Compoziție Idiomatică.
compozitorii baroci au scris adesea muzică pentru anumite instrumente, luând în considerare sunetele și calitățile lor speciale—adică posibilitățile lor tonale și armonice, vocea lor distinctivă și gama de tonuri—pentru a produce lucrări care adesea au fost descrise ca „idiomatice.”Compozitorii au devenit din ce în ce mai prescriptivi cu privire la instrumentele pe care ar trebui să fie cântată muzica lor. Prin urmare, muzica epocii baroce diferă fundamental de perioadele medievale și renascentiste care o precedaseră. În acele epoci anterioare, alegerea anumitor instrumente fusese în mare parte lăsată la latitudinea muzicienilor înșiși, care erau liberi să aleagă dintre toate posibilitățile disponibile pentru a interpreta o anumită piesă. Mulți compozitori baroci, în schimb, au devenit deosebit de renumiți pentru scrierea lor pentru instrumente specifice. Domenico Scarlatti (1685-1757), de exemplu, a fost cunoscut pentru compozițiile sale pentru clavecin. Scarlatti însuși a fost un jucător de tastatură virtuos, iar lucrările sale publicate pentru clavecin au devenit exerciții utilizate pe scară largă pentru studenți. Aceste lucrări au arătat întreaga gamă de posibilități și efecte tonale care ar putea fi obținute din cea mai bună interpretare a instrumentului și au influențat lucrările multor compozitori de mai târziu pentru clavecin. Ceea ce Scarlatti a ajutat să realizeze pentru clavecin, Dietrich Buxtehude (1637-1707) și Johann Sebastian Bach (1685-1750) au ajuns să facă pentru orga, creând lucrări care au rămas de la vremea lor printre cele mai strălucite și realizate compoziții pentru acel instrument. S-ar putea cita numeroase exemple de repertoriu nou care a apărut în timpul barocului, care a fost scris pentru abilitățile specifice de suflat din lemn și instrumente cu coarde oferite acum.
Instrumente De Tastatură.
în secolul al XVII-lea compozitorii aveau o serie de tipuri diferite de instrumente de tastatură din care să aleagă atunci când își scriau lucrările și fiecare dintre acestea avea propriile caracteristici distinctive. Principalele instrumente de tastatură ale barocului erau orga, clavecinul, clavicordul, iar la sfârșitul perioadei, pianul. Deși organul este jucat în virtutea unei tastaturi, sunetele sale sunt produse de vântul care se grăbește prin țevi. Printre instrumentele de tastatură este unic în capacitatea sa de a susține un anumit ton, atât timp cât organistul ține apăsată o anumită cheie. Organul poate face, de asemenea, o mare varietate de sunete, în funcție de construcția conductelor sale. Organele baroce au crescut constant în dimensiune și complexitate și au ajuns să ofere posibilitatea de a cânta o linie muzicală independentă cu picioarele pe o pedală. Utilizarea pedalelor a fost deosebit de avansată în perioada barocă din nordul Germaniei, iar această regiune a Europei a dezvoltat o serie de virtuozi de organe, inclusiv Buxtehude și Bach, până la începutul secolului al XVIII-lea. Adeseori orga de țeavă a orașului era, ca și ceasul sau glockenspiel, o chestiune de mândrie intensă, iar instrumentul a fost adăugat, remodelat și modernizat pentru a se potrivi gusturilor în schimbare ale epocii. Figuri precum Bach și-au completat veniturile evaluând organele altor biserici și sugerând consiliilor orășenești și parohiale modalități prin care instrumentul ar putea fi îmbunătățit. Cu toate acestea, organele masive de țevi nu erau instrumente de uz casnic, deși unități la scară mai mică erau uneori găsite în casele bogate și în Palatele nobilimii. În general, principalele instrumente de tastatură interne ale epocii erau clavicordul și clavecinul, care își produceau sunetele prin lovirea sau smulgerea corzilor. Muzicienii și compozitorii foloseau adesea clavicordul, considerabil mai mic și mai puțin costisitor decât clavecinul, ca instrument de practică. Este un instrument dificil de cântat, deoarece necesită forță și dexteritate de mână și produce un sunet mult mai silențios decât un pian modern. Muzicienii baroci de mai târziu s-au bazat adesea pe ea pentru a construi puncte forte tehnice pe care le-ar putea aplica apoi clavecinului și pianului. Spre deosebire de clavecin, instrumentul a oferit o gamă dinamică considerabilă și, atunci când a fost lovit puternic, a produs un ton mult mai puternic. Cu toate acestea, puțini compozitori baroci au exploatat punctele forte ale instrumentului, cu excepția Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), unul dintre fiii lui Johann Sebastian, care a scris o serie de lucrări pentru clavicord în secolul al XVIII-lea. Clavecinul a fost mai popular cu compozitorii, iar de la mijlocul secolului al XVII-lea acest instrument a suferit inovații tehnice constante. La acea vreme, clavecinul devenise popular ca instrument pentru interpretarea solo și pentru cântăreții însoțitori. A fost favorizat în parte pentru că a luisunetul nu era diferit de cel al lăutei, care atât în perioada renascentistă, cât și în cea barocă timpurie a fost cel mai comun instrument intern utilizat în toată Europa. La fel ca lăuta, multe chei puteau fi lovite simultan pe clavecin pentru a cânta acorduri și, din acest motiv, instrumentul a jucat un rol cheie în multe dintre orchestrele și ansamblurile din epoca barocă. Clavecinul, ca și organul, a oferit o sursă gata de acompaniament continuu altor instrumente. De asemenea, a fost utilizat pe scară largă în teatrele vremii, deoarece instrumentul a favorizat să însoțească recitative de operă. Cu toate acestea, la mijlocul secolului al XVIII-lea, gama sa dinamică limitată—adică incapacitatea sa de a juca tare și moale—însemna că urma să devină din ce în ce mai înlocuită de fortepiano odată ce o astfel de gamă dinamică a devenit o caracteristică proeminentă a compoziției și performanței. Un relativ nou venit printre instrumentele de tastatură din Europa, fortepiano a fost inventat în primii ani ai secolului al XVIII-lea. În loc ca corzile sale să fie smulse, au fost lovite de ciocane, iar un jucător a fost astfel capabil să producă contraste dinamice mari. Din acest motiv, acel instrument a fost inițial cunoscut sub numele de clavicembalo col piano e forte, sau un „clavecin tare și moale.”Puțini compozitori din epoca barocă au stipulat în mod explicit utilizarea pianului în compozițiile lor, deoarece popularitatea sa nu a câștigat teren decât în a doua jumătate a secolului al XVIII-lea.
Instrumente Cu Coarde.
vioara, împreună cu instrumentele sale cu coarde înrudite cântate cu arcuri, s-au ridicat la o mare importanță în epoca barocă, în parte pentru că sunetul său are atât de multe în comun cu vocea umană, iar compozitorii epocii au apreciat foarte mult cântatul vocal. Unii compozitori au devenit deosebit de cunoscuți ca compozitori pentru vioară și alte instrumente cu coarde, cum ar fi Arcangelo Corelli (1653-1713) și Antonio Vivaldi (1678-1741). Vioara începuse să apară în Europaîn secolul al XV-lea, cam în același timp cu dezvoltarea familiei de instrumente cunoscute sub numele de viols. Viorile se deosebeau de violuri prin faptul că erau ținute la bărbie, în timp ce violurile erau de obicei ținute în poală sau între picioare. În timp ce atât violurile, cât și viorile au persistat de-a lungul perioadei baroce, membrii familiei viola da gamba nu au putut, în general, să concureze cu viorile în gamă dinamică și, până la mijlocul secolului al XVIII-lea, au început să se estompeze în popularitate. Astăzi familia de viori este formată din vioară, viola puțin mai mare și mai joasă, violoncelul și contrabasul. În timp ce aceste instrumente sunt legate de cele din perioada barocă, viorile diferă la nivel regional în Europa în timpul epocii și au existat schimbări și dezvoltări considerabile în timp în tehnicile de construcție de-a lungul perioadei. Majoritatea pieselor scrise pentru ansambluri de coarde s-au concentrat pe linii scrise pentru vioară și violă. Creșterea incontestabilă a popularității viorii în secolul al XVII-lea poate fi văzută în apariția unui număr de centre de producție a viorii în întreaga Europă. La începutul secolului al XVII-lea, orașele italiene Cremona și Brescia erau deja renumite pentru viorile lor, iar Cremona urma să producă în cele din urmă cei doi producători, Antonio Stradivarius (c. 1644-1737) și Giuseppe Guarneri (1698-1744), după care standardele de calitate au fost judecate în timpurile moderne. Cu toate acestea, în secolele XVII și XVIII, mulți alți producători și regiuni erau cunoscuți pentru calitatea viorilor lor. Instrumentele lui Jacob Stainer (1617-1683), un producător din Tirol în Austria, au fost admirate pe scară largă în toată Europa, la fel ca și cele produse la Mirecourt și Paris în Franța. Variațiile regionale în compoziția și practicile muzicale au avut tendința din ce în ce mai mult de a produce diferențe în stilul de a cânta la vioară în toată Europa. Până la sfârșitul secolului al XVII-lea, de exemplu, exista un „stil francez” recunoscut al cântării la vioară, care se caracteriza printr-un control mai mare asupra plecării și preciziei în ritm și utilizarea ornamentațiilor, stil care derivă din utilizarea viorii în Franța pentru a însoți operele și baletele și în jocul uverturilor franceze. În schimb, stilul Italian de compoziție pentru vioară s-a concentrat pe arătarea virtuozității unui jucător prin pasaje strălucitoare de ornamente, alergări și triluri.
vânturi de lemn.
instrumentele de suflat au avut o varietate de utilizări. Unele, cum ar fi coarnele și trompetele, erau adesea folosite în aer liber pentru fanfare, procesiuni, vânătoare și ocazii militare. Ele erau mai des folosite în grupuri și rareori serveau ca instrumente solo. Pe de altă parte, unele vânturi de lemn au devenit atât de populare încât producătorii de instrumente au ajutat la adaptarea și schimbarea lor pentru a le face instrumente solo mai bune, deși vânturile de lemn au continuat să servească și în spectacolele de ansamblu. Până la sfârșitul secolului al XVII-lea, flautul și oboiul începuseră să concureze cu vioara ca instrumente solo care puteau fi la fel de expresive ca un cântăreț. În perioada barocă, fluierele au fost produse în două soiuri diferite: înregistratorul și flautul transversal. Înregistratoarele sunt redate prin suflarea aerului printr-o gaură în capătul lor, în timp ce flautul transversal este ținut lateral. Până în jurul anului 1740, compozitorii au scris muzică pentru ambele instrumente, deși după această dată flautul transversal a ajuns să fie favorizat aproape peste tot. Producătorii de instrumente au lucrat pentru a-și extinde gama de pitch, similar cu schimbările din instrumentele de tastatură ale epocii; de asemenea, au căutat să îmbunătățească calitatea sunetului în toată această gamă, astfel încât noile flaute și oboi baroce să poată reda două octave și multe altele. Regele Prusiei, Frederic al II-lea (cel Mare; r. 1740-1786) a fost cunoscut pentru abilitățile sale excelente de a cânta la flaut. În 1740, Frederic l-a invitat pe celebrul flautist și compozitor Johann Joachim Quantz în Prusia pentru a-i servi drept compozitor de curte. Quantz a furnizat o turnare generoasă de compoziții folosind flautul transversal, instrumentul propriu al lui Frederick. El a fost, de asemenea, un producător de flaut remarcat și a produs o serie de flaute pentru rege și pentru utilizare în gospodăria Regală. O serie de alți compozitori din secolul al XVIII-lea au scris lucrări pentru flaut solo sau oboi, cum ar fi sonate, la fel cum au scris pentru vioară, printre ei Carl Philipp Emanuel Bach (care a lucrat pentru Frederic cel mare timp de câțiva ani) și Georg Philipp Telemann. Pe măsură ce forma concertului s-a dezvoltat în epoca barocă și clasică ulterioară, flautul și oboiul s-au mutat și aici în roluri solo, pentru a fi unite la sfârșitul secolului de cel mai nou vânt de lemn, clarinetul. Clarinetul are o gamă de pitch similară cu flautul și oboiul, dar atât sunetul său particular, cât și gama sa dinamică excelentă l-au făcut atrăgător pentru compozitori în secolul al XVIII-lea și a devenit în curând un instrument muzical standard atât pentru ansambluri, cât și pentru interpretarea solo.
surse
Gerald Abraham, ed., Muzică De Concert (1630-1750) (Oxford: Oxford University Press, 1986).
Philip Bate, oboiul: o schiță a istoriei, dezvoltării și construcției sale (Londra: E. Benn, 1975).
David D. Boyden, ed., Familia Viorii (Londra: Macmillan, 1989).
Rachel Brown, Flautul Timpuriu: un ghid practic (Cambridge, Anglia: Cambridge University Press, 2002).
Donald Jay Grout și Claude V. Palisca, o istorie a muzicii occidentale. A 6-a ed. (New York; Londra: W. W. Norton, 1996).
Bruce Haynes, oboiul elocvent: o istorie a Hautboy, 1640-1760 (Oxford: Oxford University Press, 2001).
Claude V. Palisca, Muzică Barocă. A 3-a ed. (Englewood Cliffs, N. J.: Prentice Hall, 1991).