Idiomatische Komposition.
Barockkomponisten schrieben oft Musik für bestimmte Instrumente, wobei sie ihre besonderen Klänge und Qualitäten – das heißt ihre klanglichen und harmonischen Möglichkeiten, ihre unverwechselbare Stimme und ihre Tonhöhen — berücksichtigten, um Werke zu schaffen, die oft als „idiomatisch“ bezeichnet wurden.“ Komponisten wurden zunehmend präskriptiv für die Instrumente, auf denen ihre Musik gespielt werden sollte. Daher unterschied sich die Musik des Barock grundlegend von den vorangegangenen Epochen des Mittelalters und der Renaissance. In jenen früheren Epochen war die Wahl bestimmter Instrumente weitgehend den Musikern selbst überlassen worden, die aus allen verfügbaren Möglichkeiten wählen konnten, um ein bestimmtes Stück aufzuführen. Viele Barockkomponisten hingegen wurden besonders berühmt für ihr Schreiben für bestimmte Instrumente. Domenico Scarlatti (1685-1757) zum Beispiel war weithin bekannt für seine Kompositionen für das Cembalo. Scarlatti selbst war ein virtuoser Keyboarder, und seine veröffentlichten Werke für das Cembalo wurden zu weit verbreiteten Übungen für Studenten. Diese Werke zeigten die ganze Bandbreite der klanglichen Möglichkeiten und Effekte, die sich aus dem besten Spiel auf dem Instrument ableiten ließen, und sie beeinflussten die Werke vieler späterer Komponisten für das Cembalo. Was Scarlatti für das Cembalo verhalf, taten Dietrich Buxtehude (1637-1707) und Johann Sebastian Bach (1685-1750) für die Pfeifenorgel und schufen Werke, die seit ihrer Zeit zu den brillantesten und versiertesten Kompositionen für dieses Instrument gehören. Zahlreiche Beispiele für ein neues Repertoire, das während des Barock entstanden ist und für die spezifischen Fähigkeiten von Holz- und Streichinstrumenten geschrieben wurde, die jetzt angeboten werden, können angeführt werden.
Tasteninstrumente.
Im siebzehnten Jahrhundert hatten Komponisten eine Reihe verschiedener Arten von Tasteninstrumenten zur Auswahl, wenn sie ihre Werke schrieben, und jedes von ihnen hatte seine eigenen charakteristischen Merkmale. Die wichtigsten Tasteninstrumente des Barock waren die Orgel, das Cembalo, das Clavichord und am Ende der Periode das Pianoforte. Obwohl die Orgel aufgrund einer Tastatur gespielt wird, werden ihre Klänge durch Wind erzeugt, der durch Rohre rauscht. Unter den Tasteninstrumenten ist es einzigartig in seiner Fähigkeit, einen bestimmten Ton aufrechtzuerhalten, solange der Organist eine bestimmte Taste gedrückt hält. Die Orgel kann auch eine Vielzahl von Klängen erzeugen, abhängig von der Konstruktion ihrer Pfeifen. Barockorgeln wuchsen stetig an Größe und Komplexität und boten die Möglichkeit, mit den Füßen auf einem Pedalboard eine eigenständige musikalische Linie zu spielen. Die Verwendung der Pedale war besonders in der Barockzeit in Norddeutschland fortgeschritten, und diese Region Europas hatte eine Reihe von Orgelvirtuosen entwickelt, einschließlich Buxtehude und Bach, bis zum frühen achtzehnten Jahrhundert. Oft war die Pfeifenorgel der Stadt, wie ihre Uhr oder ihr Glockenspiel, eine Frage des intensiven Stolzes, und das Instrument wurde hinzugefügt, umgebaut, und modernisiert, um den wechselnden Geschmäckern der Ära zu entsprechen. Figuren wie Bach ergänzten ihr Einkommen, indem sie die Orgeln anderer Kirchen bewerteten und Stadt- und Gemeinderäten vorschlugen, wie das Instrument verbessert werden könnte. Massive Pfeifenorgeln waren jedoch kaum Haushaltsinstrumente, obwohl kleinere Einheiten manchmal in wohlhabenden Häusern und den Palästen des Adels gefunden wurden. Im Großen und Ganzen waren die wichtigsten heimischen Tasteninstrumente dieser Zeit das Clavichord und das Cembalo, die ihre Klänge durch Schlagen oder Zupfen von Saiten erzeugten. Musiker und Komponisten verwendeten oft das Clavichord, wesentlich kleiner und billiger als das Cembalo, als Übungsinstrument. Es ist ein schwieriges Instrument zu spielen, da es Kraft und Geschicklichkeit der Hand erfordert und einen viel leiseren Klang erzeugt als ein modernes Klavier. Spätere Barockmusiker stützten sich oft darauf, um technische Stärken aufzubauen, die sie dann auf das Cembalo- und Pianoforte-Spiel anwenden konnten. Im Gegensatz zum Cembalo bot das Instrument einen beträchtlichen Dynamikumfang, und wenn es kräftig angeschlagen wurde, erzeugte es einen viel lauteren Ton. Nur wenige Barockkomponisten nutzten jedoch die Stärken des Instruments aus, mit Ausnahme von Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), einem von Johann Sebastians Söhnen, der im späteren achtzehnten Jahrhundert eine Reihe von Werken für das Clavichord schrieb. Das Cembalo war bei Komponisten beliebter, und seit Mitte des siebzehnten Jahrhunderts hatte dieses Instrument ständige technische Innovationen erfahren. Zu dieser Zeit war das Cembalo als Instrument für Soloauftritte und zur Begleitung von Sängern populär geworden. Es wurde teilweise bevorzugt, weil sein Klang dem der Laute nicht unähnlich war, die sowohl in der Renaissance als auch im Frühbarock das in ganz Europa am häufigsten verwendete Hausinstrument war. Wie die Laute konnten viele Tasten gleichzeitig auf das Cembalo geschlagen werden, um Akkorde zu spielen, und aus diesem Grund spielte das Instrument in vielen Orchestern und Ensembles des Barock eine Schlüsselrolle. Das Cembalo bot wie die Orgel eine fertige Quelle für die kontinuierliche Begleitung anderer Instrumente. Es war auch in den Theatern der Zeit weit verbreitet, da das Instrument zur Begleitung von Opernrezitativen bevorzugt wurde. Jahrhunderts bedeutete jedoch sein begrenzter Dynamikumfang — das heißt, seine Unfähigkeit, laut und leise zu spielen —, dass es zunehmend durch das Hammerflügel ersetzt werden sollte, sobald dieser Dynamikumfang ein herausragendes Merkmal der Komposition und Aufführung wurde. Ein relativer Neuling unter den Tasteninstrumenten Europas, das Hammerflügel wurde in den frühen Jahren des achtzehnten Jahrhunderts erfunden. Anstatt dass die Saiten gezupft wurden, wurden sie mit Hämmern geschlagen, und ein Spieler konnte so große dynamische Kontraste erzeugen. Aus diesem Grund war dieses Instrument ursprünglich als Clavicembalo col piano e forte bekannt, oder ein „lautes und leises Cembalo.“ Nur wenige Komponisten aus der Barockzeit haben die Verwendung des Pianoforte in ihren Kompositionen ausdrücklich festgelegt, da seine Popularität erst in der zweiten Hälfte des achtzehnten Jahrhunderts an Boden gewann.
Streichinstrumente.
Die Geige und die damit verbundenen Saiteninstrumente, die mit Bögen gespielt wurden, erlangten im Barock eine große Bedeutung, auch weil ihr Klang so viel mit der menschlichen Stimme gemeinsam hat und die Komponisten dieser Zeit den Vokalgesang sehr schätzten. Einige Komponisten wurden besonders als Komponisten für Violine und andere Streichinstrumente bekannt, wie Arcangelo Corelli (1653-1713) und Antonio Vivaldi (1678-1741). Die Geige hatte begonnen, in Europa zu erscheinenim fünfzehnten Jahrhundert, etwa zur gleichen Zeit, als sich die als Gamben bekannte Instrumentenfamilie entwickelt hatte. Violinen unterschieden sich von Gamben dadurch, dass sie am Kinn gehalten wurden, während die Gamben normalerweise im Schoß oder zwischen den Beinen gehalten wurden. Während sowohl Gamben als auch Violinen während der gesamten Barockzeit fortbestanden, waren Mitglieder der Gambenfamilie wie die Viola da Gamba im Allgemeinen nicht in der Lage, mit Violinen im dynamischen Bereich zu konkurrieren, und Mitte des achtzehnten Jahrhunderts hatten sie begonnen, an Popularität zu verlieren. Heute besteht die Geigenfamilie aus der Violine, der etwas größeren und tiefer liegenden Viola, dem Cello und dem Kontrabass. Während diese Instrumente mit denen des Barock verwandt sind, unterschieden sich die Geigen in Europa während dieser Zeit regional, und es gab im Laufe der Zeit erhebliche Veränderungen und Entwicklungen in den Bautechniken. Die meisten Stücke, die für Streichensembles geschrieben wurden, konzentrierten sich auf Zeilen, die für Violine und Viola geschrieben wurden. Der unbestreitbare Anstieg der Popularität der Geige im siebzehnten Jahrhundert zeigt sich in der Entstehung einer Reihe von Zentren der Geigenproduktion in ganz Europa. Jahrhunderts waren die italienischen Städte Cremona und Brescia bereits für ihre Geigen berühmt, und Cremona sollte schließlich die beiden Hersteller Antonio Stradivarius (um 1644-1737) und Giuseppe Guarneri (1698-1744) herstellen, nach denen Qualitätsstandards wurden in der Neuzeit beurteilt. Im siebzehnten und achtzehnten Jahrhundert waren jedoch viele andere Hersteller und Regionen für die Qualität ihrer Geigen bekannt. Die Instrumente von Jacob Stainer (1617-1683), einem Produzenten aus Tirol in Österreich, wurden in ganz Europa bewundert, ebenso wie die in Mirecourt und Paris in Frankreich hergestellten. Regionale Unterschiede in der musikalischen Komposition und Praxis führten immer mehr zu Unterschieden im Geigenspielstil in ganz Europa. Jahrhunderts gab es beispielsweise einen erkennbaren „französischen Stil“ des Violinspiels, der sich durch eine größere Kontrolle über den Bogen und die Präzision des Rhythmus sowie die Verwendung von Ornamenten auszeichnete, ein Stil, der sich aus der Verwendung der Violine in Frankreich zur Begleitung von Opern und Balletten sowie beim Spielen der französischen Ouvertüren ableitete. Im Gegensatz dazu konzentrierte sich der italienische Kompositionsstil für die Violine darauf, die Virtuosität eines Spielers durch brillante Passagen von Ornamenten, Läufen und Trillern zur Geltung zu bringen.
Holzbläser.
Blasinstrumente hatten eine Vielzahl von Anwendungen. Einige, wie Hörner und Trompeten, wurden oft im Freien für Fanfaren, Prozessionen, Jagd und militärische Anlässe verwendet. Sie wurden häufiger in Gruppen eingesetzt und dienten selten als Soloinstrumente. Auf der anderen Seite wurden einige Holzbläser so populär, dass Instrumentenbauer dazu beitrugen, sie anzupassen und zu verändern, um sie zu besseren Soloinstrumenten zu machen, obwohl Holzbläser auch weiterhin in Ensembleleistungen dienten. Jahrhundert hatten Flöte und Oboe begonnen, mit der Geige als Soloinstrumente zu konkurrieren, die so ausdrucksstark sein konnten wie ein Sänger. Während der Barockzeit wurden Flöten in zwei verschiedenen Varianten hergestellt: der Blockflöte und der Querflöte. Blockflöten werden gespielt, indem Luft durch ein Loch in ihrem Ende geblasen wird, während die Querflöte seitlich gehalten wird. Bis etwa 1740 schrieben Komponisten Musik für beide Instrumente, obwohl nach diesem Datum die Querflöte fast überall bevorzugt wurde. Instrumentenbauer arbeiteten daran, ihren Tonhöhenbereich zu erweitern, ähnlich wie bei den Tasteninstrumenten der Ära; sie versuchten auch, die Klangqualität in diesem Bereich zu verbessern, so dass die neuen Barockflöten und Oboen zwei Oktaven und mehr spielen konnten. Der König von Preußen, Friedrich II. (der Große; r. 1740-1786) war bekannt für seine hervorragenden Fähigkeiten im Flötenspiel. 1740 lud Friedrich den bekannten Flötisten und Komponisten Johann Joachim Quantz als Hofkomponisten nach Preußen ein. Quantz lieferte ein großzügiges Ausgießen von Kompositionen unter Verwendung der Querflöte, Friedrichs eigenem Instrument. Er war auch ein bekannter Flötenbauer, und er produzierte eine Reihe von Flöten für den König und für den Einsatz im königlichen Haushalt. Eine Reihe anderer Komponisten des achtzehnten Jahrhunderts schrieb Werke für Soloflöte oder Oboe, wie Sonaten, ähnlich wie sie für die Violine schrieben, darunter Carl Philipp Emanuel Bach (der einige Jahre für Friedrich den Großen arbeitete) und Georg Philipp Telemann. Als sich die Konzertform im späteren Barock und in der Klassik entwickelte, rückten auch hier Flöte und Oboe in Solorollen, zu denen sich Ende des Jahrhunderts der neueste Holzbläser, die Klarinette, gesellte. Die Klarinette hat einen ähnlichen Tonhöhenbereich wie Flöte und Oboe, Aber sowohl ihr besonderer Klang als auch ihr großer dynamischer Bereich machten sie im späteren achtzehnten Jahrhundert für Komponisten attraktiv, und es wurde bald ein Standardmusikinstrument sowohl für Ensembles als auch für Soloperformances.
Quellen
Gerald Abraham, Hrsg., Konzertmusik (1630-1750) (Oxford: Oxford University Press, 1986).
Philip Bate, Die Oboe: ein Überblick über ihre Geschichte, Entwicklung und Konstruktion (London: E. Benn, 1975).
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Donald Jay Grout und Claude V. Palisca, Eine Geschichte der westlichen Musik. 6. Aufl. (New York; London: W. W. Norton, 1996).
Bruce Haynes, Die beredte Oboe: eine Geschichte des Hautboy, 1640-1760 (Oxford: Oxford University Press, 2001).
Claude V. Palisca, Barockmusik. 3. Aufl. (Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall, 1991).