Composizione idiomatica.
I compositori barocchi spesso scrivevano musica per strumenti particolari, tenendo conto dei loro suoni e qualità speciali—cioè delle loro possibilità tonali e armoniche, della loro voce distintiva e della gamma di toni—per produrre opere che spesso sono state descritte come “idiomatiche.”I compositori sono diventati sempre più prescrittivi sugli strumenti su cui la loro musica dovrebbe essere suonata. Quindi, la musica dell’era barocca differiva fondamentalmente dai periodi medievali e rinascimentali che l’avevano preceduta. In quelle epoche precedenti la scelta di strumenti particolari era stata in gran parte lasciata ai musicisti stessi, che erano liberi di scegliere tra tutte le possibilità disponibili per eseguire un particolare pezzo. Molti compositori barocchi, al contrario, divennero particolarmente famosi per la loro scrittura per strumenti specifici. Domenico Scarlatti (1685-1757), ad esempio, era ampiamente conosciuto per le sue composizioni per il clavicembalo. Scarlatti stesso era un tastierista virtuoso, e le sue opere pubblicate per il clavicembalo divennero esercizi ampiamente utilizzati per gli studenti. Queste opere hanno mostrato l’intera gamma di possibilità tonali ed effetti che potrebbero essere ricavati dal miglior suonare sullo strumento, e hanno influenzato molte opere di compositori successivi per il clavicembalo. Ciò che Scarlatti contribuì a realizzare per il clavicembalo, Dietrich Buxtehude (1637-1707) e Johann Sebastian Bach (1685-1750) vennero a fare per l’organo a canne, creando opere che sono rimaste dal loro tempo tra le composizioni più brillanti e compiute per quello strumento. Si possono citare numerosi esempi di un nuovo repertorio nato durante il Barocco, che fu scritto per le capacità specifiche degli strumenti a fiato e ad arco ora offerti.
Strumenti a tastiera.
Nel XVII secolo i compositori avevano un certo numero di diversi tipi di strumenti a tastiera tra cui scegliere quando scrivevano le loro opere, e ognuno di questi aveva le sue caratteristiche distintive. I principali strumenti a tastiera del barocco erano l’organo, il clavicembalo, il clavicordo e, alla fine del periodo, il pianoforte. Sebbene l’organo sia suonato in virtù di una tastiera, i suoi suoni sono prodotti dal vento che scorre attraverso i tubi. Tra gli strumenti a tastiera è unico nella sua capacità di sostenere un particolare tono fino a quando l’organista tiene premuto un particolare tasto. L’organo può anche fare una grande varietà di suoni, a seconda della costruzione dei suoi tubi. Gli organi barocchi crescevano costantemente in dimensioni e complessità e offrivano la possibilità di suonare una linea musicale indipendente con i piedi su una pedaliera. L’uso dei pedali era particolarmente avanzato nel periodo barocco nella Germania settentrionale, e questa regione d’Europa aveva sviluppato un certo numero di virtuosi dell’organo, tra cui Buxtehude e Bach, all’inizio del XVIII secolo. L’organo a canne di Oftena town era, come il suo orologio o glockenspiel, una questione di intenso orgoglio, e lo strumento è stato aggiunto, rimodellato e modernizzato per adattarsi ai gusti mutevoli dell’epoca. Figure come Bach completavano le loro entrate valutando gli organi di altre chiese e suggerendo ai consigli comunali e parrocchiali i modi in cui lo strumento poteva essere migliorato. Gli organi a canne massicci, tuttavia, non erano certo strumenti domestici, sebbene a volte si trovassero unità in scala più piccola nelle case benestanti e nei palazzi della nobiltà. In generale, i principali strumenti a tastiera nazionali dell’epoca erano il clavicordo e il clavicembalo, che producevano i loro suoni colpendo o strappando le corde. Musicisti e compositori spesso usavano il clavicordo, considerevolmente più piccolo e meno costoso del clavicembalo, come strumento di pratica. È uno strumento difficile da suonare poiché richiede forza e destrezza della mano e produce un suono molto più silenzioso di un pianoforte moderno. Più tardi i musicisti barocchi spesso si basavano su di esso per costruire punti di forza tecnici che potevano poi applicare al clavicembalo e al pianoforte. A differenza del clavicembalo, lo strumento forniva una notevole gamma dinamica e, quando veniva colpito vigorosamente, produceva un tono molto più forte. Pochi compositori barocchi, tuttavia, sfruttarono i punti di forza dello strumento, ad eccezione di Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), uno dei figli di Johann Sebastian, che scrisse una serie di opere per il clavicordo nel tardo XVIII secolo. Il clavicembalo era più popolare tra i compositori, e dalla metà del XVII secolo questo strumento era stato sottoposto a costanti innovazioni tecniche. A quel tempo il clavicembalo era diventato popolare come strumento per l’esecuzione solista e per accompagnare i cantanti. Era favorito in parte perché il suo suono non era dissimile da quello del liuto, che sia nel Rinascimento che nel primo periodo barocco era lo strumento domestico più comune in uso in tutta Europa. Come il liuto, molti tasti potevano essere battuti sul clavicembalo contemporaneamente per suonare gli accordi, e per questo motivo lo strumento ha giocato un ruolo chiave in molte delle orchestre e degli ensemble dell’epoca barocca. Il clavicembalo, come l’organo, forniva una pronta fonte di accompagnamento continuo ad altri strumenti. Era anche ampiamente utilizzato nei teatri del tempo come strumento favorito per accompagnare recitativi operistici. Verso la metà del XVIII secolo, tuttavia, la sua limitata gamma dinamica—cioè la sua incapacità di suonare forte e morbido-significava che doveva essere sempre più sostituito dal fortepiano una volta che tale gamma dinamica divenne una caratteristica prominente della composizione e delle prestazioni. Relativamente nuovo tra gli strumenti a tastiera d’Europa, il fortepiano fu inventato nei primi anni del XVIII secolo. Piuttosto che le sue corde essere pizzicate, sono stati colpiti da martelli, e un giocatore è stato così in grado di produrre grandi contrasti dinamici. Fu per questo motivo che quello strumento era originariamente conosciuto come il clavicembalo col piano e forte, o un “clavicembalo forte e morbido.”Pochi compositori dell’epoca barocca stabilirono esplicitamente l’uso del pianoforte nelle loro composizioni, poiché la sua popolarità non guadagnò terreno fino alla seconda metà del XVIII secolo.
Strumenti a corda.
Il violino, insieme ai relativi strumenti a corda suonati con gli archi, è salito a grande risalto durante l’epoca barocca, in parte perché il suo suono ha così tanto in comune con la voce umana, e compositori dell’epoca apprezzato molto canto vocale. Alcuni compositori divennero particolarmente noti come compositori per il violino e altri strumenti a corda, come Arcangelo Corelli (1653-1713) e Antonio Vivaldi (1678-1741). Il violino aveva iniziato ad apparire in Europanel XV secolo, circa nello stesso periodo in cui si era sviluppata la famiglia di strumenti noti come viole. I violini erano distinti dalle viole per il fatto che erano tenuti al mento, mentre le viole erano solitamente tenute in grembo o tra le gambe. Mentre sia le viole che i violini persistevano per tutto il periodo barocco, i membri della famiglia viol come la viola da gamba erano generalmente incapaci di competere con i violini nella gamma dinamica, e verso la metà del XVIII secolo avevano iniziato a svanire in popolarità. Oggi la famiglia dei violini è composta dal violino, la viola leggermente più grande e più bassa, il violoncello e il contrabbasso. Mentre questi strumenti sono legati a quelli del periodo barocco, violini differivano a livello regionale in Europa durante l’epoca, e ci fu un notevole cambiamento e lo sviluppo nel corso del tempo nelle tecniche di costruzione per tutto il periodo. La maggior parte dei pezzi scritti per ensemble di archi si concentrava su linee scritte per violino e viola. L’innegabile aumento della popolarità del violino nel diciassettesimo secolo può essere visto nella comparsa di un certo numero di centri di produzione di violino in tutta Europa. All’inizio del XVII secolo le città italiane di Cremona e Brescia erano già famose per i loro violini, e Cremona fu alla fine a produrre i due produttori, Antonio Stradivarius (c. 1644-1737) e Giuseppe Guarneri (1698-1744), con cui gli standard di qualità sono stati giudicati in tempi moderni. Nei secoli XVII e XVIII, tuttavia, molti altri produttori e regioni erano noti per la qualità dei loro violini. Gli strumenti di Jacob Stainer (1617-1683), un produttore del Tirolo in Austria, furono ampiamente ammirati in tutta Europa, così come quelli prodotti a Mirecourt e Parigi in Francia. Le variazioni regionali nella composizione e nelle pratiche musicali tendevano sempre più a produrre differenze nello stile del violino in tutta Europa. Alla fine del XVII secolo, ad esempio, c’era un riconoscibile “stile francese” del violino che era caratterizzato da un maggiore controllo sull’inchino e precisione nel ritmo e l’uso di ornamenti, uno stile che derivava dall’uso del violino in Francia per accompagnare opere e balletti e nel suonare le ouverture francesi. Al contrario, lo stile italiano della composizione per violino si concentrava sul mostrare il virtuosismo di un giocatore attraverso brillanti passaggi di ornamenti, corse e trilli.
Fiati.
Gli strumenti a fiato avevano una varietà di usi. Alcuni, come corni e trombe, erano spesso usati all’aperto per fanfare, processioni, caccia e occasioni militari. Erano più spesso usati in gruppi e raramente servivano come strumenti solisti. D’altra parte, alcuni fiati divennero così popolari che i produttori di strumenti aiutarono ad adattarli e modificarli per renderli migliori strumenti solisti, anche se i fiati continuarono a servire anche nelle esibizioni d’ensemble. Verso la fine del XVII secolo, il flauto e l’oboe avevano iniziato a competere con il violino come strumenti solisti che potevano essere espressivi come un cantante. Durante il periodo barocco i flauti venivano prodotti in due diverse varietà: il flauto flauto traverso e il flauto flauto traverso. I registratori vengono riprodotti soffiando aria attraverso un foro nella loro estremità, mentre il flauto trasversale viene tenuto lateralmente. Fino al 1740 circa, i compositori scrivevano musica per entrambi gli strumenti, anche se dopo questa data il flauto traverso venne favorito quasi ovunque. I produttori di strumenti hanno lavorato per estendere la loro gamma di intonazione, simile ai cambiamenti negli strumenti a tastiera dell’epoca; hanno anche cercato di migliorare la qualità del suono in tutta quella gamma, in modo che i nuovi flauti e oboi barocchi potessero suonare due ottave e più. Il re di Prussia, Federico II (il Grande; r. 1740-1786) era noto per le sue eccellenti capacità nel suonare il flauto. Nel 1740, Federico invitò il noto flautista e compositore Johann Joachim Quantz in Prussia per servire come compositore di corte. Quantz ha fornito un generoso out-versando di composizioni facendo uso del flauto traverso, strumento proprio di Frederick. Fu anche un noto produttore di flauti, e produsse un certo numero di flauti per il re e per l’uso nella casa reale. Un certo numero di altri compositori del XVIII secolo ha scritto opere per flauto solo o oboe, come sonate, molto come hanno scritto per il violino, tra loro Carl Philipp Emanuel Bach (che ha lavorato per Federico il Grande per un certo numero di anni) e Georg Philipp Telemann. Mentre la forma concertistica si sviluppava nelle successive epoche barocca e classica, il flauto e l’oboe si spostarono anche qui in ruoli solistici, per essere uniti alla fine del secolo dal più recente vento di legno, il clarinetto. Il clarinetto ha una gamma di intonazione simile al flauto e all’oboe, ma sia il suo suono particolare che la sua grande gamma dinamica lo resero attraente per i compositori del tardo XVIII secolo, e divenne presto uno strumento musicale standard sia per gli ensemble che per l’esecuzione solista.
fonti
Gerald Abraham, ed., Concert Music (1630-1750) (Oxford: Oxford University Press, 1986).
Philip Bate, The Oboe: an Outline of Its History, Development and Construction (London: E. Benn, 1975).
David D. Boyden, ed., Violin Family (Londra: Macmillan, 1989).
Rachel Brown, The Early Flute: a Practical Guide (Cambridge, England: Cambridge University Press, 2002).
Donald Jay Grout e Claude V. Palisca, Una storia della musica occidentale. 6a ed. (New York; Londra: W. W. Norton, 1996).
Bruce Haynes, The Eloquent Oboe: a History of the Hautboy, 1640-1760 (Oxford: Oxford University Press, 2001).
Claude V. Palisca, Musica barocca. 3a ed. (Englewood Cliffs, N. J.: Prentice Hall, 1991).