Composición Idiomática.
Los compositores barrocos a menudo escribían música para instrumentos particulares, teniendo en cuenta sus sonidos y cualidades especiales, es decir, sus posibilidades tonales y armónicas, su voz distintiva y la gama de tonos, para producir obras que a menudo se han descrito como «idiomáticas».»Los compositores se volvieron cada vez más prescriptivos sobre los instrumentos sobre los que debía tocarse su música. Por lo tanto, la música de la época barroca difería fundamentalmente de los períodos medievales y renacentistas que la habían precedido. En esas épocas anteriores, la elección de instrumentos particulares se había dejado en gran medida a los propios músicos, que eran libres de elegir entre todas las posibilidades disponibles para interpretar una pieza en particular. Muchos compositores barrocos, por el contrario, se hicieron especialmente famosos por su escritura para instrumentos específicos. Domenico Scarlatti (1685-1757), por ejemplo, fue ampliamente conocido por sus composiciones para clave. El propio Scarlatti era un virtuoso teclista, y sus obras publicadas para el clavicémbalo se convirtieron en ejercicios ampliamente utilizados por los estudiantes. Estas obras mostraban toda la gama de posibilidades tonales y efectos que se podían extraer de la mejor interpretación del instrumento, e influyeron en las obras de muchos compositores posteriores para el clavicémbalo. Lo que Scarlatti ayudó a lograr para el clavicémbalo, Dietrich Buxtehude (1637-1707) y Johann Sebastian Bach (1685-1750) llegaron a hacer para el órgano de tubos, creando obras que se han mantenido desde su tiempo entre las composiciones más brillantes y logradas para ese instrumento. Se pueden citar numerosos ejemplos de nuevo repertorio que surgió durante el Barroco, que fue escrito para las habilidades específicas de instrumentos de cuerda y viento de madera que ahora se ofrecen.
Instrumentos de teclado.
En el siglo XVII, los compositores tenían una serie de diferentes tipos de instrumentos de teclado para elegir cuando escribían sus obras, y cada uno de ellos tenía sus propias características distintivas. El jefe de los instrumentos de teclado del Barroco fueron el órgano, clavecín, clavicordio, y al final del período, el fortepiano. Aunque el órgano se toca en virtud de un teclado, sus sonidos son producidos por el viento que corre a través de las tuberías. Entre los instrumentos de teclado, es único en su capacidad de sostener un tono particular, siempre y cuando el organista mantenga pulsada una tecla en particular. El órgano también puede hacer una amplia variedad de sonidos, dependiendo de la construcción de sus tubos. Los órganos barrocos crecieron constantemente en tamaño y complejidad y llegaron a ofrecer la posibilidad de tocar una línea musical independiente con los pies en una pedalera. El uso de los pedales fue particularmente avanzado en el período barroco en el norte de Alemania, y esta región de Europa había desarrollado una serie de virtuosos de órgano, incluidos Buxtehude y Bach, a principios del siglo XVIII. El órgano de tubo de Oftena town era, al igual que su reloj o glockenspiel, una cuestión de intenso orgullo, y el instrumento se añadió, remodeló y modernizó para adaptarse a los gustos cambiantes de la época. Figuras como Bach complementaron sus ingresos evaluando los órganos de otras iglesias y sugiriendo a los consejos municipales y parroquiales formas en que el instrumento podría mejorarse. Los órganos tubulares masivos, sin embargo, no eran instrumentos domésticos, aunque a veces se encontraban unidades de menor escala en hogares ricos y en los palacios de la nobleza. En general, los principales instrumentos de teclado domésticos de la época eran el clavicémbalo y el clavicémbalo, que producían sus sonidos golpeando o punteando cuerdas. Los músicos y compositores a menudo usaban el clavicordio, considerablemente más pequeño y menos costoso que el clavicordio, como instrumento de práctica. Es un instrumento difícil de tocar, ya que requiere fuerza y destreza de mano, y produce un sonido mucho más silencioso que un piano moderno. Los músicos barrocos posteriores a menudo se basaron en él para construir fortalezas técnicas que luego podrían aplicar a la interpretación de clavicémbalo y piano. A diferencia del clavicémbalo, el instrumento proporcionaba un rango dinámico considerable, y cuando se golpeaba vigorosamente producía un tono mucho más fuerte. Sin embargo, pocos compositores barrocos explotaron las fortalezas del instrumento, con la excepción de Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), uno de los hijos de Johann Sebastian, que escribió varias obras para clavicordio a finales del siglo XVIII. El clavicémbalo era más popular entre los compositores, y desde mediados del siglo XVII este instrumento había estado experimentando constantes innovaciones técnicas. En ese momento, el clavicémbalo se había vuelto popular como instrumento para la interpretación en solitario y para los cantantes acompañantes. Fue favorecido en parte porque su sonido no era diferente al del laúd, que en los períodos renacentista y barroco temprano era el instrumento doméstico más común en uso en toda Europa. Al igual que el laúd, muchas teclas se podían tocar en el clavicémbalo simultáneamente para tocar acordes, y por esta razón el instrumento desempeñó un papel clave en muchas de las orquestas y conjuntos de la era barroca. El clavicémbalo, al igual que el órgano, proporcionaba una fuente de acompañamiento continuo para otros instrumentos. También fue ampliamente utilizado en los teatros de la época como el instrumento preferido para acompañar recitativos operísticos. A mediados del siglo XVIII, sin embargo, su rango dinámico limitado, es decir, su incapacidad para tocar fuerte y suave, significaba que iba a ser reemplazado cada vez más por el fortepiano una vez que dicho rango dinámico se convirtiera en una característica prominente de la composición y el rendimiento. Relativamente nuevo entre los instrumentos de teclado de Europa, el fortepiano fue inventado en los primeros años del siglo XVIII. En lugar de tocar sus cuerdas, eran golpeadas por martillos, y un jugador era capaz de producir grandes contrastes dinámicos. Fue por esta razón que ese instrumento fue originalmente conocido como clavicembalo col piano e forte, o un «clavicémbalo fuerte y suave».»Pocos compositores de la época barroca estipularon explícitamente el uso del piano en sus composiciones, ya que su popularidad no ganó terreno hasta la segunda mitad del siglo XVIII.
Instrumentos de cuerda.
El violín, junto con sus instrumentos de cuerda relacionados tocados con arcos, cobraron gran prominencia durante la era barroca, en parte porque su sonido tiene mucho en común con la voz humana, y los compositores de la época valoraban mucho el canto vocal. Algunos compositores se hicieron especialmente conocidos como compositores para violín y otros instrumentos de cuerda, como Arcangelo Corelli (1653-1713) y Antonio Vivaldi (1678-1741). El violín había comenzado a aparecer en Europa en el siglo XV, casi al mismo tiempo que se había desarrollado la familia de instrumentos conocidos como violas. Los violines se distinguían de los violines por el hecho de que se sostenían en la barbilla, mientras que los violines generalmente se sostenían en el regazo o entre las piernas. Mientras que las violas y los violines persistieron durante todo el período barroco, los miembros de la familia de la viola, como la viola da gamba, generalmente no podían competir con los violines en rango dinámico, y a mediados del siglo XVIII habían comenzado a desvanecerse en popularidad. Hoy en día, la familia de violines consiste en el violín, la viola ligeramente más grande y de tono más bajo, el violonchelo y el contrabajo. Si bien estos instrumentos están relacionados con los del período barroco, los violines diferían regionalmente en Europa durante la época, y hubo cambios y desarrollos considerables en las técnicas de construcción a lo largo del período. La mayoría de las piezas escritas para conjuntos de cuerdas se concentraron en líneas escritas para violín y viola. El innegable aumento de la popularidad del violín en el siglo XVII se puede ver en la aparición de varios centros de producción de violín en toda Europa. A principios del siglo XVII, las ciudades italianas de Cremona y Brescia ya eran famosas por sus violines, y Cremona finalmente produciría los dos fabricantes, Antonio Stradivarius (c. 1644-1737) y Giuseppe Guarneri (1698-1744), por los que se han juzgado los estándares de calidad en los tiempos modernos. En los siglos XVII y XVIII, sin embargo, muchos otros fabricantes y regiones eran conocidos por la calidad de sus violines. Los instrumentos de Jacob Stainer (1617-1683), un productor del Tirol en Austria, fueron ampliamente admirados en toda Europa, al igual que los producidos en Mirecourt y París en Francia. Las variaciones regionales en la composición y las prácticas musicales tendían cada vez más a producir diferencias en el estilo de tocar el violín en toda Europa. A finales del siglo XVII, por ejemplo, había un reconocible «estilo francés» de tocar el violín que se caracterizaba por un mayor control sobre la inclinación y la precisión en el ritmo y el uso de ornamentaciones, un estilo que derivaba del uso del violín en Francia para acompañar óperas y ballets y en la interpretación de las oberturas francesas. Por el contrario, el estilo italiano de composición para violín se concentró en mostrar el virtuosismo de un músico a través de brillantes pasajes de adornos, carreras y trinos.
Instrumentos de viento.
Los instrumentos de viento tenían una variedad de usos. Algunos, como los cuernos y las trompetas, se usaban a menudo al aire libre para fanfarrias, procesiones, caza y ocasiones militares. Se usaban más a menudo en grupos, y rara vez servían como instrumentos solistas. Por otro lado, algunos instrumentos de madera se hicieron tan populares que los fabricantes de instrumentos ayudaron a adaptarlos y cambiarlos para hacerlos mejores instrumentos solistas, aunque los instrumentos de madera continuaron sirviendo en las actuaciones de conjuntos también. A finales del siglo XVII, la flauta y el oboe habían comenzado a competir con el violín como instrumentos solistas que podían ser tan expresivos como un cantante. Durante el período barroco, las flautas se producían en dos variedades diferentes: la flauta dulce y la flauta transversal. Las flautas de pico se tocan soplando aire a través de un agujero en su extremo, mientras que la flauta transversal se sostiene de lado. Hasta alrededor de 1740, los compositores escribieron música para ambos instrumentos, aunque después de esta fecha la flauta transversal llegó a ser favorecida en casi todas partes. Los fabricantes de instrumentos trabajaron para ampliar su rango de tono, similar a los cambios en los instrumentos de teclado de la época; también buscaron mejorar la calidad del sonido en todo ese rango, para que las nuevas flautas barrocas y oboes pudieran tocar dos octavas y más. El rey de Prusia, Federico II (el Grande; r. 1740-1786) era conocido por sus excelentes habilidades para tocar la flauta. En 1740, Federico invitó al destacado flautista y compositor Johann Joachim Quantz a Prusia para que sirviera como compositor de la corte. Quantz suministró un generoso vertido de composiciones haciendo uso de la flauta transversal, el instrumento propio de Federico. También fue un destacado fabricante de flautas, y produjo una serie de flautas para el rey y para su uso en la casa real. Otros compositores del siglo XVIII escribieron obras para flauta solista u oboe, como sonatas, al igual que para violín, entre ellos Carl Philipp Emanuel Bach (que trabajó para Federico el Grande durante varios años) y Georg Philipp Telemann. A medida que la forma del concierto se desarrollaba en las épocas barroca y clásica posteriores, la flauta y el oboe también se movieron a papeles solistas aquí, para unirse a finales de siglo con el viento de madera más nuevo, el clarinete. El clarinete tiene un rango de tono similar al de la flauta y el oboe, pero tanto su sonido particular como su gran rango dinámico lo hicieron atractivo para los compositores a finales del siglo XVIII, y pronto se convirtió en un instrumento musical estándar tanto para conjuntos como para actuaciones en solitario.
sources
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