Idiomatisk Komposition.
barockkompositörer skrev ofta musik för vissa instrument och tog hänsyn till deras speciella ljud och egenskaper—det vill säga deras tonala och harmoniska möjligheter, deras distinkta röst och utbud av platser—för att producera verk som ofta har beskrivits som ”idiomatiska.”Kompositörer blev alltmer normativa om instrumenten på vilka deras musik skulle spelas. Därför skilde sig musiken från barocktiden i grunden från medeltiden och Renässansperioderna som föregick den. I dessa tidigare epoker valet av särskilda instrument hade till stor del lämnats upp till musiker själva, som var fria att välja från alla tillgängliga möjligheter att utföra en viss pjäs. Många Barockkompositörer blev däremot särskilt kända för sitt skrivande för specifika instrument. Domenico Scarlatti (1685-1757) var till exempel allmänt känd för sina kompositioner för cembalo. Scarlatti själv var en virtuos tangentbordsspelare, och hans publicerade verk för cembalo blev allmänt använda övningar för studenter. Dessa verk visade upp hela utbudet av tonala möjligheter och effekter som kunde hämtas från det bästa spelet på instrumentet, och de påverkade många senare kompositörers verk för cembalo. Vad Scarlatti hjälpte till att åstadkomma för cembalo, Dietrich Buxtehude (1637-1707) och Johann Sebastian Bach (1685-1750) kom att göra för piporgeln och skapade verk som har varit kvar sedan deras tid bland de mest lysande och fulländade kompositionerna för det instrumentet. Många exempel kan nämnas på nya repertoar som uppstod under barocken, som skrevs för de specifika förmågor som träblås och stränginstrument nu erbjuds.
Tangentbord Instrument.
vid sjuttonhundratalet hade kompositörer ett antal olika typer av tangentbordsinstrument att välja mellan när de skrev sina verk, och var och en av dessa hade sina egna särdrag. Barockens främsta tangentbordsinstrument var orgel, cembalo, clavichord och i slutet av perioden pianoforte. Även om orgeln spelas på grund av ett tangentbord, produceras dess ljud av vind som rusar genom rör. Bland tangentbordsinstrument är det unikt i sin förmåga att upprätthålla en viss ton så länge organisten håller ner en viss nyckel. Orgeln kan också göra en mängd olika ljud, beroende på konstruktionen av dess rör. Barock organ växte stadigt i storlek och komplexitet och de kom att erbjuda möjligheten att spela en oberoende musikalisk linje med fötterna på en pedalboard. Användningen av pedalerna var särskilt avancerad under barockperioden i norra Tyskland, och denna region i Europa hade utvecklat ett antal orgelvirtuoser, inklusive Buxtehude och Bach, i början av artonhundratalet. Ofta stadens piporgel var, som sin klocka eller glockenspiel, en fråga om intensiv stolthet, och instrumentet lades till, ombyggdes och moderniserades för att passa tidens förändrade smak. Siffror som Bach kompletterade sina inkomster genom att utvärdera organen i andra kyrkor och föreslå för stads-och församlingsråd hur instrumentet kan förbättras. Massiva rörorgan var dock knappast hushållsinstrument, även om mindre skalade enheter ibland hittades i rika hem och adelens palats. I stort sett var de främsta inhemska tangentbordsinstrumenten i eran clavichord och cembalo, som producerade sina ljud genom att slå eller plocka strängar. Musiker och kompositörer använde ofta clavichordet, betydligt mindre och billigare än cembalo, som ett övningsinstrument. Det är ett svårt instrument att spela eftersom det kräver styrka och fingerfärdighet och ger ett mycket tystare ljud än ett modernt piano. Senare barockmusiker förlitade sig ofta på det för att bygga tekniska styrkor som de sedan kunde tillämpa på cembalo och pianofortespel. Till skillnad från cembalo gav instrumentet ett betydande dynamiskt omfång, och när det slogs kraftigt gav det en mycket högre ton. Få barockkompositörer utnyttjade dock instrumentets styrkor, med undantag för Carl Philipp Emanuel Bach (1714-1788), en av Johann Sebastians söner, som skrev ett antal verk för clavichord under det senare artonhundratalet. Cembalo var mer populär bland kompositörer, och sedan mitten av sjuttonhundratalet hade detta instrument genomgått ständiga tekniska innovationer. Vid den tiden hade cembalo blivit populärt som ett instrument för soloföreställning och för medföljande sångare. Det gynnades delvis för att dess ljud inte var till skillnad från lutan, som i både renässans och tidig barock var det vanligaste inhemska instrumentet som användes i hela Europa. Liksom lutan kunde många nycklar slås på cembalo samtidigt för att spela ackord, och av denna anledning spelade instrumentet en nyckelroll i många av orkestrarna och ensemblerna i barocktiden. Cembalo, som orgeln, gav en klar källa till kontinuerligt ackompanjemang till andra instrument. Det användes också i stor utsträckning i tidens teatrar som instrumentet gynnade att följa med operativa recitativ. I mitten av sjuttonhundratalet, dock, dess begränsade dynamiskt omfång—det är, dess oförmåga att spela högt och mjukt—innebar att det skulle bli alltmer ersättas av fortepiano när en sådan dynamiskt omfång blev ett framträdande inslag i sammansättning och prestanda. En relativ nykomling bland Europas tangentbordsinstrument, fortepiano uppfanns under de första åren av artonhundratalet. I stället för att strängarna plockades slogs de av hammare, och en spelare kunde därmed producera stora dynamiska kontraster. Det var av denna anledning som instrumentet var ursprungligen känd som clavicembalo col piano e forte, eller en ”högt och mjukt cembalo.”Få kompositörer från barocktiden fastställde uttryckligen pianofortes användning i sina kompositioner, eftersom dess popularitet inte fick mark förrän under andra hälften av artonhundratalet.
Stränginstrument.
fiolen, tillsammans med dess relaterade stränginstrument spelade med bågar, steg till stor framträdande under barocktiden, delvis för att dess ljud har så mycket gemensamt med den mänskliga rösten, och kompositörer från eran värderade vokalsång högt. Vissa Kompositörer blev särskilt kända som kompositörer för violin och andra stränginstrument, såsom Arcangelo Corelli (1653-1713) och Antonio Vivaldi (1678-1741). Fiolen hade börjat dyka upp i Europaunder femtonde århundradet, ungefär samtidigt som familjen av instrument som kallas violer hade utvecklats. Fioler skilde sig från violer genom att de hölls vid hakan, medan violerna vanligtvis hölls i knäet eller mellan benen. Medan både violer och fioler kvarstod under barockperioden, medlemmar av viol familjen som viola da gamba var i allmänhet inte kan konkurrera med fioler i dynamiskt omfång, och i mitten av sjuttonhundratalet de hade börjat blekna i popularitet. Idag består violinfamiljen av violin, den något större och lägre viola, cello och kontrabas. Även om dessa instrument är relaterade till Barockperiodens, fioler skilde sig regionalt i Europa under eran, och det skedde betydande förändringar och utveckling över tiden i byggtekniker under hela perioden. De flesta bitar skrivna för strängensembler koncentrerade sig på linjer skrivna för violin och viola. Den obestridliga ökningen av fiolens popularitet under sjuttonhundratalet kan ses i utseendet på ett antal centra för violinproduktion i hela Europa. I början av sjuttonhundratalet var de italienska städerna Cremona och Brescia redan kända för sina fioler, och Cremona skulle så småningom producera de två tillverkarna, Antonio Stradivarius (c. 1644-1737) och Giuseppe Guarneri (1698-1744), enligt vilka kvalitetsstandarder har bedömts i modern tid. Under sjuttonde och artonde århundradet var dock många andra tillverkare och regioner kända för kvaliteten på sina fioler. Instrumenten från Jacob Stainer (1617-1683), en producent från Tyrolen i Österrike, beundrades allmänt i hela Europa, liksom de som producerades i Mirecourt och Paris i Frankrike. Regionala variationer i musikalisk komposition och praxis tenderade mer och mer att producera skillnader i stil med fiolspel i hela Europa. I slutet av sjuttonhundratalet fanns det till exempel en igenkännlig ”fransk stil” av fiolspel som kännetecknades av större kontroll över böjning och precision i rytm och användning av ornament, en stil som härrör från användningen av fiolen i Frankrike för att följa operaer och balletter och i spelet av de franska överturerna. Däremot koncentrerade sig den italienska kompositionsstilen för fiolen på att visa upp en spelares virtuositet genom lysande passager av ornament, körningar och trillar.
Trävindar.
blåsinstrument hade en mängd olika användningsområden. Några, som horn och trumpeter, användes ofta utomhus för fanfarer, processioner, jakt och militära tillfällen. De användes oftare i grupper och fungerade sällan som soloinstrument. Å andra sidan blev vissa träblåsar så populära att instrumenttillverkare hjälpte till att anpassa och ändra dem för att göra dem bättre soloinstrument, även om träblåsar fortsatte att fungera i ensembleföreställningar också. Vid det senare sjuttonhundratalet hade flöjten och oboen börjat tävla med fiolen som soloinstrument som kunde vara lika uttrycksfulla som en sångare. Under barockperioden producerades flöjter i två olika sorter: inspelaren och den tvärgående flöjten. Inspelare spelas genom att blåsa luft genom ett hål i änden, medan tvärflöjten hålls i sidled. Fram till omkring 1740 skrev Kompositörer Musik för båda instrumenten, men efter detta datum kom tvärflöjten att gynnas nästan överallt. Instrumenttillverkare arbetade för att utöka sitt utbud av tonhöjd, liknande förändringarna i tidens tangentbordsinstrument; de försökte också förbättra ljudkvaliteten i hela det intervallet, så att de nya barockflöjterna och oboerna kunde spela två oktaver och mer. Kungen av Preussen, Frederick II (den stora; r. 1740-1786) var känd för sina utmärkta färdigheter i att spela flöjt. År 1740 bjöd Frederick in den kända flöjtisten och kompositören Johann Joachim Quantz till Preussen för att tjäna som hans hovkompositör. Quantz levererade en generös uthällning av kompositioner med användning av tvärflöjten, Fredericks eget instrument. Han var också en känd flöjtmakare, och han producerade ett antal flöjter för kungen och för användning i det kungliga hushållet. Ett antal andra kompositörer från sjuttonhundratalet skrev verk för soloflöjt eller oboe, såsom sonater, mycket som de skrev för fiolen, bland dem Carl Philipp Emanuel Bach (som arbetade för Fredrik den Store under ett antal år) och Georg Philipp Telemann. När konsertformen utvecklades i de senare barock-och klassiska epokerna, flyttade flöjten och oboen också in i solo-Roller här, för att förenas i slutet av seklet av den nyaste trävinden, klarinetten. Klarinetten har ett liknande tonhöjdsområde som flöjt och oboe, men både dess speciella ljud och dess stora dynamiska omfång gjorde det tilltalande för kompositörer under det senare artonhundratalet, och det blev snart ett vanligt musikinstrument både för ensembler och för soloframträdande.
källor
Gerald Abraham, Red., Konsertmusik (1630-1750) (Oxford: Oxford University Press, 1986).
Philip Bate, Oboe: en översikt över dess historia, utveckling och konstruktion (London: E. Benn, 1975).
David D. Boyden, Red., Violinfamilj (London: Macmillan, 1989).
Rachel Brown, den tidiga flöjten: en praktisk Guide (Cambridge, England: Cambridge University Press, 2002).
Donald Jay Grout och Claude V. Palisca, en historia av västerländsk musik. 6: e upplagan. (New York; London: W. W. Norton, 1996).
Bruce Haynes, den vältaliga Oboe: en historia av Hautboy, 1640-1760 (Oxford: Oxford University Press, 2001).
Claude V. Palisca, Barockmusik. 3: e upplagan. (Englewood Cliffs, N. J.: Prentice Hall, 1991).