ouvertures françaises. En revanche, le style italien de composition pour violon s’est concentré sur la démonstration de la virtuosité d’un joueur à travers de brillants passages d’ornements, de pistes et de trilles.
Bois.
Les instruments à vent avaient une variété d’utilisations. Certains, comme les cornes et les trompettes, étaient souvent utilisés à l’extérieur pour les fanfares, les processions, la chasse et les occasions militaires. Ils étaient plus souvent utilisés en groupe et servaient rarement d’instruments solos. D’un autre côté, certains instruments à vent sont devenus si populaires que les fabricants d’instruments les ont aidés à les adapter et à les changer afin d’en faire de meilleurs instruments solos, bien que les instruments à vent aient continué à servir également dans les performances d’ensemble. À la fin du XVIIe siècle, la flûte et le hautbois avaient commencé à rivaliser avec le violon en tant qu’instruments solistes aussi expressifs qu’un chanteur. Pendant la période baroque, les flûtes étaient produites en deux variétés différentes: la flûte à bec et la flûte traversière. Les flûtes à bec sont jouées en soufflant de l’air à travers un trou à leur extrémité, tandis que la flûte traversière est maintenue sur le côté. Jusque vers 1740, les compositeurs écrivaient de la musique pour les deux instruments, bien qu’après cette date, la flûte traversière ait été favorisée presque partout. Les fabricants d’instruments ont travaillé pour étendre leur gamme de hauteurs, à l’instar des changements dans les instruments à clavier de l’époque; ils ont également cherché à améliorer la qualité du son dans toute cette gamme, afin que les nouvelles flûtes et hautbois baroques puissent jouer deux octaves et plus. Le roi de Prusse, Frédéric II (le Grand; r. 1740-1786) était connu pour ses excellentes compétences dans le jeu de la flûte. En 1740, Frédéric a invité le célèbre flûtiste et compositeur Johann Joachim Quantz en Prusse pour servir de compositeur de cour. Quantz a fourni une généreuse distribution de compositions utilisant la flûte traversière, le propre instrument de Frederick. Il était également un fabricant de flûte réputé, et il produisit un certain nombre de flûtes pour le roi et pour la maison royale. Un certain nombre d’autres compositeurs du XVIIIe siècle ont écrit des œuvres pour flûte solo ou hautbois, telles que des sonates, tout comme ils ont écrit pour le violon, parmi lesquels Carl Philipp Emanuel Bach (qui a travaillé pour Frédéric le Grand pendant plusieurs années) et Georg Philipp Telemann. Au fur et à mesure que la forme du concerto se développait dans les époques baroque et classique ultérieures, la flûte et le hautbois se sont également transformés en rôles solistes, pour être rejoints à la fin du siècle par le plus récent vent de bois, la clarinette. La clarinette a une gamme de hauteurs similaire à celle de la flûte et du hautbois, mais son son particulier et sa grande gamme dynamique l’ont rendue attrayante pour les compositeurs de la fin du XVIIIe siècle, et elle est rapidement devenue un instrument de musique standard à la fois pour les ensembles et pour l’exécution en solo.
sources
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