관용적 구성.
바로크 작곡가들은 종종 자신의 특별한 소리와 자질,즉 음조 및 조화 가능성,독특한 목소리 및 피치 범위를 고려하여 특정 악기에 대한 음악을 작곡하여 종종”관용적”이라고 묘사 된 작품을 제작합니다.”작곡가들은 자신의 음악을 연주해야하는 악기에 대해 점점 더 규범적이되었습니다. 따라서 바로크 시대의 음악은 그 이전의 중세 및 르네상스 시대와 근본적으로 달랐습니다. 그 이전 시대에 특정 악기의 선택은 주로 특정 조각을 수행 할 수있는 모든 가능한 가능성에서 자유롭게 선택할 수 있었다 음악가 자신까지 남아 있었다. 대조적으로 많은 바로크 작곡가들은 특히 특정 악기에 대한 글쓰기로 유명해졌습니다. 예를 들어 도메니코 스칼라 티(1685-1757)는 하프시 코드에 대한 그의 작곡으로 널리 알려져 있습니다. 스칼라티 자신은 거장 키보드 연주자였으며 하프시 코드에 대한 그의 출판 작품은 학생들에게 널리 사용되는 운동이되었습니다. 이 작품은 악기에서 최고의 연주에서 수집 할 수있는 색조 가능성과 효과의 전체 범위를 과시,그들은 하프시 코드에 대한 많은 나중에 작곡가’작품에 영향을 미쳤다. 스칼라티가 하프시코드를 위해 성취하는 데 도움을 준 것은 디트리히 벅스테후드(1637-1707)와 요한 세바스티안 바흐(1685-1750)가 파이프 오르간을 위해 만들어졌고,그 악기의 가장 훌륭하고 뛰어난 작곡 중 그 이후로 남아있는 작품을 만들었습니다. 수많은 예는 바로크 동안 존재로 온 새로운 레퍼토리의 인용 될 수있다,현재 제공되는 특정 능력 목관 악기 및 현악기에 대한 기록 된.
키보드 악기.
17 세기에 작곡가들은 자신의 작품을 쓸 때 선택할 수있는 키보드 악기의 다른 종류의 수 있었다,이들 각각은 자신의 독특한 특성을 가지고 있었다. 바로크 양식의 주요 키보드 악기는 오르간,하프시 코드,클라비코드,그리고 기간의 끝에,피아노 포르테. 오르간은 키보드의 덕택으로 연주되지만,그 소리는 파이프를 통해 돌진하는 바람에 의해 생성됩니다. 키보드 악기 중 너무 오래 오르간 연주자가 특정 키를 보유로 특정 톤을 유지하는 능력에 고유합니다. 기관은 또한 파이프의 구성에 따라 다양한 소리를 낼 수 있습니다. 바로크 오르간은 크기와 복잡성이 꾸준히 증가했으며 페달 보드의 발로 독립적 인 음악 라인을 연주 할 수있는 가능성을 제공했습니다. 페달의 사용은 특히 독일 북부의 바로크 시대에 발전했으며,이 유럽 지역은 18 세기 초까지 벅스 테 후드와 바흐를 포함한 여러 오르간 거장을 개발했습니다. 종종 마을의 파이프 오르간은 시계 나 철금처럼 강렬한 자부심의 문제 였고,이 악기는 시대의 변화하는 취향에 맞게 추가,개조 및 현대화되었습니다. 바흐와 같은 인물은 다른 교회의 기관을 평가하고 마을과 본당 협의회에 악기를 개선 할 수있는 방법을 제안함으로써 수입을 보충했습니다. 대규모 파이프 오르간,그래도,거의 가정용 악기 없었다,작은 규모의 단위는 때때로 부유 한 집과 귀족의 궁전에서 발견되었지만. 전반적으로,시대의 주요 국내 키보드 악기는 클라비코드와 하프시 코드,눈에 띄는 또는 문자열을 따 버릴 하 여 그들의 소리를 생산 했다. 음악가와 작곡가는 종종 하프시 코드보다 훨씬 작고 저렴한 클라비코드를 연습 악기로 사용했습니다. 그것은 힘과 손의 손재주를 필요로하기 때문에 연주하기 어려운 악기이며,현대 피아노보다 훨씬 조용한 사운드를 생산하고 있습니다. 나중에 바로크 음악가들은 종종 하프시 코드와 피아노 포르테 연주에 적용 할 수있는 기술적 강점을 구축하는 데 의존했습니다. 하프시 코드와는 달리,악기는 상당한 동적 범위를 제공하고,적극적으로 쳤을 때 훨씬 더 큰 톤을 생산했다. 몇 바로크 작곡가하지만,칼 필립 엠마누엘 바흐(1714-1788),나중에 18 세기에 클라비코드에 대한 작품의 번호를 쓴 요한 세바스찬의 아들 중 하나를 제외하고,악기의 강점을 악용. 하프시 코드는 작곡가들에게 더 인기가 있었고,17 세기 중반 이래로이 악기는 끊임없는 기술 혁신을 겪고 있습니다. 그 당시 하프시 코드는 솔로 공연 및 동반 가수를위한 악기로 인기를 얻었습니다. 그것은 부분적으로 그 소리가 르네상스와 초기 바로크 시대에 유럽 전역에서 사용되는 가장 일반적인 국내 악기였던 류트와 다르지 않았기 때문에 선호되었습니다. 류트처럼,많은 키는 코드를 연주하는 동시에 하프시 코드에 공격 할 수 있고,이 때문에 악기는 바로크 시대의 오케스트라와 앙상블의 많은 중요한 역할을했다. 그만큼 하프시 코드,오르간과 마찬가지로 다른 악기에 대한 지속적인 반주의 준비 소스를 제공했습니다. 악기는 오페라 암송을 동반 선호로 그것은 또한 널리 시간의 극장에서 사용되었다. 그러나 18 세기 중반까지 제한된 다이나믹 레인지,즉 크고 부드러운 플레이를 할 수 없다는 것은 이러한 다이나믹 레인지가 구성과 성능의 두드러진 특징이되면 포르테 피아노로 점점 더 대체 될 것이라는 것을 의미했습니다. 유럽의 키보드 악기 중 상대적으로 신인,포르테 피아노는 18 세기의 초기에 발명되었다. 오히려 그 문자열이 뽑아되는 것보다,그들은 망치에 의해 쳐졌다,플레이어는 큰 동적 대조를 생성 할 수 따라서. 이러한 이유로 그 악기는 원래 클라비 센 발로 콜 피아노 전자 포르테 또는”크고 부드러운 하프시 코드”로 알려졌습니다.”몇몇 바로크 시대의 작곡가들은 피아노포르테의 작곡을 명시적으로 규정했는데,그 인기는 18 세기 후반까지 이어지지 않았기 때문이다.
현악기.
바이올린은 활과 함께 연주 관련 현악기와 함께,그 소리가 인간의 목소리와 너무 많은 공통점을 가지고 있기 때문에 부분적으로 바로크 시대에 큰 굴지에 상승,시대의 작곡가는 높은 보컬 노래를 평가. 일부 작곡가는 특히 아르 칸젤로 코렐리(1653-1713)및 안토니오 비발디(1678-1741)와 같은 바이올린 및 기타 현악기의 작곡가로 잘 알려지게되었습니다. 바이올린은 유럽에서 나타나기 시작했다.15 세기에 비올로 알려진 악기의 가족이 개발 한 것과 거의 같은시기에. 바이올린은 비올과 구별되었는데,비올은 턱에 붙들려 있었고,비올은 보통 무릎이나 다리 사이에 붙들려 있었다. 바이올과 바이올린은 모두 바로크 시대에 걸쳐 지속하는 동안,비올라 다 감바 같은 비올 가족의 구성원은 일반적으로 다이나믹 레인지에서 바이올린과 경쟁 할 수 없었다,그리고 18 세기 중반에 의해 그들은 인기가 퇴색하기 시작했다. 오늘날 바이올린 가족은 바이올린,약간 크고 낮은 음조의 비올라,첼로 및 더블베이스로 구성됩니다. 이 악기는 바로크 시대의 악기와 관련이 있지만,바이올린은 그 시대에 유럽에서 지역적으로 달랐으며,그 기간 동안 건설 기술에 상당한 변화와 발전이있었습니다. 스트링 앙상블 용으로 작성된 대부분의 작품은 바이올린과 비올라 용으로 작성된 라인에 집중되어 있습니다. 17 세기에 바이올린의 인기에 부정 할 수없는 상승은 유럽 전역에 걸쳐 바이올린 생산의 센터의 숫자의 모습에서 볼 수 있습니다. 17 세기 초 이탈리아 도시인 크레모나와 브레시아는 이미 그들의 바이올린으로 유명했고,크레모나는 결국 안토니오 스트라디바리우스(1644-1737 년경)와 주세페 과르네리(1698-1744 년경)의 두 제작자를 생산하게 되었으며,이에 따라 현대에 품질 기준이 평가되었다. 17 세기와 18 세기에,그러나,많은 다른 제조 업체와 지역은 바이올린의 품질에 대한 알려져 있었다. 악기 제이콥 스테이너(1617-1683),생산자 티롤 에 오스트리아,널리 존경 받았다 유럽 전역에서 생산 된 것과 마찬가지로 미레 코트 과 파리 프랑스. 음악 구성 및 관행의 지역적 변화는 유럽 전역에서 바이올린 연주 스타일의 차이를 만들어내는 경향이 점점 더 커졌습니다. 17 세기 말까지,예를 들어,리듬과 장식의 사용,오페라와 발레와 프랑스 서곡의 연주에 함께 프랑스에서 바이올린의 사용에서 파생 된 스타일의 굴복 정밀도를 통해 더 큰 제어를 특징으로했다 바이올린 연주의 인식 할 수있는”프랑스 스타일”이 있었다. 대조적으로,바이올린 구성의 이탈리아 스타일은 장신구의 화려한 구절을 통해 플레이어의 기교를 보여주는 집중,실행,및 트릴.
목관 악기.
관악기는 다양한 용도로 사용되었습니다. 뿔과 트럼펫과 같은 일부는 부채꼴,행렬,사냥 및 군사 행사를 위해 야외에서 자주 사용되었습니다. 그들은 그룹에서 더 자주 사용되었으며 솔로 악기로 거의 사용되지 않았습니다. 다른 한편으로,일부 목 관악기 악기 업체 적응 하 고 그들을 더 나은 솔로 악기를 만들기 위해 그들을 변경 도움이 너무 인기가 되었다,목 관악기 앙상블 공연에 역할을 계속 하지만. 17 세기 후반,플루트와 오보에가 수 처럼 표현 될 수 있는 솔로 악기로 바이올린과 경쟁 하기 시작 했다. 바로크 기간 동안 플루트는 레코더와 가로 플루트의 두 가지 품종으로 생산되었습니다. 레코더는 횡단 플루트가 옆으로 유지되는 동안 끝에있는 구멍을 통해 공기를 불어 연주됩니다. 약 1740 년까지 작곡가는 두 악기에 대한 음악을 썼지 만,이 날짜 이후 가로 플루트는 거의 모든 곳에서 선호되었습니다. 악기 제조 업체는 시대의 키보드 악기의 변화와 유사한 피치의 자신의 범위를 확장하기 위해 일했다; 그들은 또한 그 범위 전체에서 소리의 품질을 향상시켜 새로운 바로크 플루트와 오보에 두 옥타브 이상을 연주 할 수 있도록 노력했습니다. 프로이센의 왕,프레드릭 2 세(위대한;아르 자형. 1740 년 프레드릭은 유명한 플루트 연주자이자 작곡가 요한 요아킴 콴츠를 프로이센에 초대하여 법정 작곡가로 봉사했습니다. 콴츠는 프레드릭 자신의 악기 인 가로 플루트를 사용하는 작곡을 관대하게 쏟아 부었다. 그는 또한 유명한 플루트 메이커,그리고 그는 왕과 왕실에서 사용하기 위해 피리의 숫자를 생산했다. 많은 다른 18 세기 작곡가들은 바이올린을 위해 쓴 것처럼 소나타와 같은 솔로 플루트 또는 오보에를위한 작품을 저술했으며,그 중 칼 필립 엠마누엘 바흐(수년 동안 프레드릭 대왕을 위해 일한)와 게오르그 필립 텔레만. 이후 바로크 시대와 고전 시대에 개발 된 협주곡 형태로,플루트와 오보에뿐만 아니라 여기에 솔로 역할로 이동,최신 나무 바람에 의해 세기의 끝에 합류 할,클라리넷. 클라리넷은 플루트와 오보에 유사한 피치 범위를 가지고 있지만,그 특정 사운드와 큰 동적 범위 모두 나중에 18 세기에 작곡가에 호소했다,그것은 곧 앙상블과 솔로 성능 모두 표준 악기가되었다.
출처
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