Composição Idiomática.Compositores barrocos muitas vezes escreveram música para instrumentos particulares, tendo em conta seus sons e qualidades especiais – ou seja, suas possibilidades tonais e harmônicas, sua voz distintiva e variedade de pitches—para produzir obras que muitas vezes foram descritas como “idiomáticas”.”Os compositores tornaram-se cada vez mais prescritivos sobre os instrumentos sobre os quais a sua música deve ser tocada. Assim, a música da era barroca diferia fundamentalmente dos períodos medieval e renascentista que a precederam. Nessas épocas anteriores, a escolha de instrumentos específicos tinha sido deixada em grande parte aos próprios músicos, que eram livres de escolher entre todas as possibilidades disponíveis para executar uma peça em particular. Muitos compositores barrocos, em contraste, tornaram-se especialmente famosos por sua escrita para instrumentos específicos. Domenico Scarlatti (1685-1757), por exemplo, era amplamente conhecido por suas composições para o cravo. O próprio Scarlatti era um tecladista virtuoso, e seus trabalhos publicados para o cravo tornaram-se exercícios amplamente utilizados para estudantes. Estas obras mostraram toda a gama de possibilidades tonais e efeitos que poderiam ser recolhidos a partir da melhor reprodução do instrumento, e eles influenciaram muitas obras de compositores posteriores para o cravo. O que Scarlatti ajudou a realizar para o cravo, Dietrich Buxtehude (1637-1707) e Johann Sebastian Bach (1685-1750), que veio fazer para o órgão de tubos, criando obras que permaneceram desde o seu tempo entre as mais brilhantes e realizado composições para o instrumento. Numerosos exemplos podem ser citados de novo repertório que surgiu durante o barroco, que foi escrito para as habilidades específicas de sopro e instrumentos de cordas agora oferecidos.
Instrumentos De Teclado.
no século XVII os compositores tinham uma série de diferentes tipos de instrumentos de teclado para escolher quando eles escreveram suas obras, e cada um deles tinha suas próprias características distintivas. Os principais instrumentos de teclado do Barroco foram o órgão, cravo, clavicórdio, e no final do período, o pianoforte. Embora o órgão seja tocado em virtude de um teclado, seus sons são produzidos pelo vento correndo através de tubos. Entre os instrumentos de teclado é único em sua capacidade de sustentar um tom particular, desde que o organista mantenha uma chave particular. O órgão também pode fazer uma grande variedade de sons, dependendo da construção de seus tubos. Os órgãos barrocos cresceram constantemente em tamanho e complexidade e eles vieram a oferecer a possibilidade de tocar uma linha musical independente com os pés em um pedalboard. O uso dos pedais foi particularmente avançado no período Barroco no norte da Alemanha, e esta região da Europa tinha desenvolvido uma série de virtuosismos de órgãos, incluindo Buxtehude e Bach, no início do século XVIII. O órgão de tubos da cidade de Oftena era, como o seu relógio ou glockenspiel, uma questão de orgulho intenso, e o instrumento foi adicionado, remodelado, e modernizado para se ajustar aos gostos em mudança da época. Figuras como Bach complementaram suas rendas avaliando os órgãos de outras igrejas, e sugerindo aos Conselhos Municipais e paroquiais formas de melhorar o instrumento. Órgãos de tubos maciços, no entanto, dificilmente eram instrumentos domésticos, embora pequenas unidades escaladas eram por vezes encontradas em casas ricas e nos palácios da nobreza. De um modo geral, os principais instrumentos de teclado domésticos da época eram o clavicórdio e o cravo, que produziam os seus sons por golpear ou arrancar cordas. Músicos e compositores muitas vezes usaram o clavichord, consideravelmente menor e menos caro do que o cravo, como um instrumento de prática. É um instrumento difícil de tocar, uma vez que requer força e destreza de mão, e produz um som muito mais silencioso do que um piano moderno. Músicos barrocos posteriores muitas vezes confiaram nele para construir pontos fortes técnicos que eles poderiam então aplicar a tocar cravo e pianoforte. Ao contrário do cravo, o instrumento forneceu uma gama dinâmica considerável, e quando atingido vigorosamente produziu um tom muito mais alto. Poucos compositores barrocos, porém, exploraram as forças do instrumento, com exceção de Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), um dos filhos de Johann Sebastian, que escreveu uma série de obras para o clavicórdio no final do século XVIII. O cravo era mais popular entre os compositores, e desde meados do século XVII este instrumento passou por constantes inovações técnicas. Naquela época, o cravo tornou-se popular como um instrumento para a performance solo e para os cantores acompanhantes. Foi favorecido em parte porque não era diferente do alaúde, que tanto no Renascimento como no início do Barroco era o instrumento doméstico mais comum em uso em toda a Europa. Como o alaúde, muitas chaves poderia ser atingido no cravo, simultaneamente, para tocar acordes, e por esta razão, o instrumento desempenhou um papel fundamental em muitas das orquestras e conjuntos da época Barroca. O cravo, como o órgão, forneceu uma fonte pronta de acompanhamento contínuo a outros instrumentos. Também foi amplamente usado nos teatros da época como o instrumento preferido para acompanhar recitativos operáticos. Em meados do século XVIII, no entanto, a sua limitada gama dinâmica—ou seja, a sua incapacidade de tocar alto e suave—significava que se tornaria cada vez mais substituído pelo fortepiano, uma vez que tal gama dinâmica se tornou uma característica proeminente da composição e desempenho. Um recém-chegado entre os instrumentos de teclado da Europa, o fortepiano foi inventado nos primeiros anos do século XVIII. Ao invés de suas cordas serem arrancadas, elas foram atingidas por martelos, e um jogador foi capaz de produzir grandes contrastes dinâmicos. Foi por esta razão que esse instrumento foi originalmente conhecido como o clavicembalo col piano e forte, ou um “cravo alto e macio”. Poucos compositores da era barroca estipularam explicitamente o uso do pianoforte em suas composições, uma vez que sua popularidade não ganhou terreno até a segunda metade do século XVIII.
Instrumentos De Cordas.
violino, juntamente com a sua relacionadas com instrumentos de cordas jogado com arcos, subiu para grande destaque durante a época Barroca, em parte porque seu som tem muito em comum com a voz humana, e compositores da era valorizado vocal cantando muito. Alguns compositores tornaram-se especialmente conhecidos como compositores para violino e outros instrumentos de cordas, como Arcangelo Corelli (1653-1713) e Antonio Vivaldi (1678-1741). O violino tinha começado a aparecer na Europa no século XV, mais ou menos ao mesmo tempo que a família de instrumentos conhecidos como viols tinha desenvolvido. Os violinos eram distinguidos dos violinos pelo fato de que eles eram mantidos no queixo, enquanto os violinos eram geralmente mantidos no colo ou entre as pernas. Enquanto os violinos e violinos persistiam durante todo o período Barroco, membros da família viol como a viola da gamba eram geralmente incapazes de competir com os violinos em alcance dinâmico, e em meados do século XVIII eles começaram a desaparecer em popularidade. Hoje, a família do violino consiste no violino, a viola ligeiramente maior e mais baixa, o violoncelo e o contrabaixo. Embora estes instrumentos estejam relacionados com os do período Barroco, os violinos diferiam regionalmente na Europa durante a época, e houve mudanças e desenvolvimento consideráveis ao longo do tempo nas técnicas de construção ao longo do período. A maioria das peças escritas para conjuntos de cordas concentrou-se em linhas escritas para o violino e a viola. O inegável aumento da popularidade do violino no século XVII pode ser visto na aparência de uma série de centros de produção de violino em toda a Europa. Pelo início do século xvii, as cidades italianas de Cremona e Brescia já eram famosos por seus violinos, e Cremona foi, eventualmente, para produzir os dois políticos, Antonio Stradivarius (c. 1644-1737) e Giuseppe Guarneri (1698-1744), pelo qual os padrões de qualidade foram julgados nos tempos modernos. Nos séculos XVII e XVIII, porém, muitos outros fabricantes e regiões eram conhecidos pela qualidade de seus violinos. Os instrumentos de Jacob Stainer (1617-1683), um produtor do Tirol na Áustria, foram amplamente admirados em toda a Europa, assim como os produzidos em Mirecourt e Paris na França. As variações regionais na composição e nas práticas musicais tenderam cada vez mais a produzir diferenças no estilo de tocar violino em toda a Europa. Até o final do século xvii, por exemplo, houve um símbolo do “estilo francês” de violino de jogo que foi caracterizado por um maior controle sobre curvando-se e precisão no ritmo e o uso de ornamentações, um estilo derivado do uso do violino, na França, para acompanhar óperas e balés e se jogar o francês de aberturas. Em contraste, o estilo italiano de composição para o violino concentrou-se em mostrar a virtuosidade de um jogador através de brilhantes passagens de ornamentos, runs e trills.
madeiras.
os instrumentos de sopro tinham uma variedade de usos. Alguns, como chifres e trombetas, eram frequentemente usados ao ar livre para fanfares, procissões, Caça e ocasiões militares. Eles eram mais frequentemente usados em grupos, e raramente serviam como instrumentos solo. Por outro lado, alguns instrumentos de sopro tornaram-se tão populares que os fabricantes de instrumentos ajudaram a adaptá-los e mudá-los, a fim de torná-los melhores instrumentos solo, embora os instrumentos de sopro continuaram a servir em performances em conjunto também. No final do século XVII, a flauta e o oboé começaram a competir com o violino como instrumentos solo que poderiam ser tão expressivos como um cantor. Durante o período Barroco, as flautas foram produzidas em duas variedades diferentes: o gravador e a flauta transversal. Gravadores são tocados soprando ar através de um buraco em sua extremidade, enquanto a flauta transversal é mantida de lado. Até cerca de 1740, compositores escreveram música para ambos os instrumentos, embora depois desta data a flauta transversal passou a ser favorecida quase em todos os lugares. Instrument makers worked to extend their range of pitch, similar to the changes in the era’s keyboard instruments; eles também procuraram melhorar a qualidade do som em toda essa gama, de modo que as novas flautas barrocas e oboés poderiam tocar duas oitavas e mais. O rei da Prússia, Frederico II (R. 1740-1786) era conhecido por suas excelentes habilidades em tocar flauta. Em 1740, Frederico convidou o famoso flautista e compositor Johann Joachim Quantz para a Prússia para servir como seu compositor da corte. Quantz forneceu um generoso derramamento de composições fazendo uso da flauta transversal, o próprio instrumento de Frederico. Ele também foi um notável fabricante de flautas, e produziu uma série de flautas para o rei e para uso na casa real. Vários outros compositores do século XVIII escreveram obras para flauta ou oboé solo, como sonatas, tanto quanto eles escreveram para o violino, entre eles Carl Philipp Emanuel Bach (que trabalhou para Frederico o grande por vários anos) e Georg Philipp Telemann. À medida que a forma concerto se desenvolveu nas eras barroca e clássica, a flauta e o oboé se mudaram para papéis solo aqui também, para ser juntado no final do século pelo mais novo vento-de-madeira, o clarinete. O clarinete tem um campo de alcance para flauta e oboé, mas tanto o seu som particular e o seu grande alcance dinâmico tornou atraente para compositores no final do século xviii, e logo se tornou um padrão do instrumento musical tanto para conjuntos e para a performance solo.
sources
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