der var engang i Kina
filmen, der startede Hong Kong-biografens Kung-fu-renæssance og lancerede Jet Li mod en fremtid med substandard vestlige actionfilm. Dens emne var allerede kendt for det lokale publikum: Vong Fei-hung var en rigtig person: en århundredeskiftet kampsport mester og healer, der er blevet noget af en folkehelt. Ligesom Sherlock Holmes eller Robin Hood, han var blevet portrætteret mange gange før. Jackie Chan spillede ham i Drunken Master, og en langvarig Fei-hang filmserie i løbet af 1950 ‘erne og 60’ erne gav roller til fædrene til Bruce Lee og Yuen Vo-ping, blandt mange andre.
Transponeret til 1990 ‘ erne Hong Kong, med overdragelsen fra Britisk til kinesisk suverænitet i horisonten, havde denne historie om en kinesisk oprør, der kæmpede for undertrykkende kolonialistiske magter, ekstra resonans. Dens britiske og amerikanske onde er tegneserieagtigt dæmoniseret, og handlingen er ofte indviklet til uigennemtrængelighed, ganske vist, men hvad denne film hovedsageligt giver er blændende, farverig, kinetisk, episk, pre-CGI-skuespil. Direktør Tsui Hark, skolet i både USA og Hong Kong, fylder skærmen med bevægelse og energi. De trådassisterede kampscener-koreograferet af Yuen Vo-ping, uundgåeligt-er genialt iscenesat. Den jordbundne virkelighed er langt bagud.
og Li er simpelthen utroligt. Han har gravitas som skuespiller, men når han er i aktion, tager han virkelig noget slag. Han gør det hele: kæmper med hænder, fødder, pinde, poler, paraplyer. Han dræber en skurk med en kugle – uden at bruge en pistol. Men Li er også gymnast, pirouetting og somersaulting på tværs af skærmen med en kats smidighed. Han er helt sikkert den mest yndefulde kampkunstner derude. Disse færdigheder kommer til at bære i en jublende Atletisk sidste duel, som finder sted i et lager bekvemt fuld af bambusstiger. Det er en af de mest berømte sekvenser i kampsportfilm, og det giver dig lyst til mere, hvoraf der er masser: de lavede fire efterfølgere i de næste to år. Steve Rose
Yojimibo
Akira kurosa trak på Amerikanske papirmasse kilder til Yojimbos plot, hovedsageligt det vestlige, men også Dashiell Hammett ‘ s Broken-city melodrama Dain forbandelse. Her vandrer en ensom, sandsynligvis vanæret, bestemt sulten samurai (Toshiro Mifune, ulven til Kurosavas kejser) ind i en by, hvor to fraktioner er i evig konflikt og stirrer på hinanden fra deres matchende hovedkvarter på modsatte sider af byens brede, vestlige hovedgade. Da hver fraktion mangler en fremtrædende kriger, med hvis hjælp de måske tipper magtbalancen til deres fordel, vil de hver især have nykommeren på deres side, noget samuraierne finder ud af inden for øjeblikke og udnytter hele filmen.
som magtspil spille ud til deres nihilistiske, lig-kvalt konklusion, kurosa demonstrerer en beherskelse af hans medium i næsten alle rammer. Hans følelse af rumlige forhold er uden sammenligning: paneler i indvendige vægge glider væk for at afsløre hele udvendige gadeflader og publikumsscener perfekt indrammet inden for den mindre nye ramme. Intime samtaler finder sted som en turbulent træfning raser i den dybe baggrund center-skærm, mellem talkers ansigter i forgrunden. Og hvilke ansigter! Fra den moroniske kriger med den M-formede unibuk og kæmpen, der bærer en enorm hammer til Mifunes stadig mere voldsomme ansigt, sardonisk, kynisk og altid trodsig, hvert eneste ansigt er på en gang et landskab og et episk digt for sig selv.
sammen med alt, hvad der kommer kurosavas rasende visuelle energi, hans virtuose koreografi af bevægende kamera og kroppe af krigende mænd; og hans talent for at tilføje berigende lag af kinetisk, elementær bevægelse-regn falder, blade eller røg blæser i de uophørlige vinde – til den vold, der allerede er i spil. Yojimbo førte til italieneren en håndfuld Dollars, som med tiden fuldstændigt genskabte den amerikanske vestlige og afsluttede en cirkel af international kulturudveksling, der foreskygger en give-and-take blandt internationale filmskabere, som vi tager for givet i dag. John Patterson
et strejf af tid
vi har et strejf af tid til at det var efter at Tarantino screenede Kong Hu ‘s 1971, at mogulen begyndte en kontroversiel udgift i øst, der førte til hans nuværende kontroversielle engagement med Bong Joon-ho’ s SNEPIERCER. Det er ikke svært at se hvorfor: Hu film er usædvanligt episk for genren, clocking i på over tre timer, og gjort biograf historie ved at være den første kinesiske film til at vinde en pris i Cannes, glip af Palme D ‘ Or, men tager hjem den tekniske pris.
et strejf af tid er mest bemærkelsesværdigt i dag som skabelonen til Ang Lees Crouching Tiger, Hidden Dragon, der er historien fra det 14.århundrede om en kunstner, Ku, der møder en smuk kvinde, der bor i et nedslidt hus med sin Ældre Mor. På ægte måde er hun imidlertid ikke alt, hvad hun ser ud til, og så vokser historien, indtil Ku indser, at han er midt i en større dynastisk krig mellem rivaliserende fraktioner. Og som historien udvikler sig-ubesværet absorberende elementer af komedie og romantik – det gør skuespillet også, stigende i skala og omfang på måder, der ville være utænkelige i dag.
det er disse kampsekvenser, der har holdt ud, og selvom han kortvarigt faldt ud af favør kort efter, er det let at se Hu ‘ s indflydelse på de seneste års hitkampsportfilm. Mere end Crouching Tiger, kaster et strejf af en lang skygge over filmene fra den kinesiske instruktør Jang Yimou, hvis House Of Flying Daggers direkte refererer til Hu ‘ s film i sin bravura bamboo forest-sekvens. Men det er Hu ‘ s deadpan sense of the grand, der holder denne forbløffende film frisk, med sine temaer om retfærdighed og adel, skudt igennem med en mærkelig åndelighed, der tjener filmen sin titel i en rækkefølge, der involverer en pakke hoppende, kick-Ass buddhistiske munke. Damon Vis
Raidet
som en åndeløs og brutal kampsportthriller skudt i Jakarta og instrueret af en Velshman, ville raidet allerede have været værd at bemærke. At det er en film med præcision og opfindsomhed, der tager kampsekvenser ind i rædselområdet, slapstick-komedie, selv musicalen, garanterer sin plads i actionfilmhistorie. Handlingen er så enkel som dens koreografi er kompliceret. En politienhed tager en morgen ud for at tage kontrol over en tårnblok i Jakarta, der er faldet i hænderne på en bande. Men ikke bare nogen Bande: denne mob har udstyret den høje stigning med sofistikerede CCTV-og offentlige adressesystemer overvåget fra et kontrolrum på øverste etage. Bandeherren, der præsiderer over CCTV-skærme, sender et opkald til sine lejere: “vi har selskab. Du ved, hvad du skal gøre.”Han mener ikke at sætte kedlen på og knække åbne custard cremer.
i mangel af megen dialog taler våbnene: kanoner, knive, sværd, hamre. En mand modtager en økse til skulderen, som derefter bruges til at rykke ham over rummet. Et køleskab fungerer som en bombe. Bandens mest onde medlem, Mad Dog (Yayan Ruhian, der også fungerede som en af filmens kampkoreografer), fungerer som mundstykke for filmens filosofi. Når han kaster sine skydevåben til side, forklarer han: “at bruge en pistol er som at bestille takeout.”Hvis det er tilfældet, ville Mad Dog fortjene en håndfuld Michelin-stjerner.
nogle af kampsekvenserne er lukket klaustrofobisk i gange, hvor den eneste mulighed er at bruge vægge som springbræt, Donald O ‘ Connor-stil. Andre, såsom en dust-up i en Narkotika lab, udvide ligesom dans numre. Evans primære præstation har været at lave et berserk eventyr præget af klarhed. I modsætning til de fleste actionbiograf, vanvid opstår fra kunstnerne snarere end redigeringen; uanset hvor vanvittige ting bliver, vi mister aldrig synet af, hvem der karate-hugger luftrøret af hvem. Ryan Gilbey
Ong-Bak
hænder og fødder er en ting i kampsport; albuer og knæ er en helt anden. Og efter at have set denne Muay Thai udstilling, ville du lægge penge på Tony Jaa mod enhver anden skærmkæmper. Selv i de scener, hvor Jaa ikke kæmper nogen overhovedet, bare går igennem nogle bevægelser, er han utroligt formidabel.
Ong Bak som film er ret ligetil: byens onde stjæler en landsbys Buddha-hoved; en ydmyg bonde går for at få det tilbage og knuser hver modstander individuelt med sine bare hænder i processen. Det er alt, hvad den har brug for. Ong Baks primære mål er at sige, “Kan du tro denne fyr?”og med den tilføjede note, at der ikke blev brugt nogen specielle effekter eller stuntdobbler, opnår det mere end det. I kamp efter kamp frigør Jaa bevægelser, der lader dig tænke, “Det skal skade”, hvis ikke “det vil kræve større kranial rekonstruktion”. Ingen hold er spærret, og få slag trækkes, men snarere end brutal vold, du er tilbage forundret over Jaas hastighed, teknik og smertetærskel. Kampene er dygtigt iscenesat, især en spændende, tre-runde barroom slagsmål, der efterlader ingen modstander eller møbel stående.
Jaa viser også sin fysiske dygtighed på andre måder fra et åbent træklatringsløb til en Bangkok street chase, der sender ham langs et sjovt angrebskursus med cafeborde, markedsboder, børn, biler, lastbiler, glasplader og bøjler af pigtråd. Han er næsten for meget at tro, og Ong Bak anerkender vores utroskab ved ofte at spole handlingen tilbage for at vise os Jaas bevægelser i langsom bevægelse, som for at sige, “vil du se det igen?”. Det gør vi. SR
matricen
Cocteau forestillede sig spejlet som en port til en anden verden i sin film fra 1930 the blood of a Poet, og det er et bevis på holdbarheden af dette billede, at da det dukkede op igen i matricen, havde det ikke mistet noget af sin lokke. Filmen afdækker en yderligere gæld i sit plot, der foreslår, at det, vi opfatter som virkelighed, faktisk er en kosmetisk facade konstrueret til at skjule en frygtelig sandhed om vores eksistens. Neo, en computer boffin spillet af Keanu Reeves, er valgt til at bære byrden af oplysning. Reeves blankhed i delen er perfekt, primært fordi Neo er forpligtet til kun at vise de færdigheder og kvaliteter, der hentes ind i hans hjerne. Kræves for at mestre jujitsu, er han simpelthen installeret med det relevante computerprogram. På ingen tid overhovedet trækker han disse tricks fra kampsportfilm fra 1970 ‘ erne, hvor en mand kan starte sig selv i et flyvende spark og på en eller anden måde formår at forberede en cocktail, læse en kort roman og udfylde sin selvangivelse, alt før hans fødder rører jorden.
filmens Cocteau-agtige koncept er udnyttet til noget paranoia, men det er det blændende kampsportværk, der giver filmen sit specielle løft. Direktørerne havde allerede ideer over deres station, da de kom op med matricen (deres eneste tidligere film var trods alt den svedige, klaustrofobiske thriller Bound). Det var kampsportkoreografen Yuen-ping, der hjalp dem med at nå det næste niveau.
filmens kampsekvenser giver sin reneste kilde til glæde af en række årsager. For det første kommer volden ikke med forløsende overtoner; det spilles ud for spændingen ved koreografien, ikke forventningen om skade eller retfærdighed. Døden er flippant, men det giver ingen moralsk spark. For det andet introducerede filmen en mærkelig ny effekt, meget kopieret eller parodieret siden i alt fra Charlies Angels til Shrek: et tegn fryser midt i luften, mens kameraet cirkler tableauet som en computer, der forestiller sig en 3D-repræsentation af et 2D-billede. Når kameraet har afsluttet sin bevægelse, genoptages den fysiske bevægelse af scenen. Pludselig er actionfilmens humdrum ordforråd blevet udvidet for vores vantro øjne. RG
House Of Flying Daggers
se åbningen 20 minutter af House Of Flying Daggers, og det er ikke svært at se hvorfor kineserne valgte sin direktør, Jang Yimou, til at lede åbningsceremonien for OL i Beijing. Selvom handlingen udfolder sig inden for et bordelventerum med rimelig størrelse i stedet for et stadion, er der alle de elementer, som Jang ville formere sig med tusinder i 2008: traditionel kinesisk musik, dans, skår af farvestrålende silkeklud, trommeslagere og selvfølgelig kampsport. Det giver et storslået skuespil, der sætter en høj bar for resten af filmen. Heldigvis er der mere blænde at komme i denne opfølgning på Jangs første film, Hero. Den Gyldne blomsts forbandelse fra 2006 afsluttede trilogien, men for mange repræsenterer de romantiske, operatiske, men alligevel tilfredsstillende kompakte flyvende dolke det bedste af de tre.
set under Tang-dynastiet søger to politikaptajner, Leo (Andy Lau, bedst kendt for den tematisk-ikke-ulige Infernal Affairs-trilogi) og Jin (hunky Takeshi Kaneshiro) efter lederen af Flying Daggers, en modoprørsgruppe. De har mistanke om, at blind courtesan Mei kan være et hemmeligt medlem af dolkene, så Jin, der udgør sig som borger, bryder hende ud af fængslet og går på flugt med hende, forfulgt af Leo og adskillige ofres officerer. Kærlighed ser ud til at blomstre mellem Jin og Mei, men ingen og intet er som de ser ud her. Selvom kampene er skræmmende koreograferet af Tony Ching Siu-tung – især en bambus-skovjagt, der topper Crouching Tiger, skjult drage og en endelig mano-a-mano i sneen – bedømt mod andre klassiske kampsportfilm, Daggers er faktisk lidt lys på kampscener. Faktisk er kampene så stringent stiliseret, at det er mere som at danse med knive. Ligegyldigt: kærlighedshistorien kan være næsten lige så skematisk som filmens strenge brug af farve, alligevel er skuespillet så magtfuldt fra kernetrioen, at dyb følelsesmæssig dybde skabes tilsyneladende ud af ingenting. Leslie Felperin
politihistorie
selvom det var tydeligt på det tidspunkt, virker det underligt nu, at Jackie Chan oprindeligt blev plejet af mindst en producent i Hong Kong som en efterfølger til Bruce Lee, den smidige mester i kampsport hvis stil var næsten latterligt alvorlig i sin dystre ansigt intensitet. Efter et par forsøg i genren tog Chan imidlertid tingene på en meget mere komisk, men ikke mindre atletisk rute, hvorfor den tidligere stuntman efter at have brudt ud i Yuen-Ping-klassikeren Drunken Master befandt sig i Hollyved at tilføje let lettelse til Kanonkuglens løb i 1981.
Chans karriere gik imidlertid ikke i panik, og efter en skuffelse i 1985 med Protector – et samarbejde med neo-grindhouse direktør James Glickenhaus, måske ikke den mest sympatico af alle mulige talenter – vendte Chan tilbage til Hong Kong for at tage sagen i egne hænder, lede og skjule politihistorie, hvor han spillede en vanæret politimand, der er tvunget til at gå undercover og rydde sit navn efter at være indrammet af narkotikabaroner.
at gøre en direkte tilbagevisning af Holly ‘ s måde at gøre tingene på (i hans sind, sløvt og halvhjertet) prioriterede Chan kampene og stuntarbejdet ved at bruge genreelementerne mest som fyldstof. Nægter at bruge en kropsdobbelt til hver scene (bar en, der involverede en motorcykel), begyndte Chan at tjene sit ry som en frygtløs og banebrydende actionstjerne. På denne film alene, han blev indlagt med hjernerystelse, lidt alvorlige forbrændinger, forskudt hans bækken og blev næsten lammet af en knust ryghvirvler. Den resulterende film var et stort hit og skabte fem stærke efterfølgere. Set nu virker det bemærkelsesværdigt lige i betragtning af hvad der skulle følge – den tegneserieagtige Rush Hour – serie-selvom Chan helt sikkert må have haft ironien om at blive omfavnet af Holly for en film, der i det væsentlige er en kritik af alt, hvad det gjorde forkert. Dv
Crouching Tiger, Hidden Dragon
Hvorfor er Ang Lees film Crouching Tiger, Hidden Dragon sådan en sublim oplevelse? Måske fordi hver knogle i din krop fortæller dig, at det ikke skal fungere. Det er en rolig actionfilm. Hvem har hørt om en af dem? Og det er en kærlighedshistorie med et spark: et kung-fu spark. Det begynder med tyveri af et sagnomspundet sværd, den grønne skæbne. Da Sværdet bliver stjålet, flyver kameraet sammen med tyven, for hvem tyngdekraften er et begrænsende tøj, der skal kastes af med et øjebliks varsel. Krigeren Yu Shu Lien (Michelle Yeoh) jager og springer blithely over hustage, der lyser sølv i måneskinnet. Når forfølgelsen giver plads til kamp, regelbogen for actionbiograf kasseres ikke kun, men skæres i bånd. For seere, der er for unge til at huske, chokket over at se en Sam Peckinpah skyde ud tilbage, når langsom bevægelse var en innovation snarere end en grim virus, så vil synet af disse krigere, der svæver roligt til næseblod-inducerende højder, give noget af det samme befriende ryk.
midair træfninger af kampsport film blev bragt til mainstream publikum af matricen, og Lee hyret filmens koreograf, Yuen bejle-ping (som senere arbejdede på Kill Bill og Kung Fu Hustle), at tage denne stil endnu længere. De resulterende kamprutiner fremkalder olympisk gymnastik, break dancing og de tegneserie punch-ups, hvor en af de tasmanske Djævelens lemmer ville dukke op kort inde fra en hektisk cyklon. Og hvis Yu lejlighedsvis træder på sin modstanders fod, kæmper hun ikke beskidt-det er bare den eneste måde at sikre, at kampen forbliver på jordoverfladen.
for al koreografiens finesse ville handlingssekvenserne være overfladiske uden den følelsesmæssige vægt Lee bringer til billedet, især i den stort set uudtalte ømhed mellem Yu og hendes medkriger Li Mu Bai (Chu Yun Fat). Som instruktør skelner han ikke mellem den måde, han skyder ømhed og vold på. I hans hænder, en kærlighedsscene kan blive brutal, med en mands blod, der danner en gaffel over sin elskers bryst, når de omfavner, mens en kamp mellem modstandere i skovtræetoppene, med de smidige grene, der fordobles som reder, katapulter, trin og bungee-reb, opnår en sanselig sindsro. RG
gå ind i dragen
Bruce Lee purister er måske eller måske ikke enige om, at Enter the Dragon er hans største film. Men det er den, der er gået ind i legenden: det var den kolossale billetkontor smash af 1973 og den mest berømte film af den uovertruffen kampsport superstjerne, der var død sommeren før udgivelsen af en cerebral reaktion på smertestillende midler. Han delte med James Dean den dystre skelnen mellem at optræde posthumt i sit mest berømte billede. Efter en karriere som barnestjerne i Hong Kong – biografen – næsten Macaulay Culkin på hans tid-og en trylleformular på TV ‘ s The Green Hornet, Lee eksploderede til actionbilleder, der simpelthen var så populære og rentable, at brødrene var enige om at komme ind i dragen, med Lee som stjerne og coproducent: Hollys første kampsportfilm. Robert Clouse instruerede, og manuskriptet var af Michael Allin, der skrev Isaac Hayes-filmen Truck Turner. Lalo Schifrin komponerede musikken.
Bruce Lee var besat af ekstraordinær fysisk nåde, balletisk poise, dødelig hastighed og eksplosiv kraft. Han var en mester i kung fu, judo og karate, og betragtes som den åndelige gudfar til dagens blandet kampsport scene. Han var ikke en stor mand, og derfor blev hans tilstedeværelse bedre fanget af kameralinsen. I øvrigt, han havde et fint smukt, næsten drengeagtigt ansigt og havde en charme og verbal flydende, da han redegjorde for sine spidste teorier om kamp i samtaler, noget mere som dynamisk motivationsfilosofi end nogen form for fortune-cookie clich Kurt. Lee havde en tilstedeværelse og karisma, der kunne sammenlignes med Muhammad Ali, og det blev måske aldrig bedre fanget end I Enter the Dragon. Måske er det kun Jackie Chan, der nu konkurrerer med ham som en Asiatisk stjerne i Holly – og Holly har ikke vist meget interesse for at promovere en Asiatisk-amerikansk A-lister siden Enter the Dragon. Lee spiller en Shaolin-mester, der genvindes af den britiske efterretningstjeneste til at deltage i en kampsportsturnering undercover. Denne begivenhed drives af en uhyggelig megaloman kaldet Han, der mistænkes for involvering i narkotika og prostitution. Lee har et personligt oksekød med han, hvis goons terroriserede og forsøgte at voldtage Lees lillesøster – hun begik selvmord snarere end at underkaste sig. Han dukker op på øen med et par amerikanske krigere: Jim Kelly, der spilles af Jim Kelly, giver nogle Shaft-stil street cred mens Roper, spillet af John saksisk, er en playboy-type, der er tæt på James Bond-skabelonen. I sandhed, selvfølgelig, det er Lee selv, der er James Bond, men han er ingen kvindelig. Bruce Lee har en monkish renhed og spiritualitet, med en laser-lignende fokus på at udsætte Han – og selvfølgelig sparke røv. Udseendet af filmen er eksotisk og ekstravagant, især dens inspirerede hall-of-mirrors opgør, med Lee sportslige det underlige, næsten tribal skråstreger over hans midriff. Hans mærkelige, dyrekævende råb og gennemtrængende blik er helt unikke. Men hvad der får Enter the Dragon til at skinne resten er den fredfyldte, næsten uskyldige idealisme af Lee selv. I åbningsscenerne taler Lee ydmygt til den gamle abbed i sit tempel, tager køligt te med den britiske efterretningschef Braithvaite og afbryder deres samtale for at instruere en teenagedreng i kampsport. Når denne unge hothead let er bedst i kamp, siger Lee til ham med uendelig alvor: “vi har brug for følelsesmæssigt indhold – ikke vrede.”Det er filosofien bag denne kampsportklassiker og dens unikke stjerne. Peter Bradsha
More Guardian and Observer critics’ top 10 ‘ ere
• Top 10 romantiske film
• Top 10 actionfilm
• Top 10 komediefilm
• Top 10 gyserfilm
• Top 10 sci-fi-film
• Top 10 kriminalfilm
• Top 10 arthouse-film
• top 10 Familiefilm
• top 10 krigsfilm
• top 10 teenagefilm
• top 10 superheltfilm
• top 10 vestlige
• top 10 dokumentarfilm
• top 10 filmtilpasninger
• top 10 animerede film
• top 10 stumfilm
• top 10 sportsfilm
• Top 10 film noir
• Top 10 musicals
{{topLeft}}
{{bottomLeft}}
{{topRight}}
{{bottomRight}}
{{/goalExceededMarkerPercentage}}
{{/ticker}}
{{heading}}
{{#paragraphs}}
{{.}}
{{/paragraphs}}{{highlightedText}}
- Del på Facebook
- Del på kvidre
- Del via e-mail
- Del på LinkedIn
- Del på Pinterest
- Del på Facebook
- Del på Messenger