Idiomatisk Sammensetning.
Barokkkomponister skrev ofte musikk for bestemte instrumenter, og tok hensyn til deres spesielle lyder og kvaliteter—det vil si deres tonale og harmoniske muligheter, deres særegne stemme og rekkevidde av tonehøyde—for å produsere verk som ofte har blitt beskrevet som «idiomatiske.»Komponister ble stadig mer prescriptive om instrumentene som deres musikk skulle spilles på. Derfor var musikken i Barokktiden forskjellig fundamentalt fra middelalderen og Renessansen som hadde gått foran den. I de tidligere epoker valget av bestemte instrumenter hadde i stor grad vært overlatt til musikere selv, som var fri til å velge fra alle tilgjengelige muligheter til å utføre et bestemt stykke. Mange Barokke komponister, derimot, ble spesielt kjent for sin skriving for spesifikke instrumenter. Domenico Scarlatti (1685-1757) var for eksempel kjent for sine komposisjoner for cembalo. Scarlatti selv var en virtuos tastaturspiller, og hans publiserte verk for cembalo ble mye brukt øvelser for studenter. Disse verkene viste frem hele spekteret av tonale muligheter og effekter som kunne hentes fra det beste å spille på instrumentet, og de påvirket mange senere komponisters verk for cembalo. Hva Scarlatti bidro til å oppnå For cembalo, Dietrich Buxtehude (1637-1707) og Johann Sebastian Bach (1685-1750) kom til å gjøre for pipeorgel, skape verk som har vært siden sin tid blant de mest briljante og dyktig komposisjoner for dette instrumentet. Tallrike eksempler kan bli sitert på nytt repertoar som ble til under Barokken, som ble skrevet for de spesifikke evner treblåseinstrumenter og strengeinstrumenter nå tilbys.
Tastaturinstrumenter.
av det syttende århundre komponister hadde en rekke forskjellige typer keyboard instrumenter å velge mellom når de skrev sine verker, og hver av disse hadde sine egne særtrekk. Barokkens viktigste klaviaturinstrumenter var orgel, cembalo, clavichord, og på slutten av perioden pianoforte. Selv om orgelet spilles i kraft av et tastatur, blir lydene produsert av vind som rushing gjennom rør. Blant keyboardinstrumenter er det unikt i sin evne til å opprettholde en bestemt tone så lenge organisten holder nede en bestemt nøkkel. Orgelet kan også lage et bredt utvalg av lyder, avhengig av konstruksjonen av rørene. Barokkorgler vokste stadig i størrelse og kompleksitet, og de kom til å tilby muligheten til å spille en uavhengig musikalsk linje med føttene på en pedalboard. Bruk av pedalene var spesielt avansert I Barokken i nord-Tyskland, og denne regionen I Europa hadde utviklet en rekke orgelvirtuoser, inkludert Buxtehude Og Bach, ved tidlig attende århundre. Oftea town pipeorgel var, som sin klokke eller klokkespill, et spørsmål om intens stolthet, og instrumentet ble lagt på, ombygd, og modernisert for å passe skiftende smak av æra. Tall som Bach supplert sine inntekter ved å evaluere organer i andre kirker, og foreslå til byen og menighetsråd måter som instrumentet kan forbedres. Massive rørorganer var imidlertid knapt husholdningsinstrumenter, selv om mindre skalerte enheter noen ganger ble funnet i velstående hjem og palasser av adelen. I stor grad var de viktigste innenlandske tastaturinstrumentene av epoken clavichord og cembalo, som produserte lydene sine ved å slå eller plukke strenger. Musikere og komponister brukte ofte clavichordet, betydelig mindre og billigere enn cembalo, som et øvelsesinstrument. Det er et vanskelig instrument å spille siden det krever styrke og fingerferdighet av hånden, og produserer en mye roligere lyd enn et moderne piano. Senere Barokkmusikere stolte ofte på det for å bygge tekniske styrker som de da kunne søke på cembalo og pianoforte-spill. I motsetning til cembalo, instrumentet gitt et betydelig dynamisk område, og når truffet kraftig det produsert en mye høyere tone. Få barokkkomponister utnyttet instrumentets styrker, med unntak Av Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), En Av Johann Sebastians sønner, som skrev en rekke verk for clavichord i det senere attende århundre. Cembalo var mer populært blant komponister, og siden midten av syttende århundre hadde dette instrumentet gjennomgått konstante tekniske innovasjoner. På den tiden hadde cembalo blitt populært som et instrument for solo ytelse og for tilhørende sangere. Det ble favorisert delvis fordi itssound var ikke ulikt det av lutt, som i Både Renessansen og tidlig Barokk perioder var den vanligste innenlandske instrument i Bruk I Hele Europa. Som lutt, mange nøkler kan bli truffet på cembalo samtidig å spille akkorder, og av denne grunn instrumentet spilte en nøkkelrolle i mange av orkestre og ensembler I Barokktiden. Cembalo, som orgel, ga en klar kilde til kontinuerlig akkompagnement til andre instrumenter. Det ble også mye brukt i teatrene på den tiden som instrumentet favoriserte å følge operatiske recitativer. Ved midten av det attende århundre, derimot, sin begrenset dynamisk område—det vil si sin manglende evne til å spille høyt og mykt—betydde at det skulle bli stadig erstattet av fortepiano når et slikt dynamisk område ble et fremtredende trekk ved komposisjon og ytelse. En relativ nykommer blant tastaturinstrumentene I Europa, fortepiano ble oppfunnet i de tidlige årene av det attende århundre. Snarere enn sine strenger blir plukket, de ble truffet av hammere, og en spiller var dermed i stand til å produsere store dynamiske kontraster. Det var av denne grunn at det instrumentet var opprinnelig kjent som clavicembalo col piano e forte, eller en » høyt og mykt cembalo.»Få barokk-era komponister eksplisitt fastsatt pianoforte bruk i sine komposisjoner, siden dens popularitet ikke få bakken til andre halvdel av det attende århundre.
Strengeinstrumenter.
fiolinen, sammen med sine beslektede strengeinstrumenter spilt med buer, steg til stor prominens i Barokktiden, delvis fordi lyden har så mye til felles med den menneskelige stemmen, og komponister fra epoken verdsatt vokalsang høyt. Noen komponister ble spesielt kjent som komponister for fiolin og andre strengeinstrumenter, Som Arcangelo Corelli (1653-1713) Og Antonio Vivaldi (1678-1741). Fiolen hadde begynt å vises I Europai det femtende århundre, omtrent samme tid som familien av instrumenter kjent som violer hadde utviklet seg. Fioliner ble skilt fra violer ved at de ble holdt på haken, mens violene vanligvis ble holdt i fanget eller mellom bena. Mens både violer og fioliner vedvarte gjennom Barokken, medlemmer av viol familien som viola da gamba var generelt ikke i stand til å konkurrere med fioliner i dynamisk rekkevidde, og ved midten av attende århundre hadde de begynt å falme i popularitet. I dag består fiolinfamilien av fiolin, den litt større og lavere pitched bratsj, cello, og kontrabass. Mens disse instrumentene er knyttet til De Av Barokken, fioliner skilte regionalt I Europa i løpet av tiden, og det var betydelig endring og utvikling over tid i konstruksjonsteknikker gjennom hele perioden. De fleste stykker skrevet for strengensembler konsentrert på linjer skrevet for fiolin og bratsj. Den ubestridelige økningen i fiolinens popularitet i det syttende århundre kan ses i utseendet på en rekke sentre for fiolinproduksjon i Hele Europa. Ved begynnelsen av det syttende århundre de italienske byene Cremona og Brescia var allerede kjent for sine fioliner, Og Cremona var til slutt å produsere De To skaperne, Antonio Stradivarius (c. 1644-1737) Og Giuseppe Guarneri (1698-1744), etter hvilke kvalitetsstandarder har blitt dømt i moderne tid. I det syttende og attende århundre, derimot, mange andre beslutningstakere og regioner var kjent for kvaliteten på sine fioliner. Instrumentene Til Jacob Stainer (1617-1683), en produsent Fra Tyrol I Østerrike, ble beundret over Hele Europa, som de som ble produsert I Mirecourt og Paris I Frankrike. Regionale variasjoner i musikalsk komposisjon og praksis tendens mer og mer å produsere forskjeller i stil med fiolinspill I Hele Europa. Ved slutten av det syttende århundre, for eksempel, var det en gjenkjennelig «fransk stil» av fiolinspill som ble preget av større kontroll over bukking og presisjon i rytme og bruk av ornamenter, en stil som stammer fra bruken av fiolin I Frankrike for å følge operaer og balletter og i spillingen av de franske overtures. Derimot konsentrerte den italienske komposisjonsstilen for fiolin seg om å vise frem en spillers virtuositet gjennom strålende passasjer av ornamenter, løp og triller.
Treblåsere.
Blåseinstrumenter hadde en rekke bruksområder. Noen, som horn og trompeter, ble ofte brukt utendørs for fanfarer, prosesjoner, jakt, og militære anledninger. De ble oftere brukt i grupper, og tjente sjelden som soloinstrumenter. På den annen side ble noen treblåsere så populære at instrumentmakere bidro til å tilpasse og forandre dem for å gjøre dem bedre soloinstrumenter, selv om treblåsere fortsatte å tjene i ensembleopptredener også. Ved det senere syttende århundre hadde fløyten og oboen begynt å konkurrere med fiolin som soloinstrumenter som kunne være like uttrykksfulle som en sanger. I Barokkperioden ble fløyter produsert i to forskjellige varianter: opptakeren og tverrfløyten. Opptakere spilles ved å blåse luft gjennom et hull i enden, mens tverrfløyten holdes sidelengs. Fram til rundt 1740 skrev komponister musikk for begge instrumentene, men etter denne datoen ble tverrfløyten favorisert nesten overalt. Instrument beslutningstakere jobbet for å utvide sitt utvalg av pitch, lik endringene i epoken ‘ s keyboardinstrumenter; de søkte også å forbedre lydkvaliteten i hele dette området, slik at de nye barokke fløyter og oboer kunne spille to oktaver og mer. Kongen Av Preussen, Fredrik II (den Store, r. 1740-1786) var kjent for sine gode ferdigheter i å spille fløyte. I 1740 inviterte Fredrik den kjente fløytisten Og komponisten Johann Joachim Quantz til Preussen for å tjene som hoffkomponist. Quantz leverte en generøs utgassing av komposisjoner som gjorde bruk Av tverrfløyten, Fredericks eget instrument. Han var også en kjent fløytemaker, og han produserte en rekke fløyter for kongen og for bruk i den kongelige husholdningen. En rekke andre attende århundre komponister skrev verk for solo fløyte eller obo, som sonater, mye som de skrev for fiolin, blant Dem Carl Philipp Emanuel Bach (som jobbet For Fredrik Den Store i en årrekke) og Georg Philipp Telemann. Etter hvert som konsertformen utviklet seg i De senere Barokke og klassiske epoker, flyttet fløyte og obo inn i solo roller her også, for å bli sluttet på slutten av århundret av den nyeste tre-vind, klarinett. Klarinett har en lignende pitch rekkevidde til fløyte og obo, men både sin spesielle lyd og sin store dynamisk område gjorde det attraktivt for komponister i det senere attende århundre, og det ble snart en standard musikkinstrument både for ensembler og for solo ytelse.
kilder
Gerald Abraham, red., Konsertmusikk (1630-1750) (Oxford: Oxford University Press, 1986).
Philip Bate, Oboen: En Oversikt Over Dens Historie, Utvikling Og Konstruksjon (London: E. Benn, 1975).
David D. Boyden, red., Fiolinfamilie (London: Macmillan, 1989).
Rachel Brown, Tidlig Fløyte: En Praktisk Guide (Cambridge, England: Cambridge University Press, 2002).
Donald Jay Grout og Claude V. Palisca, En Historie Om Vestlig Musikk. 6.utg. (New York; London: W. W. Norton, 1996).
Bruce Haynes, Den Veltalende Obo: En Historie Om Hautboy, 1640-1760 (Oxford: Oxford University Press, 2001).
Claude V. Palisca, Barokkmusikk. 3.utg. (Englewood Cliffs, N. J.: Prentice Hall, 1991).