Idiomatyczna Kompozycja.
Kompozytorzy barokowi często tworzyli muzykę na poszczególne instrumenty, biorąc pod uwagę ich szczególne dźwięki i cechy—to znaczy ich możliwości tonalne i harmoniczne, ich charakterystyczny głos i zakres tonacji—aby stworzyć utwory, które często określano jako „idiomatyczne.”Kompozytorzy stawali się coraz bardziej nakazowi co do instrumentów, na których powinna być grana ich muzyka. Stąd muzyka epoki baroku zasadniczo różniła się od poprzedzających ją okresów średniowiecza i renesansu. We wcześniejszych epokach wybór poszczególnych instrumentów w dużej mierze zależał od samych muzyków, którzy mieli swobodę wyboru spośród wszystkich dostępnych możliwości wykonania danego utworu. Wielu kompozytorów barokowych zasłynęło natomiast szczególnie z pisania na konkretne instrumenty. Na przykład Domenico Scarlatti (1685-1757) był powszechnie znany ze swoich kompozycji na klawesyn. Sam Scarlatti był wirtuozem klawiszowcem, a jego opublikowane utwory na klawesyn stały się szeroko stosowanymi ćwiczeniami dla studentów. Utwory te popisywały się pełną gamą możliwości tonalnych i efektów, które można było czerpać z najlepszej gry na instrumencie, i wpłynęły na twórczość wielu późniejszych kompozytorów na klawesyn. To, co Scarlatti przyczynił się do powstania klawesynu, Dietrich Buxtehude (1637-1707) i Johann Sebastian Bach (1685-1750) stworzyli na organy, tworząc utwory, które do dziś należą do najznakomitszych i najznakomitszych kompozycji na ten instrument. Można przytoczyć wiele przykładów nowego repertuaru, który powstał w okresie baroku, który został napisany z myślą o konkretnych możliwościach oferowanych obecnie instrumentów dętych drewnianych i smyczkowych.
Instrumenty Klawiszowe.
w XVII wieku Kompozytorzy mieli do wyboru wiele różnych rodzajów instrumentów klawiszowych podczas pisania swoich utworów, a każdy z nich miał swoje własne charakterystyczne cechy. Głównymi instrumentami klawiszowymi baroku były organy, klawesyn, klawikord, a pod koniec okresu pianoforte. Chociaż organy są grane za pomocą klawiatury, ich dźwięki są wytwarzane przez wiatr wiejący przez piszczałki. Wśród instrumentów klawiszowych jest on wyjątkowy w swojej zdolności do podtrzymania określonego tonu, o ile organista trzyma dany ton. Organy mogą również wydawać różne dźwięki, w zależności od budowy piszczałek. Barokowe organy stopniowo rosły pod względem wielkości i złożoności, oferując możliwość grania niezależnej linii muzycznej stopami na pedalboardzie. Pedały były szczególnie zaawansowane w okresie baroku w północnych Niemczech, a na początku XVIII wieku w tym regionie Europy wykształciło się wielu wirtuozów organów, w tym Buxtehude i Bach. Często organy piszczałkowe miasta były, podobnie jak jego zegar lub glockenspiel, kwestią intensywnej dumy, a instrument został dodany, przebudowany i zmodernizowany, aby dopasować się do zmieniających się gustów epoki. Osoby takie jak Bach uzupełniały swoje dochody, oceniając organy innych kościołów i sugerując Radom miejskim i parafialnym sposoby ulepszenia instrumentu. Masywne organy piszczałkowe nie były jednak instrumentami domowymi, chociaż mniejsze jednostki w skali były czasami spotykane w zamożnych domach i pałacach szlachty. Ogólnie rzecz biorąc, głównymi krajowymi instrumentami klawiszowymi epoki były klawikord i klawesyn, które wytwarzały swoje dźwięki poprzez uderzanie lub wyrywanie strun. Muzycy i kompozytorzy często używali klawikordu, znacznie mniejszego i tańszego od klawesynu,jako instrumentu do ćwiczeń. Jest to trudny instrument do gry, ponieważ wymaga siły i zręczności ręki i wydaje znacznie cichszy dźwięk niż nowoczesne pianino. Późniejsi muzycy barokowi często wykorzystywali go do budowania mocnych stron technicznych, które mogli następnie zastosować do gry na klawesynie i fortepianie. W przeciwieństwie do klawesynu, instrument dawał znaczny zakres dynamiki, a po energicznym uderzeniu dawał znacznie głośniejszy dźwięk. Jednak niewielu kompozytorów barokowych wykorzystało moc instrumentu, z wyjątkiem Carla Philippa Emanuela Bacha (1714-1788), jednego z synów Johanna Sebastiana, który w XVIII wieku napisał wiele utworów na klawikord. Klawesyn był bardziej popularny wśród kompozytorów, a od połowy XVII wieku instrument ten poddawany był ciągłym innowacjom technicznym. W tym czasie klawesyn stał się popularny jako instrument solowy i towarzyszący śpiewakom. Był preferowany częściowo dlatego, że nie różnił się od lutni, która zarówno w okresie renesansu, jak i wczesnego baroku była najczęściej używanym instrumentem krajowym w całej Europie. Podobnie jak lutnia, na klawesynie można było uderzać jednocześnie wiele klawiszy, aby grać akordy i dlatego instrument odgrywał kluczową rolę w wielu orkiestrach i zespołach epoki baroku. Klawesyn, podobnie jak organy, stanowił gotowe źródło ciągłego akompaniamentu dla innych instrumentów. Był również szeroko stosowany w teatrach tamtych czasów jako instrument preferowany do akompaniamentu recytatywów operowych. Jednak w połowie XVIII wieku jego ograniczony zakres dynamiczny—czyli niemożność grania głośnego i miękkiego-sprawiał, że w miarę jak ten zakres dynamiki stał się ważnym elementem kompozycji i wykonania, miał być coraz częściej zastępowany przez fortepian. Na początku XVIII wieku fortepian został wynaleziony jako stosunkowo nowy instrument wśród instrumentów klawiszowych w Europie. Zamiast wyrywać struny, uderzano je młotkami, dzięki czemu gracz był w stanie wytworzyć wielkie kontrasty dynamiczne. Z tego powodu instrument ten był pierwotnie znany jako clavicembalo col piano e forte, czyli „głośny i miękki klawesyn.”Niewielu kompozytorów epoki baroku wyraźnie określało użycie fortepianu w swoich kompozycjach, ponieważ jego popularność zyskała popularność dopiero w drugiej połowie XVIII wieku.
Instrumenty Smyczkowe.
skrzypce, wraz z towarzyszącymi im instrumentami strunowymi, granymi łukami, zyskały wielkie znaczenie w epoce baroku, częściowo dlatego, że ich brzmienie ma tak wiele wspólnego z ludzkim głosem, a Kompozytorzy epoki wysoko cenili śpiew wokalny. Niektórzy Kompozytorzy stali się szczególnie znani jako Kompozytorzy skrzypiec i innych instrumentów strunowych, jak Arcangelo Corelli (1653-1713) i Antonio Vivaldi (1678-1741). Skrzypce zaczęły pojawiać się w Europiew XV wieku, mniej więcej w tym samym czasie, w którym rozwinęła się rodzina instrumentów znanych jako viols. Skrzypce odróżniały się od wiolin tym, że trzymano je na podbródku, podczas gdy wioliny trzymano zwykle na kolanach lub między nogami. Podczas gdy zarówno wiolonczele, jak i skrzypce przetrwały w okresie baroku, członkowie rodziny wiolonczeli, tacy jak viola da gamba, na ogół nie byli w stanie konkurować ze skrzypcami w zakresie dynamiki, a w połowie XVIII wieku zaczęli tracić popularność. Obecnie rodzina skrzypiec składa się ze skrzypiec, nieco większej i niższej altówki, wiolonczeli i kontrabasu. Podczas gdy instrumenty te są związane z barokiem, skrzypce różniły się regionalnie w Europie w czasie epoki, a w tym okresie nastąpiła znaczna zmiana i rozwój techniki budowlanej. Większość utworów napisanych na zespoły smyczkowe skupiała się na liniach napisanych na skrzypce i altówkę. Niezaprzeczalny wzrost popularności skrzypiec w XVII wieku widać w pojawieniu się wielu ośrodków produkcji skrzypiec w całej Europie. Na początku XVII wieku włoskie miasta Cremona i Brescia były już znane ze swoich skrzypiec, a Cremona miała ostatecznie produkować dwóch twórców, Antonio Stradivarius (ok. 1644-1737) i Giuseppe Guarneri (1698-1744), według których standardy jakości były oceniane w czasach współczesnych. Jednak w XVII i XVIII wieku wielu innych twórców i regionów było znanych z jakości swoich skrzypiec. Instrumenty Jacoba Stainera (1617-1683), producenta z Tyrolu w Austrii, były szeroko podziwiane w całej Europie, podobnie jak te produkowane w Mirecourt i Paryżu we Francji. Regionalne zróżnicowanie kompozycji i praktyk muzycznych powodowało coraz większe różnice w stylu gry na skrzypcach w całej Europie. Na przykład pod koniec XVII wieku istniał rozpoznawalny „francuski styl” gry na skrzypcach, charakteryzujący się większą kontrolą nad ukłonami i precyzją rytmu oraz wykorzystaniem ornamentów, styl wywodzący się z używania skrzypiec we Francji do akompaniowania oper i baletów oraz do gry uwertur francuskich. Natomiast włoski styl kompozycji na skrzypce koncentrował się na popisywaniu wirtuozerii gracza poprzez błyskotliwe przejścia ornamentów, runów i tryli.
instrumenty dęte miały różne zastosowania. Niektóre, takie jak rogi i trąbki, były często używane na zewnątrz do fanfar, procesji, polowań i okazji wojskowych. Były one częściej używane w grupach, a rzadko służyły jako instrumenty solowe. Z drugiej strony, niektóre instrumenty dęte stały się tak popularne, że producenci instrumentów pomagali je adaptować i zmieniać, aby uczynić je lepszymi instrumentami solowymi, chociaż instrumenty dęte nadal służyły również w koncertach zespołowych. Pod koniec XVII wieku flet i obój zaczęły konkurować ze skrzypcami jako instrumenty solowe, które mogły być tak ekspresyjne jak śpiewak. W okresie baroku produkowane były flety w dwóch różnych odmianach: fletowy i poprzeczny. Flet poprzeczny jest odtwarzany przez wdmuchiwanie powietrza przez otwór w ich końcu, podczas gdy flet poprzeczny jest trzymany na boki. Do około 1740 roku Kompozytorzy pisali muzykę na oba instrumenty, chociaż po tej dacie flet poprzeczny stał się faworyzowany niemal wszędzie. Twórcy instrumentów pracowali nad rozszerzeniem zakresu tonalnego, podobnie jak zmiany w instrumentach klawiszowych epoki; starali się również poprawić jakość dźwięku w tym zakresie, aby nowe barokowe flety i oboje mogli grać dwie oktawy i więcej. Król Prus, Fryderyk II (Wielki; R. 1740-1786) był znany ze swoich doskonałych umiejętności gry na flecie. W 1740 roku Fryderyk zaprosił do Prus wybitnego flecistę i kompozytora Johanna Joachima Quantza, aby pełnił funkcję nadwornego kompozytora. Quantz dostarczył obszerny zestaw kompozycji wykorzystujących flet poprzeczny, własny instrument Fryderyka. Był również znanym flecistą i wyprodukował wiele fletów dla króla i do użytku w Królewskim domu. Wielu innych osiemnastowiecznych kompozytorów napisało utwory na flet solo lub obój, takie jak Sonaty, podobnie jak pisali na skrzypce, wśród nich Carl Philipp Emanuel Bach (który przez wiele lat pracował dla Fryderyka Wielkiego) i Georg Philipp Telemann. W miarę rozwoju formy koncertowej w późnych epokach baroku i klasycyzmu, flet i obój przechodziły także w role solowe, by pod koniec wieku połączyć się z najnowszym drewnopodobnym klarnetem. Klarnet ma podobny zakres tonalny jak flet i obój, ale zarówno jego szczególne brzmienie, jak i duży zakres dynamiczny sprawiły, że był atrakcyjny dla kompozytorów w późnym XVIII wieku i wkrótce stał się standardowym instrumentem muzycznym zarówno dla zespołów, jak i do wykonywania solowego.
, Concert Music (1630-1750) (Oxford: Oxford University Press, 1986).
Philip Bate, the Oboe: an Outline of its History, Development and Construction (London: E. Benn, 1975).
David D. Boyden, ed., Violin Family (London: Macmillan, 1989).
Rachel Brown, The Early Flute: A Practical Guide (Cambridge, England: Cambridge University Press, 2002).
Donald Jay Grout i Claude V. Palisca, Historia muzyki zachodniej. 6.ed. (New York; London: W. W. Norton, 1996).
Bruce Haynes, The Eloquent Oboe: A History of the Hautboy, 1640-1760 (Oxford: Oxford University Press, 2001).
Claude V. Palisca, Muzyka Barokowa. 3.ed. (Englewood Cliffs, N. J.: Prentice Hall, 1991).