慣用的な構成。
バロックの作曲家は、しばしば特定の楽器のための音楽を書いて、彼らの特別な音と資質、すなわち彼らの色調と調和の可能性、独特の声、ピッチの範囲を考慮して、しばしば”慣用的”と記述されている作品を制作する。”作曲家は、彼らの音楽が演奏されるべき楽器についてますます規範的になりました。 したがって、バロック時代の音楽は、それ以前の中世およびルネサンス期とは根本的に異なっていました。 これらの以前の時代には、特定の楽器の選択は、主に特定の作品を実行するために利用可能なすべての可能性から自由に選択したミュージシャン自身 対照的に、多くのバロック作曲家は、特定の楽器のための執筆で特に有名になりました。 例えば、ドメニコ-スカルラッティ（1685年-1757年）は、チェンバロのための作曲で広く知られていた。 Scarlatti自身は名手のキーボード奏者であり、チェンバロのための彼の出版された作品は学生のための広く使用された練習になった。 これらの作品は、楽器で最高の演奏から収集することができる音色の可能性と効果の完全な範囲を披露し、彼らはチェンバロのための多くの後の作曲家の作品に影響を与えました。 スカルラッティがチェンバロのために達成するのを助けたことは、ディートリヒ-ブクステフーデ（1637年-1707年）とヨハン-セバスチャン-バッハ（1685年-1750年）がパイプオルガンのために行うようになり、その楽器のための最も華麗で熟練した作曲の中で彼らの時代から残っている作品を制作した。 多くの例は、現在提供されている特定の能力木管楽器や弦楽器のために書かれたバロックの間に生まれた新しいレパートリーの引用されるかもしれません。
鍵盤楽器。
十七世紀の作曲家は、作品を書くときに選択する鍵盤楽器の数を持っていましたが、これらのそれぞれが独自の特徴を持っていました。 バロックの主要な鍵盤楽器はオルガン、チェンバロ、クラヴィコードであり、期間の終わりにはピアノフォルテであった。 オルガンはキーボードのおかげで演奏されますが、その音はパイプを通って急いで風によって生成されます。 鍵盤楽器の中では、オルガニストが特定のキーを押したままである限り、特定のトーンを維持する能力がユニークです。 オルガンはまた、パイプの構造に応じて、さまざまな音を出すことができます。 バロック様式のオルガンは着実にサイズと複雑さが増し、ペダルボード上の足で独立した音楽ラインを演奏する可能性を提供するようになりました。 ペダルの使用は北ドイツのバロック時代に特に進歩し、ヨーロッパのこの地域は18世紀初頭までにブクステフーデやバッハを含む多くのオルガン名手を発達させていた。 多くの場合、町のパイプオルガンは、その時計やグロッケンシュピールのように、強烈な誇りの問題であり、楽器は時代の変化する好みに合わせて追加、改造、近代化された。 バッハのような人物は、他の教会の器官を評価し、町や教区の評議会に楽器を改善する方法を提案することによって収入を補った。 しかし、巨大なパイプオルガンはほとんど家庭用の楽器ではなかったが、裕福な家や貴族の宮殿では小規模な単位が見られることがあった。 全体として、時代の主要な国内の鍵盤楽器は、弦を打つか摘み取ることによって音を出すクラビコードとチェンバロでした。 音楽家や作曲家は、しばしば練習楽器として、チェンバロよりもかなり小さく、安価なクラビコードを使用しました。 それは手の強さと器用さを必要とするので、演奏するのが難しい楽器であり、現代のピアノよりもはるかに静かな音を生成します。 後のバロック音楽の音楽家は、しばしばチェンバロやピアノフォルテの演奏に適用できる技術的な強みを構築するためにそれに頼っていました。 チェンバロとは異なり、楽器はかなりのダイナミックレンジを提供し、激しく打たれたとき、それははるかに大きな音を生成しました。 しかし、18世紀後半にクラヴィコードのために多くの作品を書いたヨハン-セバスチャンの息子の一人であるカール-フィリップ-エマヌエル-バッハ（1714年-1788年）を除いて、バロック音楽の作曲家はこの楽器の強みを利用していた。 チェンバロは作曲家に人気があり、十七世紀半ば以来、この楽器は一定の技術革新を受けていました。 当時、チェンバロはソロ演奏や伴奏歌手のための楽器として人気を博していました。 ルネサンス期と初期バロック期の両方でヨーロッパ全体で使用されている最も一般的な国内楽器であったリュートのそれとは違っていなかったため、部分的に好まれていた。 リュートのように、多くの鍵を同時にチェンバロに打ち付けて和音を演奏することができ、このため、バロック時代の多くのオーケストラやアンサンブルで重要な役割を果たした。 チェンバロは、オルガンのように、他の楽器に連続的な伴奏の準備ができていた源を提供しました。 また、当時の劇場では、オペラのリサイタルに同行するために好まれていた楽器として広く使用されていました。 18世紀半ばまでに、しかし、その限られたダイナミックレンジ—つまり、大声で、ソフト再生することができないことは—そのようなダイナミックレンジは、組成物とパフォーマンスの顕著な特徴となった後、それはますますフォルテピアノに置き換えられるようになったことを意味しました。 ヨーロッパの鍵盤楽器の中でも比較的新しい楽器であるフォルテピアノは、十八世紀の初めに発明されました。 その弦を摘まれるのではなく、ハンマーで打たれ、プレイヤーは大きなダイナミックなコントラストを作り出すことができました。 その楽器はもともとclavicembalo col piano e forte、または”大声で柔らかいチェンバロ”として知られていたのはこの理由のためでした。”いくつかのバロック時代の作曲家は、その人気が十八世紀の後半まで地面を得ていなかったので、明示的に彼らの組成物にピアノフォルテの使用を
弦楽器。
バイオリンは、弓で演奏される関連する弦楽器とともに、バロック時代に大きな隆起をもたらしました。 アルカンジェロ-コレッリ（1653年-1713年）やアントニオ-ヴィヴァルディ（1678年-1741年）など、ヴァイオリンや他の弦楽器の作曲家として特によく知られるようになった。 ヴァイオリンはヨーロッパで登場し始めていたviolsとして知られている楽器の家族が開発したのとほぼ同じ時間に、十五世紀に。 バイオリンは、彼らが顎で保持されていたという事実によってヴィオールと区別され、ヴィオールは通常、膝の中または脚の間で保持されていた。 ヴィオラとヴァイオリンの両方がバロック時代を通じて存続していたが、ヴィオラ-ダ-ガンバのようなヴィオラ家のメンバーは、一般的にダイナミック-レンジでヴァイオリンと競合することができず、18世紀半ばまでには人気が薄れ始めていた。 今日、ヴァイオリンの家族は、バイオリン、わずかに大きく、低いピッチのヴィオラ、チェロ、ダブルベースで構成されています。 これらの楽器はバロック時代のものと関連していますが、バイオリンは時代の間にヨーロッパで地域的に異なり、期間を通じて建設技術に大きな変化と発展がありました。 弦楽器アンサンブルのために書かれたほとんどの作品は、ヴァイオリンとヴィオラのために書かれた行に集中していました。 17世紀におけるヴァイオリンの人気の否定できない上昇は、ヨーロッパ中のヴァイオリン生産の中心の数の出現で見ることができます。 クレモナとブレシアのイタリアの町はすでにバイオリンで有名であり、クレモナは最終的にアントニオ-ストラディヴァリウス（1644年-1737年）とジュゼッペ-グアルネリ（1698年-1744年）の二人のメーカーを生産することになった。 しかし、17世紀から18世紀には、他の多くのメーカーや地域がバイオリンの品質で知られていました。 オーストリアのチロル地方の生産者であったヤコブ-ステイナー（1617年-1683年）の楽器は、フランスのミールコートやパリで生産されたものと同様に、ヨーロッパ全土で広く賞賛された。 音楽の構成や練習の地域の変化は、ヨーロッパ全体でバイオリン演奏のスタイルの違いを生み出す傾向がますます傾向がありました。 例えば、17世紀の終わりまでには、弓使いとリズムの正確さと装飾の使用をより細かく制御することを特徴とする、認識可能な「フランススタイル」のヴァイオリン演奏がありました。これは、フランスでのヴァイオリンの使用がオペラやバレエに付随し、フランスの序曲の演奏に由来するスタイルです。 対照的に、ヴァイオリンのための組成物のイタリアのスタイルは、装飾品、ラン、トリルの華麗な通路を通じてプレイヤーの妙技を披露に集中しました。
木管楽器。
管楽器には様々な用途があった。 いくつかは、ホーンやトランペットのように、多くの場合、fanfares、行列、狩猟、および軍事の機会のために屋外で使用されました。 彼らはグループでより頻繁に使用され、ソロ楽器としてはほとんど機能しませんでした。 一方、いくつかの木管楽器は、楽器メーカーがそれらをより良いソロ楽器にするためにそれらを適応させ、変更するのを助けたほど人気がありましたが、木管楽器はアンサンブル演奏でも引き続き機能し続けました。 17世紀後半までに、フルートとオーボエは、歌手のように表現力豊かなソロ楽器としてバイオリンと競争し始めていました。 バロック時代には、フルートは二つの異なる品種で生産されました：リコーダーと横笛。 リコーダーは、その端に穴を通って空気を吹き、横笛は横に保持されます。 1740年頃まで、作曲家は両方の楽器のために音楽を書いていましたが、この日以降、横笛はほとんどどこでも好まれるようになりました。 楽器メーカーは、時代の鍵盤楽器の変化と同様に、ピッチの範囲を拡張するために働きました; 彼らはまた、新しいバロックフルートとオーボエが二オクターブ以上を再生できるように、その範囲全体の音の品質を向上させるために努めました。 プロイセン王フリードリヒ2世（在位：1740年-1786年）は、フルートを演奏する優れた技術で知られていた。 1740年、フリードリヒは著名なフルート奏者で作曲家のヨハン-ヨアヒム-クァンツをプロイセンに招き、宮廷作曲家としての役割を果たした。 クァンツは、フレデリック自身の楽器である横笛を利用した組成物の寛大なアウト注ぐことを供給した。 彼はまた、著名なフルートメーカーであり、彼は王のために、王室で使用するためのフルートの数を生産しました。 他の18世紀の作曲家の多くは、ヴァイオリンのために書いたものと同じように、ソナタのような独奏フルートやオーボエのための作品を書いています。 後のバロックや古典時代にコンチェルト形式が発展するにつれて、フルートとオーボエもここでソロの役割に移り、世紀の終わりには最新の木風、クラリネットに参加しました。 クラリネットはフルートやオーボエと同様のピッチレンジを持っていますが、その特定の音とその偉大なダイナミックレンジの両方が、18世紀後半の作曲家に魅力的になり、すぐにアンサンブルやソロ演奏のための標準的な楽器になりました。
ソース
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